CHULONÍZATE por DAVID LORENZO

DESCONCIERTOS (MALACABEZA)

2012-02-04T10:23:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 17 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 150 personas aproximadamente.

Debido a que, las cosas como son, las canciones, el estilo, los registros y la propuesta musical en general de Malacabeza me dejan bastante frío; apenas me emocionan, cautivan, subyugan ni motivan; y por tanto, en líneas generales, en esta humilde crónica de su pasado concierto en El Sol, va a haber más palos que halagos; voy a dejar bien clara una cosa desde el principio, sobre todo para que luego no aparezcan los comentarios de el/los listillo/s de turno dándome cera por pensar que mis opiniones en vez de surgir desde la sinceridad (aunque a veces a mí mismo me duela reflejarla), están motivadas por otras cuestiones tales como envidias, malos rollos con los grupos criticados, desavenencias y otras chuminadas y polleces varias del estilo: los miembros de esta banda en general y en especial sus dos pilares básicos, Ramonet Reche y sobre todo Joel Reyes, me parecen una gente maravillosa, cercana, humilde, trabajadora, entusiasta y simpática. Pude charlar con ellos después de esta actuación, compartiendo unas cervezas y me subyugaron sus conocimientos musicales, su amor por esta profesión, su ilusión, su sensatez y sobre todo su calidez y calidad humana. Quiero resaltar además, que lo que yo escribo en este blog no es ni más ni menos que mi opinión, que a su vez es el fiel reflejo de las sensaciones (positivas, negativas, frías, entusiastas…) que en mí provocan los diferentes artistas que desarrollan sus propuestas sobre el escenario y por tanto pueden ser diferentes, parecidas, iguales o diametralmente opuestas a las del lector, pero eso sí, sinceras. Por otro lado, es cierto que en muchas ocasiones me he despachado a gusto y he sido muy hijo de puta en mis comentarios y análisis, pero queridos amigos (o no), creo sinceramente que todo lo que escape de la crítica políticamente correcta, insulsa y anodina que por regla general es la que se hace en este país, es algo que hay que practicar, fomentar y difundir. Y si fulano de tal y su banda de menganos hacen una música que a mí me provoca arcadas y ganas de inflarlos a hostias, pues intentaré reflejarlo en este espacio de la forma más fehaciente posible, en vez de escribir las típicas mierdas del tipo: “tienen que mejorar”, “estuvieron flojitos”, “no fue su mejor día”, “tal vez su sonido sólo sea apto para paladares muy exquisitos”, etcétera, etcétera. Y para terminar, y como sabréis los habituales lectores del blog, este espacio ha sido desde el primer día de su creación también el vuestro, teniendo cabida todas vuestras opiniones y comentarios, que jamás he eliminado, cuestionado ni omitido. Así que si aún después de esta introducción sigues pensando que mis opiniones no son sinceras o bien que soy un gilipollas, un capullo, un mierda, que no tengo ni puta idea o cualquier otra cosa que se te ocurra, podrás perfectamente reflejarlo al finalizar esta entrada, algo que te agradeceré enormemente, porque quien a hostias verbales mata a hostias verbales merece morir.

Pero centrémonos ya en el concierto de Malacabeza, un grupo que comenzó como un proyecto en solitario de Joel Reyes (ex Baked Beans, no lo olvidemos) allá por el 2001 cuando comenzó a componer y escribir unas canciones que acabaron publicándose en 2009 en su homónimo primer disco. Tras este lanzamiento, Malacabeza cambió a formato de banda, siendo Reche el nuevo pilar en el que se sustenta el peso compositivo de los nuevos temas de este proyecto que aparecen compilados en su nuevo larga duración: “Pirómanos”, que es precisamente el disco que presentaron esta noche ante el público de la capital.

Estilísticamente, esta banda se mueve entre el pop y el rock, siendo los temas más pausados, las baladas y los medios tiempos, los más predecibles en general y los temas más enérgicos y moviditos los más disfrutables, pese a no ser tampoco nada del otro mundo. La falta de originalidad de su sonido, el hecho de que todas sus canciones suenen a algo ya conocido y escuchado hasta la saciedad, es sin lugar a dudas la mayor tara de Malacabeza. Por un lado, los temas más “pop” del repertorio poseen unas melodías demasiado planas y monótonas, faltas de fuerza y muy predecibles, con un tufillo a típico temita de radiofórmula que tiran pa´ tras. O bien suenan a pop ochentero trasnochado. O lo que es peor, algunos incluyen ciertos matices charangueros y pachangueros a lo orquesta de pueblo, que terminaron de dejarme helado. Y el caso es que aún con todo y eso, tuvieron una actitud sobresaliente sobre las tablas, demostrando un gran dominio del ritmo y el tempo de un buen directo y sobre todo, que son muy buenos músicos -sonido impoluto, gran coordinación, técnica exquisita-. De hecho, y pese a que no nos engañemos, ninguno de sus temas escapó de lo previsible, nos ofrecieron varios momentos gratificantes cuando explotaron su vena más rockera, sonando a algo ya conocido -Héroes del Silencio, Fito y Fitipaldis-, pero no por ello menos disfrutable. Destacaron sus acertadas y movidas versiones del “Resistiré” del Dúo Dinámico y de “Pánico en el edén” del gran Tino Casal. De su última largo, las sólidas “Pirómanos” y “Real”. Y como momento álgido, la interpretación de “Vida” junto con el bueno de Morti, que como siempre cumplió con nota. Me gustaría destacar también el plus de intensidad y sensibilidad con el que Malacabeza arremetió sus canciones más pausadas y reflejar que como invitado, también se subió al escenario el cantante Chuso Moya, que la verdad es que pasó bastante inadvertido.

En definitiva, poca originalidad en un proyecto que a mí personalmente apenas me transmitió nada; compensada por altas dosis de profesionalidad y una buena actitud en escena. Lo que acaba provocando que de Malacabeza apenas recuerde ya ninguna de sus canciones por un lado; pero por otro, conserve un grato y perenne recuerdo de sus integrantes y de su despliegue de optimismo, ilusión y calidez.

DESCONCIERTOS (AKRON/FAMILY Y TIMBER TIMBRE)

2012-01-19T10:48:00.000-08:00

Concierto celebrado el Miércoles 16 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 200 personas aproximadamente.

Los teloneros Timber Timbre no llegaron a conectar de todo con un público que siendo realistas, había acudido a la sala a ver a Akron/Family, sin importarles ni mucho ni poco lo que pudieran ofrecerle los canadienses. Esto hizo que no se esforzasen en prestar atención a la acojonante (pero compleja) propuesta musical que estaba siendo desarrollada sobre las tablas, que no mostrasen ni pizca de interés y que pasasen, de ni siquiera, intentar disfrutar de su exquisito y soberbio sonido. La verdad es que no sé si cuando el trío encabezado por Taylor Kirk comience a ser recomendado y ensalzado (porque no dudéis que con su calidad, más pronto que tarde comenzarán a ser reconocidos como uno de los puntales del folk rock más original y atrayente a nivel mundial) por la crítica nacional, con el mismo ímpetu con el que en la actualidad se ha estado ensalzando a Akron/Family, muchos de los asistentes a este concierto no se acabarán tirando de los pelos por no haberles hecho ni puto caso, o bien obvien esta falta de atención con sus amigos modernatas y mintiendo como bellacos presuman de que “yo ya los vi hace dos años en El Sol cuando no eran tan conocidos y me fliparon”. ¡Ay, los gafapastas y sus imposturas!

Pero centrémonos ya en los aspectos meramente musicales. Timber Timbre ejecutan una suerte de folk/rock/pop/country preciosista y delicado, cocinado con una alta gama de ingredientes experimentales -auto-arpa, pedales, reverberación…- pero con aroma y sabor a “clásico”, de una exquisitez sobresaliente. Predominan en su repertorio (centrado en esta ocasión en su último disco publicado: “Cree pon creepin´in” -el cuarto de su carrera, pero el primero que publican en Europa-) las canciones de melodías complejas, oscuras, dramáticas, intensas, profundas, casi mágicas -podrían funcionar a la perfección como banda sonora de las películas de Tim Burton o de David Lynch para que os hagáis una idea- y sobre todo, hermosas.

El peso del grupo lo lleva sin duda el ya citado Taylor Kirk, quien con su voz profunda e inmensa, se destapa como un aventajadísimo alumno del maestro Leonard Cohen, sobre todo en los temas en que su voz se desliza sin prisas, casi recitando, lo que provoca que las letras de las canciones adquieran un tono más solemne. Pero es que además domina un amplio abanico de registros y también es capaz de alcanzar un lirismo cálido y aterciopelado que a su vez recuerda a Antony (Antony and the Johnsons). Sería injusto no obstante, no citar a esos dos secundarios de lujo que le acompañan: Mika Posen (fabuloso con el violín) y Simon Trottier (el artífice de la mayoría de efectos opresivos e inquietantes que elevan el tono de todos los temas del trío).

De su sobresaliente actuación destacaron tres canciones sobre el resto: las intensas y vibrantes “Obelisk”, “Cree on creepin´on” y “Swamp magic”, cima compositiva de los para mí, triunfadores de la noche.

Tras ellos, saltaron a escena unos Akron/Family que vinieron a presentar al público español su último disco -“Akron/Family II: the cosmic birth and journey of shinju TNT”- y a los que les costó calentar motores. El trío afincado en New York comenzó dubitativo y falto de intensidad y no fue hasta mediada su actuación cuando se produjo un “in crescendo” en su actitud, en su forma de ejecutar los temas y en el sonido de dichos temas, que finalmente acabó en un pitote de cojones que dejó a la parroquia exhausta.

Los primeros temas en caer -“Gravelly mountains of the moon”, “Love, love, love (everyone)”, “River”...”-, fueron los que tuvieron una menor carga lisérgica, experimental y psicodélica de toda su actuación. Es decir, los de sonido menos sugestivo, fresco y novedoso y por tanto, como ya he dicho anteriormente, los más fallidos. De hecho, sonaron a ese folk colorista y vital que hizo famosos a Simon & Garfunkel, pero mucho más monótonos y predecibles. Su primera intentona pues, de ejecutar ese folk revitalizador que les ha hecho famosos, de realizar un sonido preciosista cimentado en los quiebros de las melodías y la variedad de matices, hizo aguas por los monótono de dichos matices que en vez de ser ostentosos, contundentes y casi barrocos como en la segunda parte del concierto, tendieron a un minimalismo que no les sienta nada bien y provoca más aburrimiento que otra cosa.

“Island” fue el punto de inflexión de la noche. El momento en que Olinski, Larssen y sobre todo Miles Seaton parecieron considerar oportuno, para de una puta vez por todas, mostrar su lado más gamberro y dar rienda suelta a sus benditas chaladuras, arrancándose de cuajo esa especie de corsé que hasta el momento les había constreñido. La transmutación se tradujo en saltos, contoneos, diversión (lo mejor del trío es que están muy, pero que muy colgados) y por supuesto en un sonido más huracanado, transgresor y sensorial. Memorables fueron sus interpretaciones de “Silly bears” y como no, de ese “Another sky” que puso la sala patas arriba, con los protagonistas de la noche mezclándose enfervorecidos con un público entregado. La psicodelia brotó con fuerza y también los toques experimentales, recordándome varios pasajes sonoros a la increíble banda italiana Drink to me. Para los bises dejaron “Love and space” (“Meek warrior”) con la que cerraron de forma brillante una actuación en la que por momentos hubo más cuento que talento y por momentos más talento que cuento, lo que a su vez provocó que en algunos pasajes me preguntase: ¿a quién quieren engañar?, para finalmente sentirme encantado de haber sido subyugado por su música (sin importarme ya ni mucho poco si había sido engañado o no).

DESCONCIERTOS (WYE OAK Y PINK MOONTAINTOPS)

2012-01-11T08:32:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Lunes 14 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 100 personas aproximadamente.

Esta velada otoñal podría definirse como la noche de los “dúos rarunos” y también como la de los dúos certeros.

Para empezar, el dúo Pink Moontaintops, formado por Stephen McBean, cantante de Black Mountain que en este proyecto paralelo ejerce de “songwriter” y guitarrista, y por Greg Foreman (ex The Delta 72) a los teclados y coros. Su aperitivo de unos cuarenta minutos de duración estuvo cocinado con muchos ingredientes estilísticos pero curiosamente ninguno de ellos fue el del folk rock, pese a ser éste el género que más alabanzas le ha reportado al chef McBean por parte de crítica y público con su proyecto más conocido, el ya citado grupo Black Mountain. Entre la amalgama de géneros y estilos que dan forma al genuino sonido de los americanos en cambio, pudimos encontrarnos con altas dosis de rock clásico, pinceladas de electrónica, trazas de shoegaze y unos buenos chorreones de psicodelia aliñándolo todo. Formando un conjunto perfectamente ensamblado con la finalidad de crear una atmósfera casi etérea compuesta por unas melodías angostas, oscuras y complejas; plagadas de matices, quiebros y requiebros; de texturas dispares que se movieron desde la rugosidad más cortante a la acuosidad más fluctuante. Una mezcla tan explosiva como inverosímil que parece beber de los primitivos Depeche Mode, de Death in Vegas, de los Blur más psicodélicos e incluso del sonido áspero y oscuro de The Stooges. Una mezcla que sobre todo se cimenta en la fabulosa voz de Stephen McBean, que se mueve con solvencia por amplitud de registros y que posee ese deje de suficiencia y altivez tan característico de vocalistas como Liam Gallagher. Hasta aquí todo correcto, todo positivo, por no decir excelso. El problema es que si una actuación de apenas tres cuartos de hora te acaba provocando cierto grado de sopor, por no decir aburrimiento, es que algo falla. Y lo que falla es que pese a las variaciones melódicas y de género, Pink Moontaintops ofrecen un directo muy lineal, sin cambios de intensidad, que se vuelve monótono al cuarto de hora y que provoca una especie de semiinconsciencia que acaba traduciéndose en regustillo amargo. Por tanto, clase y genio poseen, pero falta algo más de entraña para tornar un show demasiado frío y distante en un show que sea capaz de transmitir mucho más calor al público. Aún así, la suya fue una curiosa, diferente y buena actuación.

Para finalizar, el dúo de de Baltimore Wye Oak, formado por Jess Wasner -cantante y guitarrista- y por el increíble Andy Stack, quien ahí es na´, toca con su mano izquierda el teclado y con la derecha la batería, en un derroche de virtuosismo que yo jamás había visto antes. Virtuosismo del que hace también gala una Jess Wasner que posee una hermosa voz que se deslizó con soltura por una amplia gama de registros, abarcando desde la solemnidad de Chrissie Hynde a la luminosidad cegadora de Björk, pasando por la profundidad de Bonnie Tyler, sin inmutarse; y que además toca la guitarra con una fuerza y una rabia arrebatadoras como dejó claro en temas como “Dogs eyes” y “Hot as day” (de lo mejor de su gran actuación).

El sonido de los americanos es una especie de rock futurista con toques electrónicos, cimentado en unas complejas melodías compuestas por decenas de capas sonoras superpuestas, que dan como resultado un todo solemne y abismal, que acaba atrapándote con fuerza en su interior. Además, y a diferencia de sus compatriotas Pink Moontaintops, imprimen una intensidad colosal a sus interpretaciones, logrando en este caso sí, un feedback total y absoluto con el público.

En este concierto destacaron los temas interpretados de su último disco “Civilian”, que por otra parte es de los tres que componen su discografía, su cima compositiva hasta la fecha. Sonaron increíbles además de las ya mencionadas “Dogs eyes” y “Hot as day”, las emocionantes “Holy” e “I hope you die” y sobre todo su gran hit “Civilian”. De trabajos anteriores dejaron para el final la efectiva “For prayer” (“The Knot”, 2009) y ya en los bises se marcaron una correcta versión del “Stranger” de los Kinks.

Y al marcharse nos dejaron esa sensación placentera de saber que habíamos disfrutado de un concierto más que especial.

DESCONCIERTOS (THE POLECATS Y NU NILES)

2012-01-09T10:45:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 12 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 150 personas aproximadamente.

El sexto trabajo de estudio de los barceloneses Nu Niles ha sido producido por Martin “Boz” Boorer, ahora más conocido por ser el actual director musical de la banda de Morrisey, pero sobre todo para los amantes del Rockabilly británico, por ser uno de los miembros fundadores de The Polecats allá por 1977; por lo que no es de extrañar que ambos compartiesen escenario en la capital en esta mágica velada, en la que a la postre, precisamente el gran ausente fue el propio “Boz”.

El homónimo último trabajo del grupo catalán estuvo a punto de no ver la luz por el accidente sufrido por su baterista Blas Picón, pero finalmente decidieron grabarlo sustituyéndolo por el notable Anton Jarl de “Mambo Jambo”. Este disco es el que precisamente presentaron esta noche ante la parroquia madrileña, aunque también cayeron temas de trabajos anteriores: “I let mess her my hair” (“Destination Know”), “Shot shot shot” (“You didn´t come to my funeral”) -de su época de composiciones escritas en inglés-, “Every nena”… De las nuevas destacaron: “Bajo tu colchón” (de lo mejorcito que han compuesto en su carrera), “No lo vi venir” y “Nada será eterno”, que demuestran la línea continuista de las composiciones de Cobo, Kovacevic y Picón con respecto a largos pasados, pero con un poso más pausado y clasicista (el hillbilly a pasado a mejor vida y las reminiscencias con bandas primigenias del Rock and Roll en la Ciudad Condal como Los Rebeldes, son cada vez más evidentes), con el castellano como lengua elegida para transmitir sus mensajes y con un mayor número de matices en las melodías. La fuerza la sigue poniendo no obstante el poderoso Iván Kovacevic al contrabajo, que estuvo inmenso sobre todo en la contundente “El crujir de tus rodillas” (de los mejor de la noche). La mano de Boorer también se nota en muchos de los temas, algo que inevitablemente nos trae a la mente a los Stray Cats, ya que el salvajismo punk de The Polecats es algo que no ha empapado la pureza del sonido de Nu Niles. Una pureza y corrección en la ejecución que ya son marca de la casa y que les ha servido para ganarse el respeto y el cariño del público. Un respeto que por supuesto yo también les profeso, pero que aún así no evita que una vez más me quede la sensación de que el trío barcelonés podría dar mucho más de sí, que sigue ofreciéndonos shows demasiado estáticos y que podrían si quisiesen dotar de una mayor garra, contundencia y alma a unas composiciones que no acaban de explotar con toda la fuerza que deberían. Algo que esta noche fue más evidente que nunca cuando a continuación saltaron a escena unos incendiarios The Polecats que derrocharon fuerza y clase a raudales, sobre todo gracias a un hipermotivado Tim Worman, que demostró lo que significa salir a comerse el escenario a “bocaos”; y eso pese a que ya no tienen nada que demostrar a estas alturas de la película, en la que ya han escrito con letras de oro su nombre en la historia musical del Rock and Roll, sobre todo gracias a ese “Polecats are go!” (1981), que es sin duda uno de los mejores discos de rockabilly europeos de todos los tiempos.

Y es que treinta y tantos años después de su formación, la banda londinense sigue en un estado de forma acojonante y derrochando altas dosis de esa energía tan cercana al punk, que ha definido su sonido, sus trabajos de estudio y sus directos hasta día de hoy. Si a ello le sumamos que poseen un repertorio plagado de canciones memorables -“Big green car”, “Get ready Amber”, “Hip hip baby”, “Sunglasses”, “Crash the party” y por encima de todas ellas las míticas “Make a circuit with me” y “Rockabilly guy”- que encima aderezan con versiones brutales de clásicos como la del “John I´m only dancing” de Bowie con la que abrieron su actuación, la de “Jeepster” de T-Rex (trepidante y cercana al “psycho”) y la del “What do I get” de The Buzzcoks (salvaje); que imprimen un ritmo trepidante a sus actuaciones (ésta, con dos tandas de bises incluidos) y que son capaces de mezclar con sapiencia el sonido de Stray Cats con la fiereza de los más grandes iconos del punk de la historia; es evidente que asistir a uno de sus directos sigue siendo a día de hoy una experiencia inolvidable.

Sudor, garra, riffs endiablados, toques surf, un poquito de punk y un mucho de Rock and Roll es la fórmula de su éxito. Y por encima de todo, unas enormes ganas de seguir disfrutando con la música y de seguir demostrando lo grandes que son, sin buscar vivir de rentas pasadas y siendo igual de inconformistas que cuando surgieron.

Conciertazo el suyo.

DESCONCIERTOS (THE CHERRY BOPPERS)

2011-12-18T10:52:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Viernes 11 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: cerca de 100 personas.

La banda de Santutxu (Bilbao) es otro ejemplo que constata una de las realidades musicales más evidentes de la Península: Euskadi es con diferencia su mejor y más prolífica cantera de músicos, grupos y solistas. Empiezo esta reseña con esta (mi) opinión (por no decir realidad más que objetiva) porque creo que tiene mucho mérito que de un territorio tan pequeño hayan surgido y sigan surgiendo proyectos musicales como churros, de tan enorme calidad, talento, frescura y originalidad, englobados en todo tipo de géneros y revitalizando todo tipo de sonidos y estilos. De hecho, sin echar la vista atrás y centrándome únicamente en grupos coetáneos, a vuelapluma me vienen a la mente decenas de nombres tan indispensables como: Barricada (¿se separarán realmente?), We Are Standard, Berri Txarrak, Txarrena, Betagarri, Su Ta Gar, Doctor Deseo, Sociedad Alkoholika, Fermín Muguruza, Ruper Ordorika, Fito y Fitipaldis, Pi.L.T., Atom Rhumba, Señor No… Listado ante el que solo puedo mostrar desde este humilde blog mi más sincera admiración y reconocimiento.

Centrándome ya en The Cherry Boppers en particular, vaya por delante que para mi es una de las mejores bandas de jazz funk, soul y música de raíz negra que hay en nuestro territorio. Esto es así porque poseen una facilidad pasmosa para mezclar estos géneros con otros estilos (base rockera evidente, pinceladas de acid jazz, toques de blues y altas dosis de psicodelia) lo que provoca un abanico de sonoridades que engrandecen sobremanera el resultado final. También porque son una de las bandas que mejor fusionan metales con cuerdas en la actualidad. Y sobre todo, porque tienen una facilidad asombrosa para generar hitazos a cascoporro, de esos que desatan pasiones e inundan de ardor y sudor las pistas de baile.

Este asombroso puzzle de sonidos explosivos, gran dinamismo y ritmo frenético es el resultado de unir seis piezas maestras: el ímpetu de “Ignatius Johnny” al tocar su hammond de forma infernal, la rotundidad de “Txefo K-Billy” y “Rambo The Street King” a la batería y al bajo respectivamente, los desaforados sonidos extraídos por “Willy Calambres Wallace” de su saxo, la contundencia de “Art LaRoque” al trombón y sobre todo, la suficiencia con la que “Xixo Yantani” consigue extraer de su guitarra, riffs abrasivos y punzantes en la onda del lisérgico Santana de los inicios y del estratosférico Charles Pitts (guitarrista del álbum “Shaft” grabado en 1971 por Isaac Hayes), provocando un éxtasis continuo en el oyente.

Éxtasis que en esta ocasión surgió de la mezcla de temas ya clásicos de su todavía no muy extensa, pero acojonante, discografía: la huracanada y trepidante “La pulguita” (“Play it again!”), su single más reconocible y rompepistas “Black Lolita”, su brutal versión del “Watermelon man” de Herbie Hancock, la frenética “Play it again, funk!”…, con el desglose casi completo de las canciones que componen su nuevo disco “Shakin´ The Hood” -que es el que presentaron esta noche al público de la capital-: “Wild imagination”, “Blasphem blaster”, “The harvest” y las impresionantes “Crosstown Traffic” (versión que homenajea al maestro Jimmy Hendrix, que por intensidad, originalidad y frescura, me atrevería a decir que podría sentar las bases de un nuevo género musical: el Psicodelic Rock and Soul) y sobre todo esa bestialidad que es “Hey!”, que a su vez abre una nueva veda en lo que a estilos musicales se refiere y que también me voy a atrever a bautizar como Garage Funk; y que acabó desembocando en una recta final memorable en la que The Cherry Boppers enloquecieron, ofreciéndonos un derilante, enloquecido y anfetamínico cierre de concierto en el que se multiplicaron los saltos, los bailes, los gritos y las situaciones asombrosas como la que protagonizaron LaRoque golpeando de forma magistral las teclas del hammond con su trombón e Ignatius completando la faena, tocando ese mismo hammond del revés.

Actitud, calidad y energía arrolladoras, que me trajeron a la mente a la mejor tradición de bandas gypsys y zíngaras de la Europa del Este, puestas al servicio de uno de los directos más brillantes que se pueden disfrutar a día de hoy en nuestros escenarios. Lujazo, vaya.

DESCONCIERTOS (JD McPHERSON)

2011-12-16T09:18:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 10 de Noviembre en El Sol (Madrid). Público: lleno.

El primer disco en solitario de JD McPherson, antes al frente de Starkweather Boys, “Signs & Signifiers”, ha sido considerado por la crítica especializada como uno de los mejores discos de Rock and Roll del año y ha contado además con el beneplácito del público más purista: esos rockers de la Vieja Escuela que en la mayoría de lugares (también en nuestro país) son los que suelen aconsejar con sus opiniones por donde van los tiros, a las nuevas hornadas de amantes del género, a los cachorros de nuevo cuño y al resto de rockers y “advenedizos” (jerarquías mandan) menos exigentes en cuanto a valorar y preponderar el clasicismo de bandas y solistas que escuchan. No es de extrañar por tanto que en esta velada hubiese un predominio casi absoluto de tupés y patillas y no se viese un mayor eclecticismo en el público, más propio de otros artistas centrados en el revival, tipo Kitty, Daisy and Lewis, por poner un ejemplo. Esto por un lado es un claro ejemplo de que la esencia de las canciones que componen “Signs & Signifiers” es de una pureza estilística que evoca a los gloriosos 50´s y a los más grandes maestros del género -Howlin Wolf, Elmore James, Bo Diddley, Chuck Berry…-, y por otro, una muestra más de que por desgracia este tipo de música, pese a poseer como en este caso una calidad aplastante, un sonido exquisito, una elegancia abrumadora y un ritmo estratosférico, apenas llega, es conocida ni valorada, por un público más masivo. Lo que a su vez es motivo de orgullo para un público que sobre todo valora la autenticidad y una identidad propia, única, diferente (y minoritaria) y gusta de guardar en secreto sus joyas; y que por tanto rehuye y huye de modas y estilos más masivos, generales y generalistas; pero en el fondo provoca que haya ciertos sectores de la audiencia, con las orejas potencialmente más abiertas, a las que apenas les lleguen estos sonidos, lo que provocaría que artistas de este calibre alcanzasen un reconocimiento mucho mayor del que poseen.

No obstante, con actuaciones como la de esta pasada velada, de Rock and Roll con mayúsculas en particular y de Música con mayúsculas en general, me temo que JD y compañía van a incrementar notablemente su nómina de adeptos allá donde vayan, porque poseen una calidad incuestionable que subyuga con una facilidad asombrosa. La fórmula de su éxito es el resultado de una conjunción de talentos abrumadora. Que JD canta con una suficiencia increíble es algo que ya se ha comentado miles de veces, pero a esto hay que añadir algo que no se ha resaltado tanto y es que toca la guitarra -una preciosa Fender Telecaster como no podía ser de otro modo- de forma avasalladora y endemoniada, gracias a una velocidad en sus dedos que hacía mucho que no veía y generando unos sonidos afilados y punzantes de esos que se clavan como puñales en la memoria para no marcharse jamás. Al de Oklahoma además le acompañan el portentoso Jimmy Sutton al contrabajo, que además es el productor del disco y sobre todo en el directo, es el que lleva el peso de los temas con una base rítmica brutal, atronadora y sin fisuras; Alex Hall a la batería, que atesora una clase con las baquetas exquisita y además se ha encargado de las mezclas en “Signs & Signifiers”; y Jonathan Doyle al saxo, que es quien se encarga de elevar el tono general del conjunto con sus enrevesados, coléricos y casi enloquecidos (el espíritu de James Chance sobrevoló la sala personificado en él) solos y sobre todo de aportar un abanico de matices que hacen que el sonido 50´s suene fresco y revitalizador sin perder ni un ápice de su primitiva esencia.

A este talento hay que añadir una enorme actitud y un despliegue de energía encomiable. Prueba de ello es que McPherson comenzó la actuación algo dubitativo debido a unos problemas en su garganta más que evidentes, por lo que pidió disculpas al público varias veces. Lejos de restarle puntos al devenir del concierto, el esfuerzo de JD por superarlos creciéndose ante las adversas cirscunstancias y consiguiéndolo finalmente -su voz se fue calentando hasta eclosionar con una intensidad demoledora en la recta final de la noche-, otorgó a la figura del cantante un plus de brillantez cimentado en su fuerza, garra y pundonor sobre las tablas.

Del repertorio, simplemente decir que fue uno de los mejores compendios de R ´n´ R, swing, boogie y blues que se pueden degustar a día de hoy en el planeta, sobre todo porque el cantante norteamericano consigue transmutarse según el tema interpretado, en algunos de los más grandes maestros del género. Así, con “Scandalous”, tema con el que abrieron la noche, JD evocó al Little Richard más huracanado; con “Dimes for nickels” y “B.G.M.O.S.R.N.R.” a Chuck Berry; con “I can´t complain” a Elmore James; con “Wolf teeth” (ya en los bises, acojonantes por cierto) al homenajeado Howlin Wolf y su negra alma de blues; a Jackie Wilson con “North Side Gal”; y con “Signs & Signifiers” a Bo Diddley. Mención especial merecen las dos versiones incluidas en su álbum de de debut: “Country boy” de Tiny Kennedy y “Your love” de los Bellfuries de Joey Simone, y la también increíble versión que se marcaron del “Carol” de Chuck Berry. Un lujazo para una memorable velada de exquisito sabor añejo.

DESCONCIERTOS (THE BREW Y ÚLTIMA EXPERIENCIA)

2011-12-11T10:41:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado miércoles 9 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: casi lleno.

Para los que huimos de músicas manufacturadas, de playbacks, de falsos productos “musicales” y de “artistas” más preocupados en dar volteretas que de cantar, los géneros como el blues, el punk, el rock o el garage (por poner sólo algunos de los más destacados ejemplos) son tablas salvavidas a las que nos agarramos con uñas y dientes. Porque por regla general las bandas y solistas cuya música se adscribe dentro de cualquiera de ellos, suelen fundamentar su estilo y su sonido en la autenticidad y por tanto dan una importancia superlativa a sus directos, sabedores de que los mayores y mejores devoradores de dichos géneros suelen dictar sentencia (positiva o negativa) dependiendo muy mucho de cómo suenen sus canciones, más que en el estudio, en las distancias cortas de un concierto. Los madrileños Última Experiencia son más que conscientes de este hecho y como buenos amantes que son del rock de los 60´s y 70´s, que a la postre es el género del que bebe su música fundamentalmente, están creciendo como banda de la mejor manera posible: a base de patearse salas y más salas; tocando como cabezas de cartel, como invitados o como teloneros; ante públicos dispares y a veces ajenos (cuando tocas de telonero como ocurrió esta noche, generalmente lo haces ante un público que no viene a verte a ti, y para ganarte su respeto y conseguir su admiración tienes que emplearte al 100 %); adquiriendo tablas y experiencia que a la postre son las que forjan el carácter del individuo y le permiten obtener poco a poco más solvencia, seguridad y empaque; y andando su camino con pasitos cortos, sin prisas, sin perder el norte y construyendo sus sueños e ilusiones desde los cimientos y no desde el tejado. El mejor ejemplo de esta sabia forma de hacer las cosas es el hecho de que en apenas dos años esta sea la cuarta vez que el trío visita El Sol y que no tengan prisa en publicar un primer largo de debut (que no obstante llegará a principios del 2012), dejando primero que crezcan y maduren sus canciones a base de ser ejecutadas una y otra vez en sus conciertos. Y los satisfactorios resultados saltan a la vista. Todavía recuerdo su primer bolo allá por otoño del 2009 en esta mítica sala: los nervios atenazándolos, el tono plomizo y monótono de su actuación, su falta de ritmo, de garra y de alma, y la poca vida de unos temas que todavía sonaban deslavazados e insulsos. Dos años después y con tan sólo un E.P. más publicado desde entonces -el reciente “Tres”-, aquellos primeros temas de su E.P. de debut -“Madrid”- han evolucionado hacia una rotundidad, un empaque y una fuerza que los han convertido (a base de curro y esfuerzo, repito) en soberbios trallazos que engrandecen la mejor tradición del rock clásico, y los nuevos, también trillados hasta la saciedad para buscar la perfección durante estos dos años, antes incluso de ser publicados, suenan ya a algo reconocible y apetecible, a Última Experiencia, o lo que es lo mismo, a rock de guitarras de sonido incisivo y contundente, en los que además aparecen nuevos matices que enriquecen el conjunto como esos aires “blueseros” que hasta la fecha no eran tan característicos del estilo del grupo. Dos años después además, los nervios han dado paso a la seguridad, la monotonía al derroche de energía, la falta de ritmo se ha tornado en ritmo trepidante y la falta de garra en una mejoría de la actitud, en sudor, en saltos, en rabia y en hambre devoradora de escenarios. Y dos años después la técnica se ha pulido: J. Alberto y Carlos han dotado a las bases del trío de una fuerza demoledora en muchos momentos, antes inexistente y Miguel ha crecido como guitarrista (su voz tiene sin embargo todavía mucho margen de mejora) hasta límites insospechados, regalándonos unos punteos, unos solos y unos rítmicos de un virtuosismo incuestionable. A excepción por tanto de esos escasos momentos en que el trío se decanta por el pop melódico -“Janet the planet”, “La rueda gira”- que siempre han sido su talón de Aquiles y que no entiendo por qué siguen incluyendo en su repertorio (los medios tiempos no son lo suyo y nunca lo han sido), el resto fueron de largo los mejores minutos sobre un escenario que yo les haya visto hasta la fecha. De hecho, “La espiral”, “Ha sido un placer”, “Castillos de arena”, “La sensación”, “Lo sentido” y ese “Madrid” que de dejarme un regustillo en primeras escuchas ahora me parece un tema descomunal, sonaron inmensas, dejando bien a las claras que Última Experiencia siguen progresando adecuadamente. Y yo, que les conozco, que les profeso un gran cariño y que les estoy viendo crecer, me alegro no sabéis cuanto.

Que reconozca que Última Experiencia van sumando méritos con el tiempo, que Miguel toca muy bien la guitarra, que J. Alberto va logrando que su bajo suene más compacto, que Carlos ejecute con más vigor y contundencia, que les tenga cariño por su simpatía, que me alegre de su crecimiento y que en definitiva, sean una banda cada vez más correcta; no puede no obstante ocultar una realidad que The Brew se encargaron de constatar sólo unos minutos después de su actuación: del buen hacer a la excelencia hay un gran trecho y dicha excelencia está al alcance de muy pocos privilegiados. No quiero con esto restar méritos al trío madrileño, pero sí dejar bien claro que existe una Primera División Musical, que por su calidad, imagen, talento y actitud está a años luz del grupeto de bandas y solistas que habitualmente vemos tocar en el circuito de salas de la capital. Y los británicos pertenecen a ese grupo de privilegiados. Lo cojonudo del caso es que si analizas detenidamente sus discos y sus directos, te das cuenta de que en el fondo no tienen canciones de esas que se te quedan en la mente y lo que es más importante en el corazón, fácilmente, porque no poseen melodías rápidamente reconocibles ni estribillos pegadizos (a lo AC/DC para que me entendáis). Y sin embargo esto no resta ni un ápice de grandilocuencia al conjunto y no impide que sus directos se te claven en las entrañas como una espada incandescente. Porque el pipiolo Jason Barwick toca la guitarra con una suficiencia abrumadora a sus poco más de veinte años, con una técnica, un desparpajo y una energía que no sólo recuerdan, sino que reviven a los más grandes maestros de las seis cuerdas que ha dado la historia del rock: Page, Clapton, Hendrix, Townshend, Young o el más reciente Bonamassa. Porque ese mismo jovenzuelo posee una imagen demoledora e hipnótica, una actitud avendavalada, un control del ritmo y el tempo del concierto abrumadores y una energía que a su vez reviven a esos grandes monstruos del escenario como el ya citado Angus o el bueno de Pete, regalándonos estampas inmaculadas, imágenes eternas de esas que se adhieren a la retina para no perderse nunca, a cada minuto. Y para rematar posee un vozarrón que no se sabe de donde cojones brota y que te azota como un torbellino en la onda del Vedder de los inicios, que encima te deja la sensación de que cuando dentro de unos años esté más curtido y castigado va a ser ya la hostia en verso.
Porque el otro pipiolo Kurtis Smith revienta su batería con la rabia, la clase y el pundonor de a su vez los más grandes bateristas de la historia, pareciendo sobre todo una reencarnación del gran John Bonhan, como dejó bien claro en un solo de más de diez minutos en el que destrozó las baquetas y acabó tocando a base de puñetazos, logrando esos salvajes efectos que ya firmaba el de los Zeppelín en las míticas “Moby Dick” y “Over the top”.

Y porque el padre de Kurtis -Tim Smith-, lejos de amansar a las bestias; las incita, excita, exprime y jalea, ejecutando unas bases brutalmente feroces con su bajo, agarrado y tocado como una polla enhiesta que parece que pueda reventar en cualquier momento y que le convierten no en el tercero en discordia, sino en la pieza fundamental del motor de esta máquina avasalladora. Tanto es así, que no me duelen prendas al afirmar que para mí ésta ha sido uno de los dos o tres mejores bajistas que ha pasado por El Sol en la última década.

El resultado como no podía ser de otro modo, fueron dos horazas de rock con mayúsculas en el que el trío nos ofreció un compendio inigualable en el que se condensaron todas las virtudes de los más grandes de la historia: Hendrix, The Who, Cream, Led Zeppelín, Pink Floyd… Que se dice, mejor dicho se escribe pronto, pero que en realidad supone un mérito que está al alcance de muy pocos.

El momento álgido, el que nos puso los pelos de punta y nos aceleró la respiración, fue el homenaje que Jason hizo a Jimmy Page, tocando su guitarra con un arco de violín, ejecutando de forma asombrosa, con un sonido impoluto y una técnica inigualable, los primeros acordes de esa obra cumbre del rock que es “Dazed and Confused”, dentro de una actuación sobresaliente en la que sobre todo desgranaron temas de su último disco “The third floor” y revisaron algunas de las canciones más emblemáticos de sus dos primeros largos.

Unas bestias pardas, oígan.

DESCONCIERTOS (GUADALUPE PLATA Y WALTER DANIELS)

2011-12-09T10:31:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Martes 8 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: lleno.

Hace cuatro meses los andaluces Guadalupe Plata pusieron El Sol patas arriba, en esa ocasión acompañados de los acojonantes Sogorda y Surfea. Cuatro meses después, los de Úbeda junto con el armonicista de Austin Walter Daniels, lo han vuelto a hacer: han vuelto a hacer temblar los cimientos de la sala, han vuelto a dar uno de los conciertos del año en la capital, han vuelto a demostrar que son una de las bandas más revitalizadoras, originales y personales de nuestro país y sobre todo, han vuelto a demostrar que poseen un directo muy difícil de igualar por ningún otro grupo u artista.

Y es que en esta última gira, al tratamiento casi salvaje, enloquecido y psicótico de géneros como el blues de los pantanos, el rock e incluso el rockabilly, de un primitivismo adictivo, al que nos tienen acostumbrados Guadalupe Plata, hay que añadirle además la figura de un Walter Daniels -“The feedback harmonica king”-, que a su vez, es otro revitalizador de géneros como el punk-rock, el blues y el country, gracias a su endiablada forma de tocar la armónica y a su forma de cantar colérica e hiriente, utilizando para ello el micrófono de la propia armónica, lo que crea un efecto que te acuchilla los sentidos hasta hacerlos sangrar de placer y que se complementa como llaga al dedo con los afilados solos de guitarra y con los encorajinados, escuetos y explícitos alaridos de Perico de Dios, con las bases cenagosas del batería Carlos Jimena y con los lamentos extraídos por Paco Luis Martos de su contrabajo casero “made in averno” con accesorios tales como serrucho y barreño para drenar sangre en las matanzas. Multiplicando el cuarteto hasta la excelencia los de ya por sí acojonantes registros que poseen por separado, tanto el trío español como el americano del gaznate profundo (“Siñor David, one more Jim Bean and otra beer”, repetido una docena de veces en un recorrido infernal plagado de eses y múltiples intentonas de abandonar la sala por varias salidas de emergencia, por el “office” y por los baños, que terminaban por conducirle de nuevo a mis dominios, hasta que acabó por fin encontrando la puerta de salida. Excesivo pues en todos los ámbitos, el bueno de Walter). Ofreciéndonos un concierto sin parones ni respiro, de ritmo frenético, impetuoso y brutal y con un sonido brillante. Provocando de nuevo el éxtasis en un público que se entrega a estos animales de escenario desde los primeros acordes y es vapuleado hasta el desmayo, en cada nueva homilía orgiástica musical protagonizada por estos músicos sobre el escenario.

En esta ocasión, con un repertorio acertadísimo en el que se incluyeron salvajes versiones de clásicos como Hound Dog Taylor, temas de Daniels y sobre todo en una recta final incendiaria, buena parte de las canciones que componen el brillante disco debut de los jienenses, que con la aportación del norteamericano se tornaron aún más frenéticas, incisivas y lisérgicas. Que esta gira conjunta haya sido denominada como “Satán”, no es de hecho ninguna fanfarronada, porque nunca antes estribillos como “¿Qué se siente al matar un gatito?” de “El gatito” o “Disparas tú o disparo yo” de “Lorena”, habían sonado tan despiadados. Mención especial merecen también esas “Serpiente negra” y “Satánica” que volvieron a recordarnos a Jonh Spencer y Tito & Tarántula, pero con un plus de distorsión y primitivismo animal, casi enfermizos.

Sin concesiones ni medias tintas, apostando todo al rojo sangre y ganadores como son, volviendo a apostar las ganancias obtenidas al negro abismo.

Guadalupe y Walter, antídoto de almas hastiadas de toda esa bazofia musical que nos rodea, en forma de veneno. ¡Bendito veneno maldito!

DESCONCIERTOS (LAGARTIJA NICK)

2011-12-07T10:42:00.000-08:00

Concierto celebrado el Sábado 5 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: ½ entrada.

El último disco de Lagartija Nick ha sido definido por Antonio Arias como una mezcla de canciones luminosas (luces) con otras más oscuras (sombras). Escuchando “Zona de conflicto”, publicado a principios de este año que ya toca a su fin, efectivamente queda la sensación de estar ante un exquisito y enérgico tratado musical del claroscuro. Unos meses después, este compendio de claridad y oscuridad, como pudimos comprobar en este sensacional concierto, ha ido evolucionando hacia la negrura. Las canciones luminosas como “Panorama nº 5” o “Mi vida anterior” son ahora casi grises, el trazo amargo, rugoso y convulso del carboncillo (guitarra más hiriente, bajo más cavernoso, voz más rasgada y batacazos más profundos) han acabado por fulminar a los pasteles cremosos y a las pinceladas acuosas primitivas (solos de guitarra más cálidos, voz más suave y bajo y batería menos contundentes) que matizaban el desgarro de unos temas que ahora se han desatado como lo que siempre quisieron ser (el alma de Lagartija Nick a día de hoy, no quiere que los rayos del Sol iluminen su actual estado de emotividad lúgubre y cavernosa). Y las canciones oscuras -“Crimen, sabotaje y creación”, “Vuelo nocturno”- se han vuelto ahora negras, como una tupida telaraña que ya no deja resquicios al perdón ni a la compasión (Lagartija Nick escupen ahora una verdad que no deja lugar a la duda: la resurrección del alma sólo puede ser conseguida a través de la rabia y la lucha). Esto se tradujo en más de dos horas de rock oscuro, enérgico, esotérico, contundente, psicodélico, furioso y distorsionado. En dos horas en las que Lagartiga Nick volvieron a fusionar noise, punk, garage, psicodelia y matices aflamencados, haciendo ese rock personal y único que es el que ha caracterizado los veinte años de una de las carreras más difíciles de definir, etiquetar y catalogar; pero a la vez más auténticas y reconocibles que existen en la música de nuestro país. Porque ahora en formato trío -Antonio, Víctor Lapido y Eric Jiménez-, el sonido y estilo de la banda sigue siendo el de siempre (más árido, convulso, granítico y con más entrañas que nunca, eso sí): rock esotérico, etéreo y espacial; en la onda de ese “Granada´s Sound”/”Sonío Granaíno” que ellos han contribuido a crear y forjar codo con codo con Los Plantetas. De hecho, para mí, ambas bandas siempre han ido cogiditas de la mano. Lagartiga Nick en la parte del camino más a la sombra, más oscura y pedregosa. Los Planetas en la parte del camino en la que más calienta el Sol, más luminosa y asfaltada. Pero siguiendo una misma senda, persiguiendo el mismo destino. Con sobre todo ese paralelismo existente entre Antonio y Jota, ambos portadores de unas voces de esas que parece que no, pero luego sí. Que no crees que se puedan imponer, que no te dan la sensación inicial de poderío ni enjundia, pero que te acaban subyugando con esos dejes tan personales e hipnóticos, ante los que no te quedan más cojones que acabar rindiéndote.

Para rematar el apartado de influencias y/o paralelismos, os comentaré una de esas sensaciones personales que no puedo quitarme de la cabeza: las similitudes que siempre he encontrado entre Smashing Pumpkins y Lagartiga Nick, entre Billy Corgan y Antonio Arias, con su forma personal de concebir el rock como un género que trasciende la simple inmediatez y ellos elevan a través de una sensibilidad poética y un profundo dramatismo, que otorga a sus canciones un plus de emotividad y enjundia que las hace especiales.

Abrieron la velada con “Crimen, sabotaje y creación”, corte de un “Zona de conflicto” que desgranaron casi por completo, alternando con temas antiguos de “Hipnosis”, “Inercia” -increíble “Satélite”-, “El shock de Leia”, “Su” y “Val del Omar” -la enérgica y apoteósica “Yo día y orden”, con un sensacional Víctor Lapido a la guitarra-.

Mención especial merecen “20 versiones” (“El shock de Leia) y “Úsame” (“Su”) que fueron un vendaval y se convirtieron en dos de los mejores momentos de este sublime concierto de más de dos horas.

En la primera tanda de bises Antonio homenajeó una vez más al maestro Morente con “Vuelo nocturno” y en la segunda tanda se desataron con las lisérgicas, abrasivas y apabullantes “La curva de las cosas”, “Sólo amnesia” y “Esa extraña inercia (anfetamina)”, colofón a una velada en la que Lagartija Nick volvieron a demostrar que son una de las mejores bandas que ha dado el rock patrio en las últimas dos décadas. Genios, figuras y punto.

DESCONCIERTOS (AMPARO SÁNCHEZ)

2011-12-03T09:22:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Viernes 4 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 130 personas aproximadamente.

“Amparanoia” siempre formará parte de la vida de Amparo Sánchez. Ha sido el proyecto más largo de su carrera musical, con el que se dio a conocer de forma masiva, con el que ha cosechado éxitos, reconocimientos y halagos. Once años de alegrías, de trabajo bien hecho y sobre todo de “buen rollito”, vital, festivo y cautivador. Siete discos, decenas de buenas canciones y más de un millar de conciertos, siempre sinónimo de éxito y lo que es más importante, de felicidad generada y compartida con un público que siempre la ha respetado y querido.

Es por tanto imposible no encontrar altas dosis de esas experiencias vividas, de esos once años de esfuerzo y trabajo, de esa vida hecha música, en esta nueva etapa en solitario de Amparo Sánchez. Pero la evolución es evidente. Una evolución que tiene su punto de partida en un concierto de “Amparanoia” en Montreal, en Julio de 2006, cuando la cantante no tiene más remedio que adaptar su repertorio a un formato acústico e intimista, al haber perdido la mayoría de los músicos de la banda el avión que les trasladaba a Canadá. Las emociones generadas y el éxito de esta actuación, removieron algo en el interior de Amparo, que ha ido creciendo hasta el parto de este su primer disco en solitario: “Tucson-Habana”, que no es más que un paso adelante en su propio devenir vital y musical, en el que demuestra que la máxima de su carrera sigue siendo el hacer lo que le de la gana, sin intentar vivir de réditos pasados ni amoldarse a modas, con la solvencia de los que no tienen miedo al riesgo y saben de lo que son capaces. Así empezaron a forjarse en su cabeza y en su corazón unos temas que comenzaron a grabarse en 2007 en Tucson bajo el amparo de John Convertino y Joey Burns (Calexico) y con el apoyo de sus inseparables Jordi Mestres y Kaki Arkarazo. En 2009 se cerró el círculo al volver a coincidir en Cuba, Amparo con John y Joey, con quienes acabó de grabar los temas que hoy podemos disfrutar en su álbum de debut.

En Tucson, no lo olvidemos, con el desierto de Arizona presidiéndolo todo, Amparo contagiada de su aridez sublime, crea unas canciones -“Aquí estoy”, “Hoy”, “Corazón de realidad” (compuesta junto con Burns)- lacónicas, bucólicas y profundas como la inmensidad del desierto, con aires fronterizos, íntimas y de letras con una insondable carga poética, que suponen un primer paso hacia una desnudez que curiosamente le ha otorgado un empaque a su música, jamás logrado antes por la artista.

En La Habana, se mantuvieron la hermosa carga poética y el tono íntimo, pero la aridez y los paisajes bucólicos y profundos, inabarcables y eternos, fueron sustituidos por una calidez más luminosa y por un costumbrismo más cercano, más asequible, menos existencial y más humano en definitiva. Los vientos cobraron fuerza y la desgarrada voz de Amparo se tornó más suave. El viento del desierto se volvió brisa marina en “Turista accidental”, “Apagón en La Habana” y sobre todo en la maravillosa “La gata bajo la lluvia” cantada en el disco a dúo con Omara Portuondo, todas ella fluyendo no obstante también, de forma pausada y exquisita.

Dos años después, estos mismos temas han seguido creciendo, conviviendo unos con otros, haciéndose finalmente adultos. Ahora las fronteras entre Tucson y La Habana ya son menos evidentes y se han ido resquebrajando, al fusionarse y mezclarse los estilos y matices como no podía ser de otro modo, gracias al talento que Amparo siempre ha tenido para generar una música global y universal. Por eso, a estas alturas de la película, los directos de la artista son una deliciosa fusión de ritmos caribeños con aires fronterizos, que provocan la sensación en el espectador de transitar por un malecón formado por arenas del desierto. Un malecón de arena rugosa en el que de repente cae una fina lluvia en forma de toques reggae o se forma un torbellino salsero de percusión trepidante que termina languideciendo con una suave brisa en forma de canción casi melódica, con predominancia de unos teclados elegantes y aterciopelados. Todo ello, gracias a una banda impresionante en la que destacan los cubanos (padre e hija) José Alberto Varona a la trompeta (bestia parda) y Cari Rosi Varona al contrabajo (bella parda), Kaki Arkarazo a la guitarra y Alan Pérez en la percusión, que funcionan como un solo corazón que palpita de forma cadenciosa pero enérgica, arremolinando a su vez cientos de hermosos sentimientos en los corazones de los oyentes. Y por supuesto, gracias a una Amparo Sánchez que canta ahora mejor que nunca (y mira que siempre ha cantado bien) otorgando un plus de dramatismo a sus interpretaciones, que llamadme frikie, pero a mí me evoca a esa voz, creo que no lo suficientemente valorada en nuestro país, que era la de Mari Trini.

A destacar dentro del gran tono general de este concierto, el momentazo que vivimos con esa joya que es “Quisiera, pero” y como no, cuando desnudó la ya mítica “Somos viento” (de lo poco de Amparanoia que revisó) que sirvió para reivindicar por parte de Amparo su apoyo al movimiento del 15 M.

Se podría decir que Amparo salió victoriosa, pero como no creo que a ella le guste que en el mundo haya vencedores ni vencidos, solamente le daré desde aquí las gracias, por haberme hecho disfrutar de una gran velada plagada de buena música y sobre todo de buenos sentimientos.

DESCONCIERTOS (LOS CUANTOS Y SOUTHERN ARTS SOCIETY)

2011-11-24T08:32:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 3 de Noviembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 75 personas aproximadamente.

La banda afincada en Sevilla, liderada por el londinense Andy Jarman, Southern Arts Society, se acercó a la capital para presentar los temas de su tercer disco: “Another life”. La de Jarman es una vida dedicada a la música. Sus orígenes hay que buscarlos en su país natal cuando formó parte de A Popular History of Signs. En la década de los 90´s se trasladó a España, en concreto a la ciudad hispalense, y allí siguió rindiendo pleitesía a su máxima pasión, creando la discográfica independiente Colectivo Karma y las bandas Strange Fruit y Aquaplane. Desde mediados de la década pasada, comenzó a fraguar los cimientos de este su último proyecto hasta la fecha. Un proyecto que en su homónimo álbum de debut fue prácticamente un trabajo casi personal, en el que todavía no se sentían ni percibían apenas las aportaciones del resto de componentes de la banda. Con su segundo disco, el más que recomendable “Burning Sand”, “SAS” ya comenzó a funcionar como un grupo en el que se repartían más equitativamente los méritos, algo que ya es del todo patente en este último largo que hoy presentaban. Porque aunque es más que evidente que el peso de la banda lo sigue llevando el elegante Andrew, buscador empedernido de la melodía perfecta, ahora en las nuevas canciones se multiplican los matices gracias sobre todo a la labor de los guitarristas Israel Diezma y Javi Mora. La parte más pop del sonido de SAS, la aporta Jarman con su voz cálida y susurrante y con unas composiciones en las que prima la melodía sobre cualquier otro aspecto. Unas melodías oscuras y conmovedoras que me recordaron a los últimos trabajos del maestro Peter Murphy. La parte más rockera -dramática y vibrante- la aportan Diezma y Mora con sus riffs de guitarra etéreos, zigzagueantes, enérgicos… infinitos, que en muchos momentos me recordaron a su vez, a esa forma de tocar tan lacónicamente hermosa, de ese otro maestro que es Chris Rea. Porque a excepción de algún tema como la más colorista “Andalusian Morning”, en el nuevo disco de SAS priman las atmósferas bucólicas, melancólicas y profundas, en lo que supone un alegato que parece querer enseñarnos lo hermosa que puede llegar a ser la tristeza cuando se define de forma tan exquisita como en “Drink”, “Town to Town” y sobre todo en esa maravilla que es “The Cazador”. Una maravilla, que quedó patente en esta emotiva, conmovedora y brillante actuación.

Si a uno de los pilares fundamentales -Kim Warsén- de a su vez uno de mis grupos patrios favoritos -Ginferno-, le sumas además el talento de otro tipo igual de arriesgado, desgarrador y profundo como es Javier Colis, y encima lo aliñas todo con la participación de Julen Palacios, Adrián Ceballos y Gloria March, provenientes todos ellos de proyectos tan atrayentes como Vamos a morir, Mil dolores pequeños, Rip KC y Familia Atávica entre otros; el resultado obtenido como no podía ser de otra forma, es el de una banda que suena a vendaval y te arrolla como una apisonadora. Para poneros en antecedentes, no estaría mal que conocieseis los proyectos paralelos de Warsén y Colis, donde ya desarrollan gran parte de las características sonoras que a su vez definen a Los Cuantos. Si tenéis a bien hacerlo, aquí os dejo dos enlaces con las crónicas que un servidor escribió con motivo de las últimas visitas a El Sol de Ginferno y Javier Colis y Las Malas Lenguas respectivamente.

GINFERNO: http://chulonizate.blogspot.com/2011/03/desconciertos-pony-bravo-y-ginferno.html

JAVIER COLIS Y LAS MALAS LENGUAS:http://chulonizate.blogspot.com/2010/10/en-el-recuerdo-javier-colis-y-las-malas.html

En esta ocasión y pese a toda una serie de contrariedades (problemillas con un “ampli” y con los monitores que provocaron varios acoples y la sensación de que sobre todo Kim no se acabó de sentir del todo a gusto en escena) que me da a mí en la nariz que a su vez hicieron que Los Cuantos finiquitasen su actuación por la vía rápida (tan sólo duró cuarenta minutos pelaos), juntos y revueltos, generaron una descarga sonora de nuevo extenuante, abrumadora y excitante, que es la que se recoge en su álbum de debut "Love Love Love". ¿Cómo definir los ingredientes de este cocktail explosivo? Medio litro de Jon Spencer Blues Explosion, un buen chorrazo de The Doors, cien gramos de Faith No More, unas gotitas de The Cramps, unos toques de Grinderman y de Nick Cave, se agita la coctelera con cojones, mejor dicho, se distorsiona con muchos cojones, y finalmente se aromatiza con oscura esencia a lo Joy Division y voilá, obtienes un exquisito elixir profundo y con mucho cuerpo, gracias sobre todo a la hipermasculina voz de Kim, que irremediablemente recuerda a la del gran Andrew Eldritch de The Sisters of Mercy (que por cierto tocan este domingo en Madrid), que rompe en el paladar (o mejor dicho en los oídos) con la fuerza de un tornado por su enorme carga de rock oscuro, salvaje y rabioso, y que te acaba de dejar un regusto eterno por sus matices casi esotéricos y lisérgicos. En definitiva: una hermosa brutalidad, una delicada animalada, una sutil salvajada. De hecho lo reconozco, es acordarme de esta actuación y vuelvo a mojarme. Para mí, imprescindibles.

DESCONCIERTOS (HYPERPOTAMUS Y ANTONIO PRADEL RICO)

2011-11-17T09:29:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Lunes 31 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: casi lleno.

No sé a quién se le ocurrió la brillante idea de elegir como telonero de Hyperpotamus, creador de una música muy experimental y casi futurista, a un tocaor de guitarra española como Antonio Pradel Rico, purista, clásico y de corte añejo. Es como si en un concierto de Iron Maiden pones de teloneros a Papá Topo: no pega ni con cola, por ser totalmente antitéticos en estilo, propuesta y concepción musical. Esto a la postre provocó que la mayoría del público que casi llenaba la sala cuando Antonio salió a escena con su porte adusto y su guitarra en la mano, se preguntasen quién cojones era ese tipo. Cuando empezó a ejecutar un repertorio de clásicos, eminentemente flamencos, el respetable que había venido a ver a un tipo que realiza una música diametralmente opuesta, cimentada en la vitalidad experimental y en la explosión de energía, comenzó a impacientarse y al final ocurrió lo peor que podía pasar: que más de la mitad de la gente que pululaba por la sala, pasó olímpicamente del guitarrista, comenzó a chismorrear primero, para seguir con un parloteo en “in crescendo” que finalmente derivó en gritos, berridos, risotadas y conversaciones a viva voz. El chaparrón por tanto, que tuvo que aguantar el bueno de Antonio fue de órdago, demostrando una paciencia superlativa y sobre todo, un enorme saber estar. Porque aguantar concentrado la media hora que duró su recital sin perder los papeles, sin increpar al irrespetuosísimo público por su falta de educación, sin finiquitar de buenas a primeras su actuación; en definitiva, sabiendo contener su enfado sin decir ni mu, tuvo un gran mérito. Pese a todo, el no tocar ante un público que sí haya ido a verte actuar a ti y que por tanto se muestre interesado en escucharte y respetuoso hacia tu persona, guardando el debido silencio tan necesario para una música como la que él desarrolla, y en un espacio más adecuado -íntimo- para un recital de guitarra, le pasó factura a Pradel Rico. Esto hizo que cometiese algunos fallos en la ejecución, que estuviese algo desconcentrado, que le faltase agilidad a sus dedos y fuerza a sus pulsiones. Pero estoy totalmente convencido de que la mayoría de estas deficiencias fueron provocadas por el entorno hostil ante el que le tocó lidiar. Por eso me parecería injusto valorar las dotes de este guitarrista en directo basándonos sólo en esta actuación. Bastante entereza y aplomo demostró al concluir más que dignamente su repertorio, cuando en realidad en su fuero interno seguro que lo que más deseaba era liarse a guitarrazos con más de uno, de dos y de ciento. Ciento y la madre, que sinceramente, aunque se encontrasen con un telonero que ni les iba ni les venía, podían haber optado en vez de por ponerse a berrear, por, o bien guardar respeto la mísera media hora que duró su actuación, o bien por pirarse esa mísera media hora a la calle a echar un cigarro o a tomarse una caña en el bar de al lado, hasta que llegase el turno de Hyperpotamus. Que digo yo que tampoco les hubiese costado tanto y así no hubiésemos tenido que vivir un momento tan lamentable. E igual que digo esto, también digo que hubo más de cien personas en la sala que sí respetaron a Antonio, guardaron silencio e increparon a los que no estaban por la labor. Para ellos, mi más sincera felicitación.

Y vayamos ya con el hombre orquesta. Hyperpotamus antes de salir al escenario ya ganaba el partido con un marcador abultado. Porque lograr que en una semana de puente casi se llenase la sala para verle y sobre todo, conseguir que el público estuviese tan expectante, excitado y entregado de antemano para disfrutar de su concierto, es algo que en los tiempos que corren -malos económicamente y con una amplísima y sugestiva oferta cultural donde elegir- no es nada fácil de ver. Vaya pues por adelantado: este artista ha conseguido aglutinar el favor de crítica y público, gracias sobre todo a su innegable talento. Un talento al que además hay que sumar su innato carisma, su energía arrolladora y por supuesto, la originalidad de su propuesta. Talento para conseguir él solo (con su chorro de voz, su gran sentido del ritmo y su extraordinaria capacidad para elaborar complejas melodías adictivas y casi lisérgicas) sonar como una banda al completo. Carisma para llenar el escenario con su sola presencia y conseguir captar de forma apabullante la atención del respetable gracias a sus peculiares bailes y su gran capacidad gestual e interpretativa. Energía arrolladora que es el resultado de su entrega total y absoluta sobre las tablas, de su desparrame de actitud. Originalidad por conseguir gracias a unos loopers de pie, varios micros, una batería y los inagotables registros vocales que posee (Hyperpotamus recita, grita, jadea, canta, hace coros, practica el beatboxing…) crear unas melodías excitantes, sugerentes y casi hechizadoras compuestas por complejas texturas y cientos de capas sonoras entrelazadas en una armonía perfecta. Todas estas cualidades son como digo, las que le granjearon el respeto de la crítica tras la escucha de su primer disco, “Largo bailón” y las que le han permitido dar más de doscientos conciertos por todo el mundo en dos años que han sido un auténtico frenesí para este músico total. Conciertos que además han servido para dotarle de una enorme suficiencia sobre el escenario y de un control absoluto del tempo y el ritmo de su espectáculo, adivinando en cada momento lo que su público desea. Hasta aquí, al César lo que es del César: propuesta original e impactante, talento innegable y mucha experiencia conseguida a base de genialidad y trabajo. A partir de aquí, los peros:

- Su nuevo disco, ese “Delta” que presentó esta noche ante su público madrileño -el que le vio nacer y crecer como músico-, no supone una evolución con respecto a su anterior largo. Es un más de lo mismo. Un dar rodeos en círculo en torno a una propuesta que por muy original y atrayente que sea, ya no da más de sí. Ha fenecido, ya no es sorpresiva ni refrescante. E Hyperpotamus no ha sido capaz de darle una nueva vuelta de tuerca, simplemente ha reincidido sobre los mismos registros intentando estirar unas cualidades que al ser las mismas, ya no sorprenden ni estimulan las entrañas como hace unos años.

- Su forma de crear y ejecutar su música tiene limitaciones. Tras la primera media hora de actuación, cuando ya han aparecido en escena todos los conejos escondidos en la chistera, todos los efectos, todos los trucos, todos los artificios y toda la pirotecnia; en definitiva cuando el mago ya se ha desnudado por completo, las primigenias sensaciones generadas de brillantez, de sorpresa y de originalidad se tornan poco a poco en sensaciones de sopor y aburrimiento. Y es que si repites los mismos trucos una vez y otra y después otra, todo se vuelve plano, alienado y lo que es peor hasta rallante. Y eso es precisamente lo que ocurre con el bueno de Hyperpotamus.

Lo que me lleva de momento a esta conclusión: si bien es cierto que este artista ha conseguido crear unas sonoridades originales y personales que tienen un mérito incuestionable, no es menos cierto que da la sensación que ya no van a dar más de sí en el futuro, que no van a evolucionar y que se van a quedar estancadas. Y eso para alguien que ha fraguado su éxito en la originalidad se me antoja un serio problema.

DESCONCIERTOS (DENIRO Y LEX MAKOTO)

2011-11-14T10:19:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 29 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 250 personas aproximadamente.

Hubiese estado bien que todos aquellos que insisten en su sempiterna cantinela de que el rock como género está condenado a desaparecer, se hubieran pasado por El Sol esta noche. Primero porque hubo una muy buena entrada y un ambientazo durante las actuaciones tanto de Lex Makoto como de Deniro. Y segundo, porque pese a partir de propuestas diferentes, ambas bandas demostraron que es posible seguir haciendo un rock fresco, directo y con gran capacidad de enganche a día de hoy.

Cuando cayó en mis manos el álbum de debut de Lex Makoto, nuevo proyecto musical de aquellos Fitsfuck Supershow que ya ganaron el Lagarto Rock en 2006, tuve clara una cosa que ya he comentado varias veces en este blog: “Rojo Calor Fuego” fue uno de los mejores discos españoles del 2009. Cuando la prensa especializada (y no tan especializada) y la crítica en general definen los que para ellos son los mejores trabajos discográficos de cada año, lustro o década, en sus comentarios suelen aparecer en el 90% de los casos esta serie de adjetivos para definirlos: “novedoso”, “moderno”, “actual”, “revitalizador”, “adelantado a su tiempo”, “original”, “diferente”… Adjetivos que curiosamente no son aplicables en la mayoría de los casos a este “Rojo Calor Fuego”, ni falta que hace. Me explico. Este largo no posee un sonido novedoso, ni original, ni diferente. Se trata de hecho, de un disco de rock en castellano, directo e inmediato, que bebe directamente del sonido de bandas como Nirvana o Foo Fighters, que como sabréis han influenciado a su vez a otros miles de grupos. ¿Entonces qué lo hace especial? El hecho de que los integrantes de Lex Makoto poseen ese no sé qué o qué se yo, que unos llaman don, otros duende, otros estrella y otros incluso suerte o potra; que les permite crear hits como churros, o lo que es lo mismo, canciones redondas, frescas y enérgicas que se te adhieren a la memoria con una fuerza incontestable nada más ser escuchadas. Canciones pegadizas que perduran en tu subconsciente por sus sugestivas melodías, sus perfectos estribillos y su ritmo trepidante. Y es que Lex Makoto han sido capaces (y lo siguen siendo) de conseguir en muy poco tiempo lo que hay artistas que anhelan alcanzar durante toda su carrera y jamás logran: crear un sonido personal y reconocible (pese a que no hayan inventado nada nuevo) y un conjunto de temas eternos, de esos que se te pegan a la piel pese al paso de los años y no consigues desprenderte de ellos ni aunque quieras. Unas canciones que vuelven a aparecer en tu mente una y otra vez, que a lo mejor no has escuchado en meses y de repente retornan a tu vida de forma sorpresiva y satisfactoria. Y así un buen día, mientras estás sentado en el váter cagando, notas que de tus labios aflora el estribillo de “Animal” o que montado en el metro camino del curro, en tu cerebro retumba la surrealista “Baby Robot”. Esto, señoras y señores, es lo que hace que Lex Makoto sea distinto a todas esas miles de bandas que pasan por nuestras vidas de forma efímera: los primeros te acompañarán siempre y los segundos serán un vacuo recuerdo que acabará desapareciendo sin dejar huella. Y sin necesidad de ser “modernos”, ni de crear nuevos sonidos a través de futuristas cachivaches (de los cojones, añado), ni de hacer nada relacionado con el “post”, o el “in”, o el “cool”, o el “new” (que tanto ponen a los modernatas de los cojones, también añado). Practicando ese género que esos mismos modernatas quieren enterrar: rock del de siempre, sencillo, directo, impulsivo y vital; y que a diferencia de toda esa amalgama de “post-polleces” gafapásticas, posee una perdurabilidad en el tiempo, que esas no tienen ni tendrán nunca.

Si a la calidad y eficacia original de sus canciones, se le añade ese poso de madurez y empaque conseguido a base de patearse escenarios durante casi tres años, el resultado final evidentemente, alcanza cotas muy altas. Por eso en este concierto, los más pueriles Lex Makoto de los inicios (algo que también les sentaba muy bien) demostraron que han evolucionado hacia una mayor contundencia en el sonido. Los temas de su único largo publicado sonaron de hecho mucho más coléricos, enérgicos y rotundos. La base rítmica es ahora más atronadora, los riffs de guitarra más poderosos y la voz de Toño Villar más grave y con un deje más desgarrado y profundo, acercándose al tono de ese pedazo de vocalista que es Kutxi de Marea. Esta evolución en el sonido es la que caracteriza también a sus nuevas canciones, esas que formarán parte de su próximo E.P. “Cómo ganar amigos e influir sobre las personas”, que también aprovecharon para presentar ante el público. Curiosamente, es el tema del que más se ha hablado últimamente, su versión del “Cigarettes” de Russian Red, el que más cojea dentro del gran tono general, tal vez porque precisamente no es una composición propia. Pero ni siquiera se puede considerar un lunar, en un concierto de diez. Un concierto en el que también quedó demostrado que esa actitud inherente al rock y sobre todo a los directos de rock, traducida como sudor, desparrame de energía, saltos, gritos, salvajismo y éxtasis, en definitiva vitalidad y alma, es algo que tampoco jamás se podrá disfrutar en un concierto adscrito al movimiento gafapástico modernil musical; y esto amigos míos, es lo que hace de géneros como el rock, el punk o el garage algo tan necesario, para escapar en forma de grito, de berrido y de patada en los cojones, de la monotonía y las miserias imperantes en nuestras vidas.

Cuando a principios de este 2011 que ya va tocando a su fin, cayó en mis manos el disco debut del nuevo proyecto de ese amante de la música, entusiasta e infatigable al desaliento, que es Nano -ex Habeas Corpus y capo del sello discográfico independiente Lengua Armada, que lleva más de diez años luchando por publicar toda esa música de verdad, que tan difícil salida tiene en el mercado actual-, también tras una primera escucha supe que estaba ante uno de los mejores discos de rock españoles del año. A diferencia del sonido más directo e inmediato de Lex Makoto, en “El extraño disfrazado de normal”, Deniro se han centrado en la creación de un sonido mucho más elaborado, con melodías muy cuidadas y cargadas de matices. Un rock melódico que no obstante también bebe del rock clásico de los 70´s y del conocido como sonido Seattle de los 90´s. Diferente en la estructura, mucho más dramático, pero igual de enérgico y adictivo. En este caso, la capacidad de enganche se consigue por medios distintos: lo elaborado y evocador de sus letras -en este aspecto se lleva la palma la soberbia “Una pregunta indiscreta”-; la intensidad de la voz de William Miller, que no sólo canta con una suficiencia abrumadora, sino que además interpreta de una forma muy dramática y emotiva los diferentes temas del grupo y posee una presencia imponente en el escenario; y la vibrante ejecución de unas melodías que fluyen coherentes y sinceras, sin caer en los tópicos excesos del rock épico, que suelen acabar provocando una insufrible falta de credibilidad. A conseguir este equilibrio entre contundencia y dramatismo, entre intensidad y sutileza, contribuyen evidentemente unos músicos como la copa de un pino. Además de los ya mencionados, Nano (guitarra rítmica) y Will Miller (vocalista), Deniro está formado por los excelentes Óscar Sánchez a la batería, Alberto “Niño” a la guitarra (todo un virtuoso de las seis cuerdas que ya nos había deleitado con su buen hacer en “Nancy Hole”, uno de los grandes grupos de rock patrios, sin duda) y como no, Julio de Ska-P al bajo, quien en directo desparrama una contundencia brutal, llevando gran parte del peso del grupo, algo que en el disco no se nota tanto, por estar su innata pegada mucho más contenida.(FE DE "RATA": como bien habréis podido comprobar o comprobaréis al leer los comentarios hechos sobre esta reseña, que aparecen al final de la misma, he metido un gambón que ni los de Huelva: Julio desde hace unos meses ya no es el bajista de Deniro, sino que es Frank Iván. Además de un lector anónimo y de mi amigo Rubén de El Club de Música, que me advirtió de mi error el día después de escribir esta crónica, hasta el propio Frank Iván ha tenido a bien corregirme. Siento mucho el error, sobre todo porque como bien dice en su comentario el nuevo bajista de la banda: es "otro corazón" el que ahora marca el ritmo de forma superlativa en el grupo y hay que reconocerle pues su mérito, que es enorme. Siento también haber tardado varios días en corregirlo, pero espero que sepáis perdonar a este pecador de vida disoluta. Gracias a todos por vuestros comentarios y sobre todo, gracias a ti, Frank, por sacarme de mi error de una forma tan educada. Y enhorabuena por tu desparrame de energía, talento y actitud.)

Este concierto lo abrieron con el único tema instrumental de su primer disco, la explosiva “Nueva Queen” -que volvieron a tocar en el bis final-, que sirvió de preludio a la salida en escena de un Will que impolutamente vestido, se desató como una furia hasta el final del bolo, bien flanqueado por unos también arrolladores Nano y Julio. Sería difícil citar los temas más destacados dentro del gran tono general, pero para mí, merecen especial mención el ya citado “Una pregunta indiscreta” junto con la rotunda “Secta” y las más eléctricas “Arde” y “Normandía”. En el repertorio incluyeron también un par de temas nuevos, que continúan con la línea marcada por la banda hasta la fecha. Una línea fundamentada en el cuidado y elaboración de las melodías y que demuestra que el rock nacional está en un gran estado de forma. Otra cosa bien distinta es que buena parte de los “gurús musicales” de este país no tengan el más mínimo interés en prestar atención a este tipo de bandas, por salirse de los cauces establecidos. Menos mal que las penas con pan (ese que se hornea con trabajo y esfuerzo en locales de ensayo de mala muerte y que luego sabe y suena a gloria), son menos penas.

DESCONCIERTOS (ADAM COHEN)

2011-11-10T08:22:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Viernes 28 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 60 personas aproximadamente.

Mai Bloomfield, multiinstrumentista, cantante y compositora, que a su vez forma parte de la banda de acompañamiento de Adam Cohen, fue la encargada de abrir la velada haciendo las veces de telonera. Con una voz dulce, etérea, hermosa, limpia y clara como un rayo de luna, dejó sorprendido y prendado a “el Sol”, con su bella forma de cantar y de tocar (alternó guitarra acústica y chelo de forma brillante). En la onda de la fórmula musical que después desarrollaría el propio Cohen, Mai ejecutó una serie de canciones preciosistas de folk intimista y pausado, entre las que destacó una delicadísima “Storming”.

Tras la sobresaliente actuación de Mai, irrumpió el cantante y compositor canadiense en escena, con el único acompañamiento de su guitarra acústica. Para no dar muchas vueltas al hecho que evidentemente acompaña a Adam desde su nacimiento y que también evidentemente ha sido, es y será destacado en todas las referencias, crónicas, entrevistas, artículos y reseñas que se han escrito/dicho/comentado, se escriben/dicen/comentan y se escribirán/dirán/comentarán sobre su música, sus discos y sus conciertos; vaya por adelantado que no seré yo el que compare las canciones de este compositor con las de su padre Leonard Cohen, porque dicha comparación con este genio, único e irrepetible, sería totalmente injusta para él. No obstante, es evidente que ha tenido un muy buen maestro en el que mirarse, y eso se nota. De hecho, en muchos momentos de la noche, y sobre todo en sus comentarios entre canción y canción, la voz de Adam nos recordó irremediablemente a la del maestro. De él también ha tomado sus dotes de seducción, su pulso pausado, la profundidad de su voz y por encima de todo, el gusto por hacer unas canciones de folk con tintes pop, adultas y maduras, centradas en la búsqueda de la emoción por encima de todas las cosas. Volviendo al concierto, como ya os comentaba al inicio de este párrafo, Adam, apareció en el escenario totalmente solo y así es como interpretó en acústico los dos primeros temas de su repertorio: “Sweet Dominique” y “What other guy”, ambas pertenecientes a su último disco publicado -“Like a man”-, que es el que está presentando durante esta gira ante el público. Antes de interpretar estas canciones ya había dejado claro la facilidad que tiene para conseguir conectar con la gente, con un simpático comentario: “Como ya sabrán ustedes, soy hijo de un célebre artista canadiense, Celine Dion”. A continuación, ya acompañado por el resto de su banda (muy buena, por cierto) siguió desgranando los temas de su último disco, la mayoría hermosos -“Girls these days”, “Like a man”, “Eleanor”, “Overrated”…-, y los menos, un pelín monótonos y sin mucho brillo en las melodías -“Hey Jane”, “Beautiful”-; intercalándolos con varias versiones: “What´s going on” de Marvin Gaye y “Bird on the wire” y “So long, Marianne” de su padre, interpretadas todas ellas de forma exquisita. Tanto es así, que pese al excesivo abuso de verborrea que hizo entre canción y canción, lo que por momentos cortó el ritmo de su actuación, haciendo que bajase la intensidad; dejó bien claro que posee grandes dosis de encanto y de talento.

Sin duda su padre, puede estar más que orgulloso de su semilla.

DESCONCIERTOS (HELP ME DEVIL)

2011-11-06T10:41:00.000-08:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 27 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 100 personas aproximadamente.

Help Me Devil es el nuevo proyecto de Juan Carlos Parlange, quien ha vuelto a dar señales de vida, tras una larga ausencia alejado de los estudios y los escenarios, regresando a esto que se conoce como el mundillo de la música, por la puerta grande. Tras su paso en los años noventa por grupos de punk como Los Clavos y Los Bonzos, Juan Carlos abre ahora una nueva etapa en su carrera, con unas composiciones en las que pese a seguir latentes, esa fuerza e inmediatez propias del género que marcó sus comienzos, se respiran aires totalmente distintos. Y es que ahora, el cantante y guitarrista ha evolucionado en su sonido, curiosamente a través de una fresca, rabiosa y sugerente revitalización de géneros musicales tan añejos y primitivos como son el R&R y el Blues de los 50´s y los 60´s. Revitalización conseguida a través de una excelente combinación de influencias y matices: salvajismo primitivo, aspereza del sonido, riffs de guitarra abrasivos, rockabilly, trazas de psychobilly, algo de country, punk, Johnny Cash, Charlie Feathers, Sun Records…, puestas al servicio de unas composiciones que por encima de todas las cosas buscan el propósito de sonar crudas, reales y auténticas. Y así es como suenan en el homónimo primer disco de esta banda, que en palabras del propio Parlange, es un disco de rock and roll en blanco y negro, crudo, con fallos y real. Un discazo (añado) lo escuches por donde lo escuches, en el que al talento y buen tino de Juan Carlos -que se ha destapado como un excelente compositor y como un muy buen guitarrista-, bien acompañado en la grabación por Mario Vega al bajo y Luis Mencia a la batería (ahora sustituido por Julia), hay que añadirle la nómina de una serie de nombres propios que han servido para lograr un resultado final excelente: los consejos del gran Fernando Pardo para guiar los primeros pasos de Parlange en los inicios del proyecto, el apoyo de esos locos muy cuerdos que son Gerardo y Antonio de “Los Chicos” (el disco lo han editado ellos en Folc Records), la masterización de Ivan Julian, las colaboraciones al piano de Mickey Finn de Boss Hog y de la legendaria vocalista Tami Lynn (que ha puesto su sobrecogedora y desgarrada voz al servicio de grandes de la música como The Rolling Stones, Dr. John, Wilson Pickett y Sonny & Cher) y por encima de todos el genial compañero de fatigas de John Spencer en Heavy Trash, Matt Verta-Ray, que ha grabado y producido este largo en sus estudios de Nueva York, ha tocado la guitarra en numerosos temas y hasta ha cantado en la maravillosa versión del “Chicken Walk” de Hasil Adkins incluida en el álbum. La decisión de grabarlo a la vieja usanza, esto es, en analógico, tocando todos los músicos juntos y mezclándolo en mono, ha contribuido a lograr un sonido con aroma y sabor a antiguos vinilos clásicos, que para los amantes del rock and roll primitivo es toda una gozada. En directo, todo hay que decirlo, se pierden matices con respecto al sonido original del álbum. La guitarra de Parlange por ejemplo, pierde colorido y luminosidad. Evidentemente, también desaparecen todos esos ingredientes añadidos en el disco (las guitarras de Verta-Ray, los teclados de Finn, la voz de Tami…) que contribuyen a elevar la calidad de unas composiciones que sin estos elementos, suenan menos redondas y también,menos blueseras y rockabillys. Para paliar este déficit, Help Me Devil, en directo y en formato trío, han decidido apostar por una solución que a tenor de lo visto en este concierto, les da un muy buen resultado: apostar por el músculo, la velocidad y la energía. Por eso en concierto, la banda suena mucho más punk que en el disco, los temas se tornan más crudos, más inmediatos y más directos. Teniendo en cuenta los conceptos musicales que maneja Parlange -“Para mi somos punkrockers. Yo creo que lo que hacemos es punk de los 50’s. Es decir, rock & roll”- en los que se difuminan las fronteras entre géneros como el punk y el rock and roll, está claro que soberbios temas como “Love is a dog from hell”, “It´s great to be here, it´s great to be anywhere”, “So tired of being good” o “Free of your spell (and I´ve never felt so good)” acaban sonando aunque diferentes, igual de coherentes y rotundos tanto en el disco como en sus directos. De hecho este concierto fue un sobresaliente ejemplo de lo que debe de hacer una banda de sus características sobre el escenario: derrochar energía y actitud a raudales. En este aspecto me gustaría destacar la labor de Julia a la batería, que suplió su falta de técnica y de “toque” (debió de acabar con los brazos hechos polvo, porque apenas se sirvió de sus muñecas en los golpeos) con un apabullante derroche de fuerza que evidentemente, y como ya he puesto de manifiesto anteriormente, confirió a las composiciones de la banda unos aires mucho más cercanos al punk que al rock and roll más clásico y purista. Por cierto, Julia toca de pie, algo que ya apenas se ve y que también conviene señalar.

Y por lo demás, decir que además de repasar todos los temas incluidos en su álbum de debut, Help Me Devil tocaron alguna nueva canción como “Never stand if you can walk” y unas soberbias versiones para completar el repertorio, entre las que destacaron la del “Hey Ho, Let´s Go” de los Ramones y la del “Tutti Frutti” de Little Richard; para acabar firmando un muy buen concierto.

DESCONCIERTOS (EVIL EVIL GIRRRLS & THE MALVADOS)

2011-11-03T11:04:00.000-07:00

Espectáculo celebrado el pasado Martes 25 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: lleno dentro del formato “Los Martes al Sol” en el que se reduce el aforo original de la sala a la mitad para crear un espacio más acogedor e intimista.

Evil Evil Girrrls & The Malvados es una compañía de Burlesque -quizás sería más correcto decir de Nuevo Burlesque- que a tenor del éxito obtenido tras este show en El Sol, va a repetir actuaciones periódicamente en el futuro, en dicha sala. El Burlesque no es otra cosa que un espectáculo teatral que nace de la mezcla de diferentes géneros como la Comedia del Arte, el music hall y el vodevil. En este caso, la música en directo corrió a cargo de The Malvados, quienes interpretaron temas clásicos típicos de este género como “Harlem nocturne” y “Night train”, alguno que otro de rock con aires orientales -“Rockin´ in Bhagdag”, “Estambul”-, conocidísimas melodías de Henry Mancini y sobre todo versiones (muy buenas, por cierto) de temas míticos de rock and roll, rockabilly y surf, destacando las del Rey por encima de todas. Mención especial merece también la versión del “After Dark” de Tito & Tarántula en un número en el que rindieron homenaje a la famosa escena del streaptease de Salma Hayek con una inmensa serpiente en “Abierto hasta el amanecer”. Este cuarteto de experimentados músicos formado por Astray a la guitarra, Mario García Pomar a la batería, Javi al bajo y Alejandro Lansac a la guitarra y al saxo (que tocó de forma soberbia), no sólo ejecutó de forma a las mil maravillas todos y cada uno de los temas que interpretaron, sino que también participaron de forma activa en otras vertientes del espectáculo, interaccionando con las Evil Evil Girrrls en muchos de los números, bailando, actuando e incluso jugando con divertidos cambios de vestuario para poner ese toque de humor que debe tener toda buena actuación de burlesque. Además, Astral, Javi y Alejandro ejercieron como vocalistas, destacando sobre todo Javi en las versiones que cantó de Elvis. Los bailes, las coreografías, los elegantes números de streaptease, las dramatizaciones, los gags humorísticos y como no, esa pícara sensualidad tan característica del género, corrieron a cargo de Eva Guerrero (Evil Eva), Mariaje García (Lilith Le Monde), Sandra López (Satin Sandy) y Carmen Garrido (Carmelle La Belle), que demostraron que no sólo son muy buenas bailarinas, sino también unas muy buenas maestras de ceremonias y actrices. Ejecutaron decenas de números, la mayoría influenciados por la estética de los 40´s, 50´s y 60´s, en los que no faltaron elementos de vestuario y atrezzo como abanicos, velos, tablas de surf, plumas, boas, bastones… Todo ello al servicio de un espectáculo en el que por encima de todo primaron la elegancia, el humor y el erotismo. Ágil y con mucho ritmo, la propuesta de esta compañía de Burlesque es altamente recomendable y estoy seguro de que dará mucho que hablar en el futuro. Para bien, por supuesto.

DESCONCIERTOS (EILEN JEWELL)

2011-10-30T11:52:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Domingo 23 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: lleno.

Si tuviese que asociar o relacionar la música de Eilen Jewell con una estación, sin duda el Otoño sería la elegida, porque las melodías de la norteamericana huelen a tierra mojada, pintan paisajes bucólicos coronados por cielos rojizos llenos de pinceladas grises en forma de nubarrones, saben a bourbon añejo y suenan al chisporroteo de las hojas secas quemadas en una hoguera. Digo esto, porque desde hace tres años, tiendo a asociar la llegada a la capital de las primeras madrugadas frías, la caída de las hojas caducas y las primeras lluvias otoñales, con la visita de la dulce Eilen a España para deleitarnos con un nuevo trabajo. En Otoño del 2009 fue “Sea of tears”, en octubre del 2010 presentó “Butcher Holler (A Tribute to Loretta Lynn)” y este año le ha tocado el turno a su último disco publicado hasta la fecha: “Queen of the minor key”, donde una vez más (y mira que parecía difícil) la elegante vocalista de Idaho, ha vuelto a superarse.

Para los que no sepáis nada de la señorita Jewell y de los soberbios músicos que la acompañan en sus grabaciones y directos, os remito a que leáis la crónica que el año pasado escribí sobre su anterior concierto en la capital, donde ya comenté sus cualidades estilísticas y sus dotes musicales, más que nada para no volver a repetirme. Aquí os dejo un resumen de dicha reseña:

De aspecto frágil e indefenso y tímida hasta decir basta, Eilen Jewell volvió a crecerse en torno a su prodigiosa voz, su saber estar y un encanto personal innato, ofreciendo de nuevo, al igual que había hecho hace tan sólo un año en esta misma sala, un concierto inmenso. Pero, y es de ley decirlo, Eilen Jewell no sería la que es ni alcanzaría las altas cotas de excelencia que logra en sus actuaciones en directo, si no fuese gracias a esos escuderos de lujo que la acompañan: el baterista Jason Beek, el contrabajista Johnny Sciascia y por encima de todos, esa bestia parda de las seis cuerdas que es Jerry Glenn Miller. Con esa presencia y saber estar que sólo los más grandes poseen y tocado con su sempiterno sombrero de cowboy, Miller una vez más volvió a ser el centro de atención en muchísimos momentos del concierto, tocando de forma exquisita todos los palos por los que transita como brisa cálida la música de Jewell: música de raíz americana, folk, country, rockabilly e incluso surf, haciendo que por momentos el espíritu del maestro Dick Dale sobrevolase la sala cuando hizo salir chispas de su amada guitarra. Sigo pensando que este enorme guitarrista merecería ocupar con letras mayúsculas los mismos titulares que también por méritos propios copa la propia Eilen, y es que, vuelvo a insistir, la exquisita cantante norteamericana sin él, no sería ni la mitad de grande de lo que es.

El sonido etéreo logrado por estos excelentes músicos dotó de empaque a la ya de por sí fabulosa voz de una Jewell, más dulce y delicada que nunca, que volvió a desparramar esa tristeza poética de la que dota a todas y cada una de las letras de sus canciones.

En esta última visita, Eilen y compañía centraron su repertorio en sus nuevas canciones. Unos temas en los que por supuesto vuelven a predominar los sonidos de folk rock de clara raíz americana y vuelve a haber una clara presencia de los géneros que mejor domina la banda: el country -“Reckless”-, el rockabilly -“Radio City”- y el surf -la divertida “kalimotxo” que compuso Eilen tras probar esta bebida en Euskadi y que es una especie de revisión del “Tequila” de The Champs-. La diferencia pues, con respecto a trabajos anteriores, radica en el tono mucho más arenoso, oscuro y árido de este disco, en el que se incorporan sonidos con aires fronterizos, sutiles toques de Delta Blues y retazos de un primitivo y anguloso R&B -“Hooked”-, además de toda una gama de matices de clara raíz jazzística -“I remember you” y “Only you”-. La predominancia de una mayor crudeza en las letras y las melodías, no es óbice en cambio para que estas canciones suenen mucho más movidas, con más ritmo y con un plus de energía, con respecto a los temas pasados (a excepción de la que para mí sigue siendo la cima interpretativa de la norteamericana, su versión de un “Shakin all over” que volvió a sonar impresionante en una tanda de bises memorable, en la que Eilen pidió al público que le hiciese cualquier petición, mostrándose una vez más, amable, cercana y muy cariñosa, con un público que año tras año le profesa una admiración cada vez mayor), sin perder ni un ápice de elegancia ni de carga poética por el camino, lo que supone ese salto de calidad al que hacía referencia al principio de este texto.

No quiero terminar este texto sin volver a resaltar la excelencia de un Jerry Glenn Miller que volvió a desparramar su talento a lo largo de una actuación en la que dio toda una lección de cómo tocar la guitarra, abarcando todo tipo de géneros con una suficiencia abrumadora. Impresionante fue sobre todo su dominio del slide, creando un compendio de mágicas y etéreas atmósferas, complemento perfecto para la hermosa voz de Jewell.

Un lujo, vaya.

DESCONCIERTOS (COPILOTO Y ULTRANOL)

2011-10-27T04:31:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 22 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 75 personas aproximadamente.

La cara que se me debió de quedar cuando vi y escuché a Alberto Iniesta, alias Ultranol, en la prueba de sonido, debió ser todo un poema, porque varios compañeros sabiendo por un lado, lo mucho que detesto el tipo de música (por llamarlo de algún modo) que los gafapastas denominan electropop luminoso y colorido (y que yo defino como “blandi-pop”, “tonti-pop”, “pop de chupete y piruleta” o “¿pop qué no te callas?”) y por otro, que las canciones del propio Alberto no sólo no están englobadas dentro de esta corriente, sino que además, digámoslo de forma educada al menos de momento, son regularcitas; me comentaron que no fuera muy cabrón al escribir sobre su concierto, porque el chaval era muy buena gente y no se merecía un salvaje rapapolvo de los míos. Y voy a ceder en parte.

Primero porque efectivamente, Alberto es uno de esos tipos que tienen una cara de buena persona que tira “pa´ tras” (o mejor dicho pa´ lante), amable, educado, todo lo simpático que su timidez le permite ser, e inseguro y algo deslavazado en sus movimientos (en la onda del personaje que hizo popular al bueno de Pepe Viyuela), lo que le hace parecer a los ojos ajenos como un ser entrañable (un bonico del to´ en toda regla, vaya) despertando un alto grado de simpatía e incluso condescendencia hacia él. Segundo porque tiene un apellido, que con sólo oírlo o leerlo me evoca un estado de felicidad tan superlativo, que a su vez me genera cierto estado de complacencia hacia su persona e incluso hacia las circunstancias musicales que le rodean.

Tercero porque opino de corazón que no tiene tanta culpa el “artista” como aquellos que lo encumbran a él y a su obra. Me explico. Alberto es una persona que se ha puesto a componer una serie de canciones con ganas e ilusión. Unas canciones que pese a su alto grada de amateurismo y su escasa calidad, para su suerte, han sido elogiadas y apoyadas desde diferentes medios y sellos independientes, lo que le ha permitido finalmente publicar varios E.P.´s y llegar a tocar en directo en salas con tanta solera como El Sol. Digamos que es algo parecido a lo que viene ocurriendo en el mundo del arte en general en el último siglo, donde tipos como Piero Manzoni han conseguido triunfar con obras como sus tristemente famosas “Mierda de artista”, que no son otra cosa que unas latas en las que el italiano metió sus propios excrementos, diciendo que eso eran obras de arte. Lo que podría haber sido una frikada de Manzoni sin mayor trascendencia, sin embargo se ha convertido a mi modo de ver, en un negro lunar en el mundo de la historia del arte, debido a los culpables que le han ensalzado a él y a esta “obra”. De hecho, estas “Mierdas de artista” se encuentran en museos tan relevantes como el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, el centro Georges Pompidou de París, la TATE Gallery y el MOMA de Nueva York y en el año 2007 se llegaron a pagar en una subasta 124.000 euros por una de estas latas de mierda (nunca mejor dicho). Por tanto, que unas canciones compuestas por un tipo como Alberto, que bien podrían haber sido sólo un pasatiempo para él y como mucho ser tocadas para cuatro amigos o familiares en algún cumpleaños o cita navideña, hayan acabado teniendo una relevancia mayor, repito, no es tanto por su culpa, sino como por la de todos aquellos que se la han querido dar (que son unos cuantos).

Y cuarto, viendo a Alberto sobre el escenario tembloroso, casi tiritando, equivocándose a diestro y siniestro, con una chuleta con lo que decir entre canción y canción que casi se le cae al suelo, debido a los nervios de tener que tocar en directo, aunque tan sólo fuera ante unas treinta personas (muchas de las cuales eran amigos, familiares y conocidos) que eran las que había en la sala cuando él salió al escenario, ya me pareció bastante mal trago, como para encima yo hoy aquí ponerle a caer de un burro.

Pero sin llegar a ceder del todo.

Primero, porque yo me he caracterizado por decir siempre lo que pienso, sin dejarme influenciar por modas y corrientes de opinión (normas de la casa). Por eso pese a que la mayoría de medios independientes encumbren y doren la píldora a artistas y grupos como Nacho Vegas, Christina Rosenvinge, Pereza, Astrud o La Casa Azul, por poner sólo algunos ejemplos, yo desde aquí siempre he cuestionado el éxito de los mismos por parecerme que sus propuestas musicales no poseen la calidad que desde otros sitios se les presupone. Debido a esto, queridos lectores no puedo por menos que decir la verdad del asunto, o al menos mi verdad, que no es otra que Ultranol y sus canciones, son una mierda pinchada en un palo.

Segundo, porque solistas y bandas como este Ultranol y otras muchas del mismo palo como la ya mencionada La Casa Azul, Zipper, Band á part, Papá Topo, Elodio y los seres queridos y así hasta el infinito y más, poseen un gran apoyo y reconocimiento desde la mayoría de medios conocidos como independientes de este país. Lo que me lleva a pensar en por qué, tanto yo (el burro siempre delante) como otros compañeros, músicos y melómanos de gusto exquisito, debemos ser condescendientes con Ultranol y compañía, por el mero hecho de pensar que como su música es tan mala, no deberíamos hacer leña del árbol caído; cuando luego existe toda una corriente de opinión ensalzándoles y poniéndoles por las nubes. Porque no creáis que en la mayoría de medios independientes, ante las canciones sin ritmo ni gracia, insulsas, con letras de parvulario y melodías de “casiotone” de Ultranol, se limitan a decir por aquello de tener que ser políticamente correctos (algo que a mi me la pela, como bien podéis comprobar; claro que yo no vivo de la publicidad de sellos, promotoras ni discográficas como ellos): “hombre, Alberto debe mejorar” o bien “bueno, todavía está un poco verde” o “sus canciones tienen un toque amateur que al menos les da cierta frescura”. No, qué va. Para ellos todo lo que huela y sepa a su jodido indie pop gafapástico (y si es moña y cercano al gayerismo -popper pop- mejor que mejor) es la hostia en verso, a la altura como poco de los Conciertos de Brandemburgo del mismísimo Bach. Así en webs como Jenesaispop no se cortan en decir cosas tales como: “al fin, su gran himno de presentación, esa metacanción llamada ‘Cortando y pegando’, a la que sólo falta incluir la palabra ´Ultranol´ para ser perfecta” o en blogs como Señor Pollo otras como: "´La técnica destroza la música pop´ (maqueta de Ultranol de 2008) la forman tres canciones con personalidad propia, que destacan por su colorido y divertido ritmo, un ritmo que se desliza cual pingüino sobre hielo por bases electrónicas y que harán las delicias de más de un poper@. A destacar la primera canción con la cual se inicia la maqueta, ´Cortando y pegando´. Esperemos que el proyecto de Ultranol tenga una continuidad en el tiempo y no se deje aparcado como tantos otros, sería una tremenda pena, pues calidad y dotes tiene el muchacho” o en su myspace que entre sus influencias se encuentran entre otros: “Phil Spector, Brian Wilson, John Lennon, Damon Albarn o Paul McCartney”. Dado que desde estos medios se tira del halago desmesurado y de la mentira (lo de Wilson, Lennon, Phil Spector y compañía me ha llegado al alma), no puedo por menos que contraatacar con la realidad: Ultranol no hace metacanciones, sino canciones que parecen compuestas por un niño pequeño; “Cortando y pegando” no es ni de lejos perfecta, sino una muestra de lo mal compositor que es Alberto, que utiliza unas bases obsoletas, aburridas y planas, posee una voz amanerada falta de fuerza, vigor y personalidad y escribe unas letras ñoñas y vacías sin ningún atisbo de poesía, ironía, elegancia ni sustancia; sus canciones no son coloridas ni tienen ritmo, sino que son insulsas y plomizas, aunque sí reconozco que harán las delicias de todos esos poperos que se corren con toda canción que incluya patitos de goma, algodoncitos de azúcar, sugus de colores o fresones coloraditos en sus letras; calidad y dotes tiene muy pocas o ninguna y si la persona que ha escrito que su música está influenciada por grandes maestros como los arriba citados se cree sus propias palabras, es o porque no tiene ni puta idea ni la más mínima vergüenza o porque se ha pegado tal empacho de edulcorantes tras escuchar las letras de estos grupos amoñados (patrocinados por la Azucarera Española) que ha perdido el norte.

Tercero, porque aunque como ya he dicho antes en este artículo, Alberto es el que menos culpa tiene de que sus canciones hayan sido ensalzadas por determinados medios, eso no le exime de la crítica, desde el mismo momento que ha decidido sacar discos y subirse a escenarios. Que uno ya es mayorcito para saber sus propias limitaciones, virtudes y defectos y al igual que yo me expongo al elogio o al insulto al escribir en este blog sobre música, de forma pública, dejando que la gente opine sobre mis mierdas, él también debe saber que como cualquier otro músico hijo de vecino, puede ser criticado. Porque igual que hay gente que paga 124.000 euros por una mierda enlatada y gente que goza con temas como “Patitos de goma” (por favor, os encomiendo a que veáis el videoclip en youtube, porque no tiene desperdicio), también queda gente como yo, que le tiraría la lata de mierda a la cabeza al que es capaz de pagar tal cantidad de dinero por ella y consideramos “elefantadas” como Ultranol, poco más que una tomadura de pelo.

Y cuarto, porque a bandas como La Casa Azul, Astrud, Papá Topo e incluso al propio Ultranol se les da un trato de favor y prioritario en la mayoría de medios independientes de este país (porque ya se sabe que las modas y las corrientes mayoritarias mandan y si te desmarcas de las mismas, o es porque eres un romántico, o un gilipollas o alguien que no se va a comer un colín o lo que es lo mismo, alguien que no va a hacer caja -en mi caso se cumplen todos estos requisitos-) y en cambio a grupos como The Steepwater Band, quienes tocaron también esta misma semana en El Sol dando un conciertazo como la copa de un pino, no se les hace ni puto caso en dichos medios, por no estar de moda, por practicar un género como el blues rock pantanoso y primitivo que según ellos, ya está obsoleto y no ofrece nada nuevo desde hace años. Y es que queridos lectores, a diferencia del resto de Artes donde todavía se respeta a los clásicos y a los viejos maestros, en el mundo de la música se va a toda hostia y pobre de todo aquel al que se le ocurra desparramar su talento a través de géneros o estilos que entroncan con las raíces del pasado, porque en el mundo cool, gafapástico e indie actual, lo degüellan. Porque ahora lo moderno es ensalzar “cosas” como los chirridos provocados por los cachivaches de gente como Los caballitos de Dusseldorf, porque aunque sean una puta mierda que ni el que más los haya alabado tenga los cojones de escuchar en casa -porque una de dos, o se volvería loco del stress o se pegaría un tiro-, hacen según los gurús de la información musical patria, un “sonido nuevo y atrayente” (en realidad, un ruido que suena a Spectrum viejo cargando un juego y lo más que te atrae es a coger un rifle y cargarte a cuatro hijos de perra desde la ventana de tu casa alegando posteriormente un estado de enajenación mental transitoria). En cambio si eres una banda de rock añejo, aunque tengas una calidad excelsa, para estos mismos gurús no serás más que un producto que ya huele a rancio y por tanto no merecerás ni el más mínimo de sus comentarios. La realidad en cambio es que mientras que The Steepwater Band te provocan lágrimas de emoción y felicidad, Ultranol y similares, te provocan lágrimas de rabia y tristeza.

Conclusión: si en general este tipo de propuestas fuese tomada como lo que es, un pasatiempo entre friki y divertido, lo aceptaría de buen gusto, puesto que yo mismo no puedo negar que el amateurismo, el humor blanco y la estética tan kitsch que suele rodear a estos grupos, me provoca cierta complacencia y hasta algo de gracia. Pero si se toma como una vertiente artística seria y se ensalzan unas virtudes que en el fondo no existen, pues están supeditadas a un envoltorio de formas tirando a simplistas, he de reconocer que por ahí no paso. Aunque claro está, y pese a mis críticas, siempre respetaré la máxima de que para gustos colores y para poperos caramelitos de todos los colores.

Después de la actuación de Alberto Iniesta, todo lo que viniese a continuación estaba convencido de que me iba a sonar y a saber a gloria. Y pese a que en su anterior visita a El Sol allá por Mayo de 2009, Copiloto (Javier Almazán) y su Círculo de Confianza (los músicos que componen su banda) no me dejaron ni mucho menos un buen sabor de boca (de ellos dije algunas de estas lindezas: “Quizás sea un insensible, pero a mí me emocionaba más el tartamudeo nasal -debido a los baches, las zanjas y las irregularidades del terreno- del copiloto Luis Moya dictando órdenes a Carlos Sáinz, que cualquiera de las canciones interpretadas por estos otros ´Copilotos´. De hecho, no había escuchado una letra tan horrible como la de ´Marta habla en inglés, habla francés, habla italiano y descansa en el piso de su padre en verano´ -hay que tener cojones- desde la visita a El Sol de Yani Como y su canción dedicada a los sugus amarillos de sabor a limón -que también hay que tener cojones-“), lo cierto es que en esta ocasión (quizás también debido como ya he señalado antes, a que todo lo que sonase después del desbarajuste a Ultranol, iba a parecer mucho mejor de lo que probablemente era) me sorprendieron desde el principio, para bien. Y es que los aragoneses, dos años después se muestran mucho más rodados en directo, mucho más compenetrados, más inspirados y también bastante más enérgicos. Es cierto que todavía siguen teniendo retazos de aquel espíritu bastante blandito y un tanto amoñado de sus primeras composiciones, pero no es menos cierto, que es evidente que los temas del nuevo disco que presentaron esta noche: “El inicio, el desencanto y el círculo de confianza”, poseen aires más cercanos a un pop adulto y maduro, con melodías mucho más vibrantes y complejas, letras más elaboradas y una mayor presencia de las guitarras con riffs en muchos casos, poderosos y contundentes. Digamos que salvando las distancias, Copiloto en una buena parte de sus nuevas canciones -“Salvar el Día”, “El Modelo de Watson y Crick”, “Lista de Convocados” y sobre todo en la brillante y luminosa “Se lo Tengo que Decir”- desarrollan un sonido con un plus de energía que antaño no existía, cimentado en unas melodías atrayentes por la importante gama de matices que poseen, que por momentos recuerda a unos Coldplay (salvando las distancias) que ayer lo petaron en Madrid presentando su nuevo disco. El resto del disco sigue sonando no obstante a un más de lo mismo -pop un tanto monótono y con muy poca capacidad de sorpresa-, aunque debido a la mejor actitud de la banda sobre las tablas, adquiere un plus de efectividad que hace dos años Copiloto no conseguía alcanzar en sus directos. El bueno de Almazán comentó al concluir su concierto que si a los asistentes les había gustado, hablaran bien de ellos a sus amigos y que si les había disgustado, obviasen lo acontecido. Yo, Javier, no quiero obviar ni lo uno (la evidente mejoría de la banda en directo, la mayor madurez de vuestro sonido y el salto de calidad que habéis conseguido en vuestro nuevo álbum) ni lo otro (todavía falta una mayor energía en vuestros directos y en los medios tiempos seguís pecando de cierta desidia que desengancha al público). No obstante, hay que reconocer que la banda ha progresado adecuadamente.

DESCONCIERTOS (PAUL COLLINS BEAT)

2011-10-24T11:04:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Viernes 21 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: casi lleno.

Diez meses han pasado desde la última visita de Paul Collins a El Sol. Diez meses en los que muy pocas cosas han cambiado: el norteamericano en aquel concierto presentó al público de la capital el que es hasta la fecha su último disco publicado -“King of the power pop!”- (primer trabajo de Paul tras doce años de sequía) y ahora de nuevo, volvió a centrar su repertorio en estos nuevos cortes, en los que entronca directamente con aquellos grandes tiempos de The Nerves, The Breakaways y The Beat; también de nuevo volvió a ofrecernos una larga, intensa y enérgica actuación; por supuesto, nos deleitó una vez más con sus temas (o mejor dicho himnos) pasados más conocidos, reconocidos y venerados; y como no, estuvo como siempre, amable, cercano y agradecísimo con el calor mostrado por un público que le reconoce como lo que es: el puto amo del power pop. Son tantas las semejanzas de hecho, con su anterior concierto celebrado en esta misma sala, que para no repetirme en exceso, os dejo directamente el enlace de la crónica que escribí en aquella ocasión:http://chulonizate.blogspot.com/2010/12/desconciertos-paul-collins-beat.html

Y como no hay nunca dos bolos totalmente idénticos, os cuento ahora de forma rápida las similitudes y diferencias más evidentes de este concierto con respecto al que dio en Diciembre del año pasado. Paul Collins volvió a comenzar su actuación con la máxima intensidad. De hecho, en esta ocasión abrió con uno de sus temazos más potentes: “Don´t wait up for me tonight”, dejando bien a las claras que la cosa iba a ir en serio desde el principio. Su voz en esta ocasión en cambio, sonó mucho más nítida que nunca, más pulcra y menos rota, lo que unido a un sonido, también por decirlo de algún modo, más pop y menos power, hizo que las nuevas canciones tuviesen un aroma más “popero” que “rockero”, lo que no es ni mejor ni peor, sino diferente. Bien es cierto que la intensidad y dramatismo logrados en su última visita, en la que un problema de garganta hizo exprimirse de cojones al bueno de Paul, no se llegaron a alcanzar en esta actuación, donde incluso la banda también se mostró un pelín más acomodada, o lo que es lo mismo, menos contundente. En los grandes temas -“I still want you”, “Hunging on the telephone” “All over the world”, “Diferent kind of girl” y la ya mencionada “Don´t wait up for me tonight”-, la mayoría de ellos interpretados en la recta final y en unos bises (hubo dos tandas) brutales, las cosas fueron como de costumbre: memorables y muy emotivas. Y es que Paul Collins Beat no entiende de malos días, ni siquiera de días regulares. Lo suyo es una apuesta segura que se mueve dentro un baremo que abarca de la excelencia al notable alto como poco. Y en esta ocasión, fue de sobresaliente.

DESCONCIERTOS (THE STEEPWATER BAND)

2011-10-21T10:41:00.000-07:00

Concierto celebrado ayer en El Sol (Madrid). Público: 120 personas aproximadamente.

Antes de centrarme en el aspecto meramente musical del conciertazo que ayer dio The Steepwater Band, me gustaría resaltar una preocupante realidad: el rock cada vez tiene menos tirón en nuestro país. Sin remontarme mucho más lejos, hace dos o tres años tan sólo, bandas del calibre de los de Chicago solían arrasar cuando giraban por España. De hecho en su última visita a esta misma sala allá por el 2009, el trío provocó un llenazo y apneas veinticuatro meses después y pese a presentar disco nuevo -“el acojonante “Clava”- no han sido capaces ni de llegar a la media entrada. Esta reflexión en voz alta, no es más que una forma de compartir con vosotros la profunda tristeza y desolación que me provoca que el género (con todas sus variantes) que más ha hecho por la música en el último siglo, esté viviendo un momento tan aciago. Mientras tanto, lo petan “artistazos” del calibre de La oreja de Van Gogh, Juan Magán o Don Omar, que por si no lo sabíais están dentro del Top 10 de la lista de Los Cuarenta Principales de esta misma semana. Así están las cosas… Inexplicablemente. Y como no quiero encabronarme más, voy directamente ya a hablaros de MÚSICA de la de verdad, como la que nos regalaron ayer en dos horas mágicas de concierto, los americanos The Steepwater Band.

Vaya por adelantado: la excelencia mostrada por Massey, Winters y Bowers en el pasado, hacía muy difícil imaginar que en el futuro pudiesen alcanzar cotas más altas de las ya logradas en trabajos como “Dharmakaya” (2004), “Revelation Sunday” (2006) o “Grace and Melody” (2008). Pues bien queridos amigos, con este nuevo “Clava” lo han conseguido. The Steepwater Band suena ahora mucho más dura, más poderosa, más enérgica y muchísimo más contundente (y repito, mira que era difícil). Esto es debido en gran parte a que los nuevos temas -las demoledoras “Remember the taker”, “Out on love” y “Vanishing girl”, las áridas “Come on down” y “Love never ends” y esa maravilla que bebe directamente del maestro Neil Young que es “Meet me in the aftermath”-, pese a que siguen sonando a genuino rock americano, tienen ya muy poco de los matices sureños y bluesísticos que caracterizaban sus anteriores entregas. Y es que en “Clava”, los de Chicago han decidido primitivizar un sonido, que ahora se ha tornado más denso, cavernoso, granítico y profundo. Las melodías son ahora por tanto mucho más sólidas y abruptas, dando como resultado un compendio de canciones en las que no hay cabida para las concesiones. Sólo rock en estado puro, duro como la piedra. Canciones en forma de balas disparadas por un cañón sólido como el acero. A lograr esta mayor solidez han ayudado por un lado, la mayor contundencia (caña bruta, pero que muy bruta) con la que toca ahora sus instrumentos la sección rítmica de la banda -Joe Winters la batería y Tod Bowers el bajo- y un más que perceptible cambio en el timbre de voz de un Jeff Massey, que canta ahora de forma mucho más intensa y desgarrada, en la onda de Bryan Adams e incluso del Joe Cocker más visceral. Mención especial merece la mayor presencia de las guitarras del propio Massey en los nuevos temas, adquiriendo todo el protagonismo, gracias a una colección de riffs estratosféricos que me dejaron extenuado. Viéndole tocar, contagiado de los sonidos que él mismo generaba y alcanzado un éxtasis casi místico, me convencí una vez más de que hay pocas cosas más hermosas que contemplar el rostro de un guitarrista, cuando está desparramando su alma a través del cuerpo de su amada guitarra. ¿O acaso no se os viene a la mente (y al alma) el rostro de Hendrix con los ojos cerrados alcanzando la liberación de su espíritu, cada vez que escucháis uno de sus temas? Pura delicia, queridos lectores. Como pura delicia fue la guinda que nos regalaron en un bis emocionante en el que rindieron tributo a uno de sus grandes referentes, Neil Young, haciendo una soberbia versión de la maravillosa “Like a hurricane”. Colofón a una actuación impresionante, en la que los nostálgicos vimos reforzada nuestra idea de que es imposible que algo tan hermoso como el rock, pueda llegar a desaparecer jamás.

DESCONCIERTOS (GELO NUTOPIA)

2011-10-20T08:46:00.000-07:00

Concierto celebrado ayer en El Sol (Madrid). Público: más de ½ entrada.

El vocalista de quien toma nombre este grupo madrileño, inició este concierto en solitario, únicamente acompañado de su guitarra acústica y como no, de una voz que ya restalló intensa y poderosa. Este prólogo o preludio ya dejó bien claro que es precisamente Gelo el alma del grupo, y su voz, el punto fuerte del mismo. A continuación saltaron a escena el resto de miembros que dan forma a estos “Nutopia” en la actualidad, y ya en formato banda comenzaron a ejecutar los temas que componen el que es su primer E.P. publicado: “Reflexiones”, más toda una serie de temas que no han tenido cabida de momento en esta grabación y algunos que ya formaron parte de las maquetas: “Nutópolis” y “Rompecabezas”.

El grupo practica un estilo en clara consonancia con el pop/rock en castellano de bandas como Los Piratas o Los Enemigos de la época en que grabaron el visceral y musculoso pero a la vez poético “Gas” allá por 1996. Gelo Nutopia gana enteros en los temas más acelerados y rockeros y se vuelve un tanto monótono en las canciones más pausadas, donde se muestran más predecibles, con menos recursos y más alienados, siendo las melodías demasiado parecidas entre sí. La gran voz de Gelo, eso sí, suena rotunda en todas las composiciones, erigiéndose con fuerza sobre la parte instrumental y dando un mayor empaque al conjunto final. Una voz nítida, pulcra, potente y algo desgarrada, que parece el resultado de aunar a su vez las voces de Iván Ferreiro y el gran Josele Santiago; siendo su intensidad una de sus mayores virtudes.

El resultado final fue por tanto positivo, porque aunque es cierto que la propuesta musical del combo afincado en la capital no es la hostia, no es menos cierto que no funciona nada mal. A eso hay que añadir que destilan muy buenas vibraciones sobre el escenario, mostrándose simpáticos, cercanos y entrañables.

NOVEDADES ("EL EXTRAÑO DISFRAZADO DE NORMAL")

2011-10-19T02:21:00.000-07:00

DENIRO

“El extraño disfrazado de normal”

Lengua Armada

ROCK MELÓDICO (4 ESTRELLAS)

Tras cuatro años de andadura, la banda afincada en Madrid, ha publicado por fin su esperado primer disco. Y lo cierto es que la espera ha merecido la pena, porque han firmado un trabajo de rock fresco y potente, con un sonido y una producción excelentes, cimentado en unas melodías muy cuidadas -gracias al buen hacer de Nano a la guitarra rítmica, que lleva casi todo el peso de las composiciones de forma sutil, casi sin hacer ruido, pero dotando de empaque a todo el conjunto; fabulosamente secundado por Óscar Sánchez a la batería y Julio (Ska-P) al bajo-, con claras influencias del rock de los 90´s y del sonido Seattle -algo patente sobre todo en los punteos del guitarra solista Alberto “Niño” (Nancy Hole)-, unas letras en castellano soberbias y una intensidad y dramatismo arrebatadores, debido sobre todo a las encorajinadas ejecuciones de su vocalista Will Miller, que desgarra su alma en cada canción, recordando y mucho a grandes nombres como Vedder o Cornell. Destacan la sobria y rotunda “Secta”, la oscura “Una pregunta indiscreta” y las eléctricas “Arde” y “Normandía”, dentro del gran tono general de este disco, más que recomendable.

DESCONCIERTOS (THE BRIGHT Y TUYA)

2011-10-18T05:30:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 8 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: ¾ de entrada.

Vaya por adelantado: Tuya se ha convertido ya en “Mío”, vamos, en uno de esos grupos que voy a seguir muy de cerca, porque con esta actuación me sorprendió, me engatusó y me acabó noqueando hasta caer rendido a sus pies. Mira que el chico prodigio David T. Ginzo ha hecho ya cosas importantes, como ser músico de acompañamiento de Anni B. Sweet o Sidonie, formar parte de Catpeople y de los apabullantes Lüger o ser miembro fundador de Templeton; pues bien, ninguno de estos logros es comparable al que ha conseguido con el que es su primer proyecto personal de verdad: estos Tuya, que al menos hasta el momento han conseguido alcanzar la excelencia en el que es su primer y único disco publicado hasta la fecha, el E.P. “Own”, corroborada en este maravilloso directo. Bien es cierto que Tuya no es sólo David (o Jimmy como se le conoce también), sino un póker de ases que se completa con estos otros tres musicazos: Brian Hunt, Diego Gonsálvez y Héctor Ngomo (que se erigió como uno de los grandes pilares del grupo gracias a la potencia que imprimió a su bajo). Si a esto le añadimos que durante este concierto les acompañó en varios temas como invitada la propia Anni B. Sweet, o lo que es lo mismo, Ana López, protagonizando unos duelos vocales con el propio David de los que quitan el hipo, pues poco más se puede añadir. Bueno sí, hay que añadir mucho más en realidad. Entre otras cosas, la enorme calidad de la propuesta musical de esta banda, que mezcla con acierto la visceral y sofocante atmósfera sonora de bandas como Lüger (que evidentemente ha marcada a David) enraizada directamente con el género del post rock, pero cercana también al noise, a la distorsión e incluso a una especie de psicodelia densa y casi claustrofóbica; con la luminosidad del pop que por ejemplo practica la propia Anni; y con unos quiebros y requiebros en las intensas melodías -ora calmadas, ora abruptas- siempre sorprendentes. La voz de David también se mueve como pez en el agua, al igual que la parte instrumental, por varios derroteros: unas veces es dulce y cálida, otras grave y colérica y otras enloquecida y rabiosa, asemejándose en el plano tonal en general a la voz del cantante de Clap your hands say yeah, Alec Ounsworth. Todo ello al servicio de un sonido apabullante, resultado de la batalla que decenas de capas sonoras mantienen en cada tema de Tuya, a cada cual más complejo y enrevesado y por ello también, a cada cual más atrayente y sugerente. Como la saturada “Dark dawn”, la desequilibrada “The bag”, la emotiva “Pictures & flowers” y el enloquecido y tenso trinomio que componen “Blur”, “Focus” y “Struggle”. En definitiVa, una ralladura maravillosa que esperemos siga evolucionando en el futuro, para nuestro deleite.

Unos The Bright como los que visitaron El Sol en Noviembre del año pasado en formato dúo, elegantes, intensos y luminosos, gracias a la perfecta armonía que resultó de la conjunción del talento de Myriam y Aníbal (y de nadie más); hubiesen logrado como poco igualar la calidad de los predecesores Tuya. Pero The Bright ya no es lo mismo que hace un año. Se parece, pero no es lo mismo. El reconocimiento más mayoritario que han ido alcanzando (y que se merecen, ojo) les ha permitido pasar de tocar en salas pequeñas (el año pasado tocaron tan sólo ante cuarenta personas en este mismo local) a tocar durante todo el verano en un sinfín de festivales ante grandes audiencias. Esto no digo yo que sea malo, pero es indudable que ha provocado una serie de cambios en su estilo, en el clima íntimo y seductor de sus directos y en la forma de ejecutar sus canciones, que a mí en general me han resultado menos satisfactorios. Todos estos cambios vienen a su vez marcados por el hecho de que el otrora dúo, ahora toca en formato banda, con batería, teclados y bajo. Y es la inclusión de estos nuevos instrumentos lo que a mi modo de ver ha provocado que se pierda gran parte de la magia que conseguían lograr Aníbal y Myriam cuando únicamente eran ellos los que salían a escena. Y es que, pese a que ahora The Bright ha ganado en contundencia y hace más ruido, ha perdido buena parte de sus señas de identidad: la voz de Myriam destaca mucho menos dentro de este formato banda, los exquisitos matices de la guitarra de Aníbal también son ahora menos evidentes y en definitiva han perdido emotividad. Digamos que su folk/rock de clara raíz americana ahora suena más a rock con pegada, pero es precisamente esta pegada la que ha delimitado la originalidad de su sonido primigenio y les ha vuelto más monótonos y predecibles. No obstante, The Bright siguen siendo muy buenos. Los temas de “Soundtrack for a Winter´s Tale” (que de momento sigue siendo su único disco publicado) siguen resultando más que apetecibles para los oídos y los nuevos (que algunos cayeron) también fueron más que correctos. Aníbal sigue dejándonos momentos soberbios a las seis cuerdas y Myriam sigue poseyendo un magnetismo brutal en escena (de hecho se nota que ha ganado en confianza y se muestra mucho más dinámica y felina sobre las tablas). Por tanto, no seré yo quien diga que The Bright no sigue siendo un sólido ejemplo de buen hacer, pero tampoco puedo negar el hecho de que la magia que rodeó otras actuaciones anteriores suyas a las que yo tuve el privilegio de asistir, se ha perdido un poco por el camino. Una magia que de todos modos estoy convencido que sigue ahí latente, porque cuando versionaron de forma soberbia la no menos soberbia “Ring of fire” volvieron a emocionarme como siempre habían hecho. Como emocionante fue el breve encuentro que tuve con Aníbal al concluir el concierto, que hete aquí, ha resultado ser charrito como un servidor y es un tipo cercano, amable y humilde. Y con un talento de la hostia, dicho sea de paso.

DESCONCIERTOS (FRANK T Y LA TOSTADORA SOUND CORPORATION Y THE SOUL COMMANDERS)

2011-10-16T10:28:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Viernes 7 de Octubre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 30 personas.

Si a la crisis en que vivimos inmersos, que entre otras muchísimas cosas ha provocado que la afluencia de público a las salas de conciertos baje notablemente, le añadimos que el concierto del bueno de Frank T y compañía se programó casi a última hora (por problemas ajenos al Sol y a los propios artistas) y que por tanto no fue muy publicitado, nos encontramos con la triste realidad de que tan sólo treinta personas acudiesen a esta más que interesante cita.

Como los chicos no lloran, tienen que pelear (joder, siempre había querido meter esta mierda en alguno de mis textos), corramos un tupido velo (y ésta, y ésta) y centrémonos en los aspectos meramente musicales de la velada.

Los primeros en saltar a escena fueron The Soul Commanders. Esta banda afincada en Madrid se sustenta sobre todo en la gran voz de su vocalista Penélope, que ya bajo el álter ego de Ikah ha grabado dos largos en solitario: “Calma” (2006) y “Buenas intenciones” (2009). Ataviada con un elegante vestido y luciendo con clase unos zapatos de tacones estratosféricos, Penélope derrochó sensualidad y saber estar al interpretar con fuerza y firmeza las canciones que conformaron el setlist del grupo. Su voz grave, contundente y poderosa se erigió por encima de unas melodías, también perfectamente ejecutadas por el resto de músicos. Con dos piernas como columnas dóricas, rematadas no obstante con las siempre femeninas hojas de acanto corintias, decorando el centro de su poderoso capitel en forma de caderas, Penélope sabe ejercer un potente y atrayente magnetismo hacia su figura incólume, cuando canta. Y matizo cuando canta, porque es sólo en esos momentos (en los que cierra los ojos y desparrama su alma a borbotones a través de sus labios) cuando borda sus movimientos: gráciles, femeninos, sutiles, pícaros o dramáticos dependiendo del tono del corte interpretado y multiplica su belleza y encanto. En cambio, al dirigirse al público entre canción y canción, Penélope pierde la tensión interpretativa, se relaja, se siente a gustito, se olvida de ese papel de dama del soul que intenta labrarse con esfuerzo, soterra su sutilidad y feminidad y se nos muestra como una chica de barrio que habla casi a gritos, con expresiones tirando a chabacanas y utilizando unos recursos gestuales más propios de la verdulería del mercado que de un escenario. La diosa pues, en cada una de sus “divinas intervenciones” (algunas le faltó sólo terminarlas con un “¿me entiendes?” para hacerme vomitar) entre tema y tema, se transformaba en como mucho lozana villana (de villa, ojo) ante mi atónita mirada; lo que provocó que cada vez fuese menos creíble su papel de musa inalcanzable en cada nuevo corte interpretado. El mito acabó cayendo tanto que cuando concluyó su actuación y apareció entre el público sin tacones, tocada con unas manoletinas planas, la otrora reina de corazones (de cualquier corazón que hubiese querido) se pareciese más una Cenicienta a punto de ponerse a barrer el suelo de la sala. En estos momentos aproveché para saludarla y felicitarla por su actuación (que pese a este pero fue la hostia, que conste) y me quedé con ganas de comentarle que debería intentar pulir sus pequeños defectos, porque virtudes le sobraban. Pero la vi tan sonriente, tan alegre, tan fundida por haberse dejado la piel en escena, que no me atreví. Así que lo hago ahora en la distancia: Penélope, en el escenario, céntrate en cantar, siéntete siempre musa y entierra tu vena de barrio. Y te aseguro que el resultado final será mucho mejor. También ayudaría a mejorar dicho resultado el que el resto de miembros del grupo se ataviasen convenientemente en los días de concierto. Porque no es lo mismo un grupo de rock, de garage, de punk, de grounge, de death metal o de hardcore, por poner sólo algunos ejemplos, que una banda que practica el neosoul (y más con la elegancia con que lo hacen estos Soul Commanders). Por eso no estaría de más que los músicos vistiesen en consonancia con su estilo. Porque chirría demasiado ver a una cantante femenina en primera fila deliciosa y elegante y en segundo plano a un tipo con pintas vallekanas, a otro con pantalones cagaos y a otro ataviado como si fuese a hacer botellón al parque. Igual que chirriaría ir a un concierto de unos hipotéticos “punkarras” “Chuminos sangrientos” y en vez de ver a tipos con crestas y cueros, encontrarnos con un cantante vestido como un “Borjamari” cualquiera. Las cosas son así, y pese a que yo detesto modas e imposiciones, hay que reconocer que la imagen marca el éxito de una banda y es muy importante. Y al igual que es más creíble escuchar un “Resist” escupido por un tipo lleno de tatuajes, sucio, fornido y hecho un animal (Grande Cavalera), también es más creíble escuchar una versión elegante y sutil de Erykah Badu, interpretada por unos músicos vestidos con camisa impoluta y no con una camiseta dada de sí. Imágenes a parte, el estilo de este combo es de altura. Practican un soul moderno, sugerente y sutil, con mucha clase y plagado de exquisitos matices (Funk, R&B). En su repertorio incluyen toda una serie de acertadas revisiones de temas de artistas como la ya citada Erykah Badu, Common, Jill Scott, Beyoncé, The Roots…, con un elemento en común: todas son canciones emotivas y elegantes. Destaca sobre todo la guitarra de Mario García, que sin embargo en un par de temas en los que el grupo intenta incluir también el hip hop como parte de su estilo (algo que no pega nada), se arrancó como MC de forma casi bochornosa, rapeando sin garra, con un ritmo en el fraseo muy pobre y una voz muy floja. Otro pequeño borrón que The Soul Commanders deberán solucionar en el futuro. Un futuro que no obstante se me antoja prometedor.

A continuación saltó a escena el padrino del Hip Hop patrio, Frank T. A estas alturas de la película el carismático MC ha conseguido a base de esfuerzo y talento ganarse un reconocimiento y un respeto más que merecido e incuestionable. Lejos en cambio de acomodarse, de vivir de las rentas o de repetir fórmulas, Frank T siempre intenta renovarse y dar una nueva vuelta de tuerca a su sonido. Por eso en 2010 publicó “Soy una tostadora”, disco en el que introdujo toda una serie de bases propias, complejas, novedosas y con un cariz eminentemente electrónico. Por eso menos de un año después, ha decidido revitalizar sus canciones más conocidas, acompañándose por un quinteto de músicos excepcional –Luis Fuente “Pájaro” a la guitarra, César Merino al bajo, Sergio “Serch” a la batería, “Rob Vendetta” a los teclados y Gabriel Casanova al órgano, piano y sintetizador-, que toma precisamente su nombre de su último largo publicado. La Tostadora Sound Corporation está formada por varios miembros de los acojonantes Fix This y por tanto imprimen un ritmo endiablado a los fraseos de Frank T, eminentemente soulero y con mucho groove. Pero no queda ahí la cosa. También introducen muchos toques rock, punk y hasta psicodélicos formando un crisol sonoro potente y muy bruto que da mucho más empaque a unos temas que ya de por sí sonaban poderosos gracias a la grave y profunda voz del señor T. Destacó por encima de todo el conjunto, el atronador bajo de César que llevó todo el peso de las bases y estuvo inmenso de principio a fin. En cuanto a Frank T, volvió a dar toda una lección sobre el escenario de saber estar, de cómo controlar el ritmo y el tempo del concierto, de cómo captar la atención del respetable y por supuesto de cómo rimar con pulso, soltura y poderío, interpretando de forma excepcional un setlist memorable -destacaron “Nuevo ser”, “La verdad”, "Paco", “La gran obra maestra”, “Mañana” y las acojonantes “Humor negro” y “Desfase”- que se nos hizo hasta corto. Y es que al final, Frank T seguirá siendo quién es, pero siempre mejorado.

DESCONCIERTOS (THE UGLY BEATS)

2011-10-15T07:43:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Viernes 30 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: más de ½ entrada.

Cuando escucháis o leéis (como es el caso) que para referirse a algo o a alguien, se usan los adjetivos feo y sucio, por lo general tenderéis a pensar que ambas palabras tienen connotaciones negativas. De hecho vivimos en un mundo en el que la sociedad es adoctrinada, empujada y guiada a alcanzar esos ideales impuestos que rigen nuestro día a día: belleza, delgadez, juventud eterna, tetas gordas, rabos largos, bronceados perennes, dientes tan blancos que hasta brillan en la oscuridad, manicuras a lo peli porno decorando las típicas “manos pajeras”, ingles, huchas y sobaqueras depiladas…; porque evidentemente para conseguirlos hay que consumir mucho de muchas cosas: cremas, depilaciones, leches corporales (de las que vienen en bote, ojo), dietas, barritas energéticas, alimentos con fibra (que suelen ser los más caros), yogures caganderos, ropa de marca, peluquería, manicura, productos de higiene dental, operaciones de cirugía, implantes, rayos uva… Todo para no salirnos de los márgenes y modelos impuestos por las grandes empresas, difundidos en forma de machaconas campañas publicitarias a través de las más importantes empresas de comunicación del mundo. Por eso cuando montáis en el metro o en el autobús o cuando vais paseando por la calle veis montones de clones de uno de esos referentes actuales: Cristiano Ronaldo (chavales peinados con su crestita perfectamente fijada con altas dosis de gomina, pendientes imitando a brillantes, ropa “casual”, bronceado, brillo aceitoso en la cara y tableta de a doscientas abdominales por día) y montones de clones de esos otros modelos a seguir: la fauna femenina que abunda en realities y programas del corazón (princesas de barrio de cabelleras oxigenadas; pearcings de oro en labios, cejas y lengua; aros de tamaño estratosférico también de oro en las orejas; wonderbras realzando pechugas que pugnan por escapar de esa talla menos aunque sea por la espalda; taconazos y plataformas que provocan esos andares tan “femeninos” como de pingüino borracho cojo, que acaban siempre a altas horas de la noche en bolsas y mochilas, siendo sustituidos por zapatillas cómodas por unas usuarias que terminan con más rozaduras que el chumino de una puta de Montera el fin de semana; ropa ajustadísima y complementos -cinturones, bolsos, colgantes…- lo más grandes y brillantes posibles y con la marca bien visible para que todos podamos apreciar lo buenas que son las imitaciones del mercadillo). Pero hay muchos más cánones de nuestro siglo: el moderno gafapastas, la latina exuberante a lo Jennifer López (aunque una dominicana o colombiana pese noventa kilos llevará puestos unos pantalones ajustados y una blusa o camiseta marcalorzas y resaltaglobos), la modernata con gafas enormes y faldas y blusas heredadas de su bisabuela, los patagambas enfundados en pantalones pitillo y abrigados por chaquetas a lo grupo británico de moda (The Strokes´ style) y un sinfín más. Todos buscando con mayor o menor acierto alcanzar los pilares que marcan nuestra sociedad: ser guapos, ser delgados, tener éxito y tener reconocimiento social. Todos tan alejados de los cánones de varios de los géneros musicales -rock, garage, punk- donde menos importancia se ha dado precisamente a conceptos como el de la belleza, la perfección formal, el culto al cuerpo o a seguir los cánones de la moda imperante. Con respecto a estos conceptos ya había escrito yo en el pasado la siguiente reflexión: “los más grandes de la música han sido y son feos: Janis, Jagger, Bowie y Mercury y sus respectivos dientacos, Townsend y su narizota, Malcolm y Angus, Iggy, Rod Steward y tantos y tantos otros. Digamos que tienen un sex-appeal acojonante, que muchos poseen un carisma que puede llegar a provocar pasiones, pero guapos lo que se dice guapos no son. Y los que sí lo han sido como Morrison y Kobain parecieron intentar de todas las maneras posibles afearse para no ser la excepción que confirmase la regla: el primero convirtiéndose en un barbudo hombre lobo y el segundo dejando que los chorretes de mierda aliñasen su pelo, vistiendo ropas holgadas y desaliñándose hasta decir basta. Lo que pasa es que los genios son capaces de seducirnos pese a no poseer esa belleza clásica tan buscada a lo largo de los siglos. Y por eso un sólo golpe de cadera de Iggy, una sonrisa bravucona de Rod o una pose diabólica de Jagger son más seductoras y atrayentes que la peonza Bisbal dando doscientos giros seguidos de 360º mientras sus ricitos cortan el viento”. En la actualidad lo feo y lo sucio cada vez está menos de moda. Quizás por eso el rock no vive un buen momento y cada vez es menos mayoritario. Pero quizás también por eso, las miles de bandas sucias y feas que todavía siguen poblando cada rincón del planeta, nos parezcan a los “outsiders” que seguimos queriendo escapar de la mierda imperante alienante, mucho más auténticas y meritorias que hace unas décadas y las disfrutamos con más pasión que antaño. Los tejanos The ugly beats son una de esas grandes bandas. Un grupo que hace honor a su nombre y golpea con pasión y pulsión casi salvajes y que por supuesto está compuesto por cuatro tipos feos y una dama encantadoramente fea también, tanto que se torna irresistible en las distancias cortas cuando te sonríe y te susurra con su acento 100 % americano “¿cómo estaus guapou?”. Hacedores y valedores de un sonido sucio, abigarrado, infernal, pegajoso, abrasivo, exento de pureza, de belleza formal, de supuestas perfecciones de esas que en realidad suenan siempre a lo mismo y están faltas de vida, sudoroso y sexual. O lo que es lo mismo: de un sonido humano, atrayente, adictivo y real como la mierda que impera en nuestro mundo. Un sonido que huye de lo convencional y de las modas. Que huele a habitación revuelta tras una noche de sexo salvaje, que sabe a braga empapada y que suena al “Go ahead, make my day” de Harry el Sucio. Un deleite para todos aquellos que sabemos que lo realmente sublime es la imperfección; que tras tintes, operaciones, maquillajes, postizos, ensaladas y anabolizantes se esconden seres humanos que sufren como el resto de mortales, que viven con nuestros mismos miedos y temores y que en el fondo están deseando cometer los mismos pecados que nosotros. Y es que por mucho que quieran vendernos que tenemos que ser ovejitas guapas y lustrosas que se acomoden a la desastrosa situación económica y política actual sin decir ni mu (mejor dicho, sin decir ni beeeeeee) a ritmo de bulería, bulería; lo cierto es que ese lobo que llevamos dentro y que sólo algunos dejamos salir de vez en cuando (éste es el problema principal) nos hace que acabemos identificándonos con esos “malos” que acaban haciendo lo incorrectamente correcto para ellos, como ese jodido cabrón que es Santos Trinidad, soberbiamente interpretado por José Coronado en “No habrá paz para los malvados” y que tengamos deseos de desatar nuestras pasiones más pecaminosas: sudar, bailar, follar y emborracharnos con bandas sonoras auténticas y pasionales de fondo, como lo son las canciones de estos The Ugly Beats.

Los americanos surgieron en 2003 de las cenizas de la formación eminentemente surf The Sir Finks y desde entonces han golpeado con fuerza tanto en sus discos: “Bring on the beats!” (2004), “Take a stand” (2007) y “Motor!”(2010) -que es el que han venido a presentar en esta gira española-; como en sus salvajes directos. Si os digo que es un grupo beat con claros aires sixties que además suena garagero, rockero y con trazas de punk, estaréis pensando que se trata de una banda revival que mezcla varios estilos y que tal vez no aporte nada nuevo. Pero ahí es donde os equivocáis, porque The Ugly Beats ha conseguido aplicar con éxito la siguiente fórmula a sus composiciones: hacer impredecible lo predecible. Algo que consiguen al mezclar géneros e influencias de manera eficaz y sorpresiva, plagando las melodías de matices que provocan que el oyente nunca pueda predecir que va a ser lo siguiente que va a encontrarse. Así una canción puede empezar con un ritmo sesentero para luego derivar en una melodía de rock vigoroso con la inclusión de unas potentes guitarras, pasar a tener una base rítmica totalmente punk y terminar en éxtasis psicodélico. Todo ello por supuesto supeditado a la búsqueda de un sonido eminentemente sucio, salvaje y primitivo en la onda de las mejores bandas de tradición garagera. Todo ello formando un batiburrillo esplendoroso en el que las potentes bases rítmicas y la actitud del quinteto en escena son eminentemente punks, las guitarras indómitas y afiladas son fundamentalmente rockeras, el sonido pegajoso es principalmente garagero y las melodías, matices y el órgano tocado por Jeanine son claramente sixties y beben directamente del sonido mod de grandes bandas como The Who. En el plano vocal, hay que destacar la aportación de todos los miembros de la banda en momentos puntuales haciendo unos coros y acompañamientos sobresalientes, pero por encima de todos el que lleva la voz cantante es el también guitarrista Joe Emery, que en los temas más vigorosos recuerda y mucho a Billie Joe Armstrong de Green Day (“Girl on the brain”) y en los más psicodélicos al gran Sam Andrew de Big Brother and The Holding Company -sí, la banda en la que despuntó Janis Joplin- (“KO´D” y sobre todo en la maravillosa versión que hacen del “Filthy Rich” de los acojonantes garageros holandeses de los sesenta The Outsiders). Todo ello al servicio de un directo visceral y salvaje en el que cayeron temas antiguos y nuevos -trallazos todos de poco más de tres minutos- formando un repertorio impoluto en el que se me hace muy difícil destacar unas canciones por encima del resto. Deciros que fundamentalmente desgranaron su último largo: el ya mencionado “Motor!” y que uno de los momentos más emocionantes para mí fue cuando versionaron “I´ll make you happy” de The Easybeats, canción que me hizo recordar a mis añorados Fortune Tellers que también solían interpretarla en sus directos de forma soberbia. Ya que acabo de hacer referencia a una banda patria, sería injusto no mencionar que en muchos momentos por actitud, sonido y vigorosidad también me recordaron a esos otros bestias sobre el escenario que son Doctor Explosión. Vamos, que nos ofrecieron un conciertazo de esos que se te quedan marcados a fuego en las tripas y que sirvió para corroborar el buen ojo que tiene Greg Kostelich de The Cynics que es quien ha publicado todos sus discos en su sello Get Hip Records. Una gozada que concluyó con un servidor departiendo amigablemente con unos músicos que se volcaron con el público que acudió a verles mostrándose amables, cercanos, simpáticos y agradecidísimos. Y es que queridos lectores, estos feos son muy pero que muy guapos.

Por cierto, perdón por la chapa de hoy, pero es que los caminos de la fiebre son inescrutables.

DESCONCIERTOS (NICOLÁS Y LOS PAPELES DEL GOBIERNO)

2011-10-06T08:05:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 29 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 80 personas aproximadamente.

Aviso para navegantes: en esta crónica, reseña, texto o mierda (según se mire) que hoy escribo -y suscribo-, voy a repartir unos cuantos mandobles, mamporros e incluso hostias verbales (por qué no decirlo), al hablar del concierto que Pastoriza y compañía dieron este pasado jueves en la capital. Y lo cierto es que antes de ver su actuación no me imaginaba que fuese a ser así, porque a priori existían muchos motivos que me hicieron pensar que este bolo iba a ser de mi agrado: Pastoriza es un buen letrista; Iván Ferreiro me parece una de las mejores voces del pop patrio de los últimos años y pese a algún desencuentro con su obra, siempre me han atraído la mayoría de proyectos en los que se ha embarcado; Novoa es un gran músico y Ricardo Moreno además de ser un tipo encantador, es uno de los bateristas con más clase que yo haya visto tocar en directo. Sin embargo, queridos lectores, las expectativas del gozo quedaron sumidas en un pozo de agua “sabora” tirando mucho más a agria que dulce. Y lo peor de todo es que las expectativas de los propios músicos tampoco se cumplieron, ya que sufrieron en sus propias carnes el tener que tocar ante un público muy escaso (unas ochenta personas) pese a tener una lista de invitados que superaba incluso en número al de las personas que finalmente acudieron a esta cita. Si a esto le añadimos que en las postrimerías del bolo, de las ochenta personas que había al principio, quedaron tan sólo poco más de cuarenta, parece evidente que no debo de ser yo el único que pensó que en el concierto hubo más fallos que aciertos.

Ya en los primeros compases de la velada en los que cayeron: “La canción del telonero” y “Los papeles del gobierno” ambas pertenecientes al segundo largo en solitario de Pastoriza: “El niño con la raqueta en el espejo” (que precisamente presentaba esta noche al público de la capital), y que ha publicado tan sólo unos meses después de “Hoy le disparé al presidente y otras canciones de amor” (su primer LP), se vislumbró que como la cosa no mejorase mucho, el final del cuento no iba a ser feliz. Y es pese a que estos dos cortes poseen unas letras más que atrayentes y unas melodías amables, fácilmente degustables (siguiendo la tónica general de las composiciones más recientes del músico gallego), pecan de ese mal endémico que por desgracia está jodiendo el pop español de los últimos lustros: son plomizos, planos y monótonos. Las siguientes: “El día del eclipse”, “Surf nocturno” y “Té de Ceyland” (pese a lo emotivo de las circunstancias que la rodean: la madre de Nicolás falleció mientras grababa este tema) no hicieron más que corroborar los malos augurios. Sonaron desganadas y aburridas como la pobre voz del propio Pastoriza, que para qué vamos a engañarnos, entre sus virtudes no tiene la de ser un buen vocalista, e interpreta como si le costase cantar, como haciendo un insufrible esfuerzo de arrastre para extraer las notas de su garganta. Y faltas de vida en lo meramente instrumental, porque las correctas ejecuciones de estos “papeles del gobierno” (a excepción de Ricardo que mantuvo el tipo durante toda la actuación dando toda una lección de clase y fuerza con las baquetas) no fueron más que eso: correctas; pero les faltaron empaque, ritmo, pulso, tempo y sobre todo sangre.

A estas alturas, mi mente comenzó una vez más a pensar que parece evidente que en España se ha ensalzado en demasía a determinados grupos y artistas patrios englobados dentro de eso que tantos hemos dado en denominar como música pop independiente. Y como mi mente suele ser inquieta y traviesa, rápidamente encontró una nueva etiqueta para definir el género al que pertenece este nuevo trabajo de Pastoriza: el TEDIPOP.

No obstante, justo es decir que cuando subió a escena la hermosa violonchelista Iría Arnesto para interpretar junto a la banda los temas “Electricidad” y “El mar de la tranquilidad” -buenas canciones que se erigieron poderosas sobre la morralla-, la cosa subió de nivel. Los matices y la energía se multiplicaron creando un oasis placentero de melodías más calurosas que escaparon de la alienación general en el que también debemos englobar “La bola extra” (canción de la época en que Nicolás estaba al frente de La Marabunta, que interpretó con acierto un Coque Malla invitado para la ocasión, que sí supo insuflar ese brío que debe tener todo buen vocalista y que Pastoriza no logra alcanzar) y “Bailando en el ambulatorio” -donde por fin Iván Ferreiro adquirió un papel protagonista (el resto del concierto se mantuvo en un discreto segundo plano tocando el piano y haciendo coros) y nos regaló una soberbia interpretación cimentada en su poderosa y atrayente voz-.

Para los bises quedaron una correcta “Anoche en el Berbes” (versión de “Waterloo Sunset” de The Kinks) y “Su majestad en la guillotina” que bien puede servir para definir el tono general del concierto: un ejercicio de pop de ejecuciones correctas y arreglos brillantes, pretencioso en la forma, pero que en el fondo encierra una vacuidad aburrida e irritante.

DESCONCIERTOS (WATCH OUT)

2011-10-04T12:04:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado 24 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 120 personas aproximadamente.

Watch Out fueron los elegidos para actuar en la fiesta de presentación de Groove Spain, que nace con el afán de convertirse en la mejor y más especializada tienda on-line de música negra de nuestro país, algo que no me extrañaría que acabara consiguiendo, puesto que detrás de su bien elegido nombre, se esconde a su vez otro nombre, el de Josué VinylCat, que además de ser un tipo cojonudo y un gran selector musical, es un trabajador incansable que se esforzará al máximo por conseguir todas esas joyas y rarezas de géneros como el funk, el soul, el jazz -y una lista mayor que sin duda se irá ampliando en el futuro-, que cualquiera de nosotros esté buscando. Desde aquí por supuesto, le deseamos la mejor de las suertes.

Volviendo a Watch Out, deciros que pocas novedades hubo en este concierto con respecto al que nos regalaron hace apenas cinco meses en esta sala (podéis leer la crónica que hice del mismo pinchando en este enlace: http://chulonizate.blogspot.com/2011/04/desconciertos-watch-out.html).Vamos, que volvieron a arrasar con su derroche de buena música, con su gran presencia escénica, con su despliegue de fuerza y con sus frenéticos ritmos de funk y soul bailongo y dinámico, poniendo una vez más (y van…) la sala patas arriba. Y para colmo, la siempre eficiente Cris López estuvo un puntito por encima con respecto a visitas anteriores, mostrándose mucho más sexy, hermosa (no te cambies nunca tu huracanada melena rizada) y avasalladora sobre el escenario (se lo comió literalmente) y logrando unos registros vocales que cada vez la asemejan más a la eterna Amy Winehouse (que ya es decir y salvando no obstante las distancias, que las hay). En definitiva, una apuesta segura.

DESCONCIERTOS (JORGE ILEGAL Y CARAMELOS PODRIDOS)

2011-09-29T04:47:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 22 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 50 personas aproximadamente.

Caramelos podridos es en palabras de su cantante Santi Gandul una “banda homenaje de unos Ilegales a los que profesamos fervorosa admiración y un enorme respeto”. El vocalista recalcó que este término le gusta más que el de banda tributo, tal vez con la intención de desmarcarse de la profusa nómina de grupos de este cariz que pueblan nuestra península. Pero lo cierto, querido Santi, es que os joda o no, sois una banda tributo más de las que atestan nuestro país. Una banda que pese a sonar correcta; que pese a estar compuesta por tres tipos cercanos, amables, bonachones y más bonicos que el bonico del to´(mañicos de esos que ya sólo con oírles hablar te enganchan por su cercanía y humildad); que pese a que cimente sus versiones fundamentalmente en la voz del propio Gandul (qué mal suena esto), que consigue asemejarse gratamente a la del gran Jorge Ilegal y que pese a que pueda provocar (como me provocó) simpatía y empatía por tocar unas canciones de uno de los grupos más honestos y carismáticos del rock urbano de este país, y que por tanto tienen un lugar privilegiado en el corazón y la memoria de muchos de nosotros; no deja de ser un sucedáneo del original, al igual que el resto de jodidas bandas tributo que como una plaga nos asolan. Y es que, estos Caramelos podridos (que cómo no, toman el nombre de un tema de Ilegales) tocan bastante peor que Ilegales, son muchísimo menos contundentes que Ilegales, ejecutan unas versiones que tienen menos calidad, fuerza y empaque que las originales de Ilegales, son peores músicos, tienen peor sonido, tienen una presencia escénica infinitamente menor que la de Jorge y compañía (entre la que destaco la arrogante presencia del gran Willy Vijande de los primeros tiempos, presencia que sigue conservando, por cierto) y por supuesto, no poseen esas dosis de electricidad en forma de vendaval que extrae Jorge de su guitarra (sigo reafirmando que para mí es uno de los grandes maestros de las seis cuerdas que hay en España) ni la contundencia, aplomo y vigorosidad del bajo del ya citado Willy, que atronaba en muchas de las canciones originales que estos “Caramelos” versionaron durante este bolo. Algo que sucede en mayor o menor o medida con todas las bandas tributo que se empeñan en versionar a sus ídolos sin intentar aportar nada nuevo ni original en sus composiciones, lo que por un lado me genera la preguntas: ¿para qué cojones imitáis algo que no tenéis intención de mejorar, de renovar o de revitalizar? ¿Para qué cojones imitáis algo que sabéis que no podéis superar?, y por otro me provoca cierto estupor, desidia y hasta mala hostia, sobre todo en los casos de bandas tributo que se empeñan en tocar el repertorio de grupos que siguen en activo y que por tanto pueden seguir siendo disfrutados en directo por cualquier hijo de vecino. Algo que en cambio es bien distinto en otros casos como el de los geniales Zolo Zeppelín, que han elegido el repertorio de un grupo que ya es muy difícil de disfrutar en directo, que es un combo formado por unos musicazos de la hostia y que revisan los temas de sus ídolos pero tamizándolos bajo su personal óptica (mezclándolos con canciones de otros grupos como The Doors, integrando influencias de otros géneros e introduciendo nuevos matices) consiguiendo por tanto sonar distintos y atrayentes. Grupos como éste no sólo tienen un pase, sino que son cojonudos. En cambio a la profusión del resto de bandas tributo que no aportan nada, debería ponérsele freno de una puta vez.

Una vez esputada la dosis de bilis semanal, voy a centrarme ahora en lo mejor de la noche: la presencia como artista invitado de Jorge Ilegal, quien por cierto y pese a demostrar su generosidad para con estos Caramelos podridos con los que compartió escenario (algo que sin duda emocionó al trío zaragozano que acabó incluso pidiendo autógrafos y dedicatorias a su idolatrado “maestro”), birras post actuación y confidencias; no dudo en dejar bien clara su postura nada más pisar las tablas de El Sol, con respecto a este tipo de grupos, con uno de sus habituales y geniales chascarrillos: “los chavales no lo han hecho del todo mal e incluso han introducido algún cambio que estudiaré en el futuro, pero no he tenido más remedio que subirme para completar esta banda y mejorar de una puta vez por todas su sonido”. Vamos que sí (que cojonudo que alguien me admire y toque mis canciones, y yo con gusto les apoyo)…. pero no (que en el fondo no deja de ser un grupo de colegas que pese a ser mu´ majos no aportan casi nada, por no decir nada). En cuanto a lo de que iba a mejorar su sonido, ya os digo yo que lo cumplió a rajatabla.

Y es que Jorge no subió al escenario para hacer el paripé, sino para dejar bien claro que es un genio, que como todos los grandes genios, desborda altas dosis de locura, pero también un virtuosismo, una calidad, una energía, una presencia y una profesionalidad, hipnóticas, extenuantes, arrolladoras y adictivas. Bien es cierto que sólo tocó tres canciones. En una primera tanda: “Eres una puta” (frenética) y “Tiempos nuevos, tiempos salvajes” (con un solo de guitarra memorable), y ya en el bis final: “Destruye” (que nos puso los pelos de punta gracias al dramatismo con que Jorge la interpretó, a la fuerza con que expelió por su garganta una letra que brotó desde lo más profundo de sus entrañas y a su transmutación física sobre las tablas, en un diablo cargado de odio y furia que acabó en el medio de la sala, alzando al techo su guitarra para delirio del personal presente). Pero bien es cierto, que por poder disfrutar no ya de estos tres temas, sino de la mitad de cualquiera de ellos, hubiera valido la pena pagar el precio de la entrada e incluso el doble de la misma. No contento con ofrecernos su lado más salvaje, Jorge también tuvo tiempo de aderezar la velada con sus fantásticos soliloquios. Esta noche la víctima sobre la que vertió su acidez fue un bar de Montera en el que cenó antes de la actuación unos “calamares podridos”, nombre con el que rebautizó a “su banda homenaje”.

Y para rematar la faena, Jorge invitó al escaso público asistente a tomarse unas cervezas con él al terminar el concierto, mostrándose amable, cercano y humilde. Colofón a una velada que se extendió hasta las tantas de la madrugada y que sirvió para promocionar y presentar en sociedad la web oficial de Ilegales: www.los-ilegales.net (cojonuda) y sobre todo para poder disfrutar de la presencia y compañía de un tipo corriente que sin embargo consigue transformar lo convencional en genial sin ni siquiera proponérselo.

DESCONCIERTOS (JC BROOKS AND THE UPTOWN SOUND)

2011-09-28T10:20:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Miércoles 21 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 350 personas aproximadamente.

Voy a ir directo al grano. Es cierto que JC Brooks es un frontman como la copa de un pino, pero no es menos cierto que los músicos que lo acompañan son los que a la postre consiguen que el sonido de este grupazo sea distinto al de otros muchos combos clasificados como “retro”. Porque la batería de Kevin Marks y sobre todo el bajo de Ben Taylor proporcionan una base rítmica demoledora e infernal muy cercana al punk e incluso al garage (The Stooges, Booker T and The MG´s). Y porque el guitarrista Billy Bungeroth toca su guitarra de una forma salvaje extrayendo de su instrumento unos riffs incendiarios que otorgan una base muy rockera a todo el conjunto. Digo esto porque me parece un poco injusto que en el nombre de este cuarteto de Chicago se otorgue un lugar prioritario a su cantante, cuando en realidad todos sus miembros aportan grandes dosis de calidad que en definitiva son las que hacen de su sonido algo especial y sugerente. Un sonido que para que os hagáis una idea, repite una fórmula parecida a la de mis adorados The Bellrays, donde la felina voz 100 % soulera de Lisa Kekaula se eleva sobre unas bases muy rockeras y también con ciertas dosis garageras e incluso psicodélicas. Banda que por cierto no se denomina Lisa Kekaula and The Bellrays, por poner un ejemplo, pese a que en este caso concreto, la voz de ésta aporta sin lugar a dudas mucho más empaque al conjunto que la del propio JC al resultado final de sus The Uptown Sound.

Con esto no quiero restar méritos al señor Brooks -que conste-, sino resaltar los del resto de sus compañeros. Una vez hecho esto, ahora ya sí, toca ensalzar al frontman de esta banda. JC Brooks es un bigardo que exuda magnetismo, sensualidad y energía. Tocado con su impoluto traje, se comió el escenario con sus contoneos y movimientos y por ende acabó devorando al público asistente, que extasiado se rindió a sus pies como un corderillo asustado ante la presencia del atractivo lobo feroz. Y es que es muy difícil no rendirse ante los encantos de un tipo que recuerda en sus movimientos y en los temas más salvajes, al tono de voz de James Brown; que físicamente (sobre todo su rostro y su peinado) se parece al sexual Little Richard y que en los temas más cálidos y pausados consigue asemejarse al maestro Curtis Mayfield. Por ponerle sólo un pequeño un pero, hay que reconocer que a la hora de ejecutar registros altos pierde un poco de potencia en su voz, algo que no obstante intenta camuflar con unos falsetes de lo más logrados. Siendo éste por tanto el único pequeño defecto encontrado en toda su actuación, supongo que ya imaginaréis lo que os voy a decir ahora: sí, el de JC Brooks & The Uptown Sound fue un conciertazo en toda regla, donde el papel protagonista lo tuvieron las canciones correspondientes a su último disco publicado: “Want more”, que es el que han venido a presentar al público español en esta gira y del que destacaron las explosivas: “I got high” y “I can see everything”. No obstante también revisaron el fantástico “Beat of our own drum” (2009) que contiene auténticas joyas como “Baltimore is the new Brooklyn” y “Alright”, que una vez más volvieron a resultar avasalladoras en directo. El repertorio lo completaron algunas versiones tamizadas bajo su personal óptica entre las que destacó, ya en los bises, la que hicieron del tema “Tainted love”, donde se erigió como principal protagonista el poderoso bajo de Ben Taylor.

Poco más de una hora que voló como un suspiro y que sirvió para demostrar una vez más aquesto de que lo bueno si breve dos veces bueno y aquello de que más vale dejar al público con ganas de más, que saturarlo en exceso con más paja que chicha. Así que ya lo sabéis para próximas visitas: JC y sus colegas sólo ofrecen chicha de la buena, pero tampoco os penséis que os vais a pegar un atracón de dos horas. Avisado queda.

DESCONCIERTOS (LÁTIGOS CALIENTES, EGONÍA Y GATO CHARRO)

2011-09-24T10:44:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 17 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 150 personas aproximadamente.

Maral Producciones eligió esta noche para presentar en sociedad a varios de sus pupilos. La velada la abrió el salmantino Álvaro Pacheco, o lo que es lo mismo Gato Charro, que a la postre se convirtió, según mi humilde parecer, en el gran triunfador de la noche por ser la suya la propuesta más refrescante de todas. Comenzó su actuación en solitario y en plan cantautor, acompañándose únicamente de su guitarra acústica; pero demostrando ya una frescura que rompió con el típico esteriotipo que suele caracterizar a estos. Y es que, lejos de moverse dentro de los manidos parámetros plomizos, melancólicos y la mayoría de las veces soporíferos, que caracterizan a la canción de autor que se hace en este país, Gato Charro sorprendió con unos primeros temas cargados de ritmo, buen rollo, intención e intensidad, apoyándose en su sugestiva voz, que por momentos recordó sobremanera a la de Manu Chao -mismo deje y entonación- y en otros a la del gran Lichis e incluso a la de Kutxi de Marea en su faceta más aflamencada y eso sí con una entonación más suave y menos desgarrada que la de éste. A medida que fue avanzando su actuación, se fueron uniendo a Álvaro nuevos músicos: un trombonista primero y posteriormente un bajista y un batería. Ya en formato banda, Gato Charro atacó todo tipo de géneros fusionándolos con acierto de forma trepidante: pop, rock, jazz y rumba, todos ellos aliñados con un deje aflamencado que me trajo a la memoria a mis adorados La Cabra Mecánica, incluso en las letras, plagadas de sugestivas y jugosas metáforas. En su repertorio cayeron temas de su primer trabajo: “Reconstrucción” (2008), pero sobre todo del que es hasta la fecha su último y reciente largo publicado: “Ven”, destacando: “Canalla”, “Dos copas”, “Perdío” y “No me apetece (desmadre)”. Para mí fue un grato descubrimiento, pero teniendo en cuenta su trayectoria: ha tocado y colaborado con Xoel López (Deluxe), Pereza, Albertucho, Los Coronas y Muchachito entre otros, parece lógico que me sorprendiese y que poco a poco consiga hacerse un hueco cada vez más grande en este difícil mundo de la música.

Tras Gato Charro saltaron a escena los noveles Egonía. Esta banda madrileña ha grabado ya su primer disco: “Vacancy”, que es un compendio de pop/rock en castellano, tirando a blandito y bastante poco novedoso, la verdad sea dicha. No obstante hay que reconocer que pese a ser una banda del montón, no lo hicieron del todo mal y le pusieron muchas ganas. Ganas que a la postre hicieron que temas como “Made in U.S.A.”, “Como ayer”, “Nos llamamos ya si eso” y “Lucha”, sirviesen para encender al público presente y para provocarme la sensación de que al menos habrá que concederles en el futuro el beneficio de la duda (con muchas reservas, eso sí).

Y por último les llegó el turno a los considerados a priori como plato fuerte de la noche. No en vano Látigos Calientes está formado por dos nombres más que conocidos en el circuito independiente de punk y rock nacional: Migui Miranda y Ernesto Dueñas, que llevan desde los años noventa dando cera en bandas como Idioterne, Porros Forales, Los Rombos y Malospelos, entre otras. Sin embargo, su enorme experiencia, sus tablas y su buen hacer como músicos no hacen que este nuevo proyecto común, sea atractivo ni atrayente. De hecho, todas sus canciones -tocaron temas de su homónimo E.P de debut y temas que van a formar parte del que será su primer largo publicado: “Señoras y señores”, que verá la luz en breve- sonaron peligrosamente iguales, monótonas y sin ningún matiz o toque original que las hiciese únicas e interesantes; lo que acabó provocándome más mala hostia que otra cosa. Por no gustarme, no me gusta ni el nombre, que suena a peli porno de bajo presupuesto. ¡Qué poco futuro les veo, amigos!

DESCONCIERTOS (MAMÁ Y DESCONOCIDOS)

2011-09-23T09:53:00.000-07:00

Conciertos celebrados los días Jueves 15 y Viernes 16 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: el jueves unas 120 personas y el viernes lleno.

Mamá reaparecieron hace apenas dos años con el disco “La mejor canción” y ahora dan continuidad a esta nueva andadura con otro largo publicado: “Sólo por hoy”. Para presentar este nuevo trabajo en sociedad tocaron la semana pasada dos días seguidos en la que siempre ha sido su casa: la sala El Sol de Madrid, espacio de conciertos eternamente vinculado a La Movida Madrileña, dentro de la cual dieron sus primeros pasos allá por los primeros años ochenta, José María Granados y los suyos. Teniendo en cuenta como está el percal actual, la apuesta del grupo de tocar dos días consecutivos, a muchos entre los que me incluyo, nos parecía un órdago un tanto arriesgado. Pero lo cierto es que con un llenazo y casi medio, se demuestra que Mamá siguen teniendo bastante tirón a día de hoy.

Para abrir ambos días, el cartel se completó con los teloneros Desconocidos, que como bien indica su nombre, han pasado bastante desapercibidos en los pocos años que llevan en esto de la música pese a haber publicado ya un disco: “No hables con desconocidos” y estar a puntito de sacar otro. La explicación a este desconocimiento nos la ofrecieron ellos mismos sobre las tablas del Sol durante sus dos actuaciones consecutivas: se trata de una banda novel, no obstante formada por músicos ya talluditos, que sienten devoción por el pop patrio de los 80´s, en concreto por el que realizaron grupos como los propios Mamá, Los Pistones y Los Secretos; que basan su estilo precisamente en esas fórmulas otrora exitosas pero actualmente ya bastante ajadas y escuchadas hasta la saciedad, sin aportar nada nuevo, sonando bastante peor que los originales y con el déficit de no poseer un recorrido y por tanto unas canciones de esas, que pese al paso de los años son recordadas por muchos con emotiva nostalgia. Vamos, que practican fórmulas pasadas con menor carisma, energía y frescura que sus referentes más inmediatos y encima no tienen una carrera pasada exitosa sobre la que apoyarse. Por eso esta formación encabezada por Juan y Carlos no tiene cabida ni en los gustos más modernos del público más joven, ni en el entrañable, vivo y emotivo recuerdo del público más mayor. Algo que corrobora el hecho de que entre las canciones que componen su repertorio, precisamente sea el tema más destacado el único que no han compuesto ellos, en concreto la versión del “Margarita” de José María Granados que grabaron Los Secretos en el disco “Dos caras distintas”. Pese a todo hay que reconocerles sus ganas e ilusión y una ejecución como poco correcta. Eso sí, pese a sonar efectivos a veces, lo cierto es que en líneas generales su directo fue bastante blandito, por no decir que la mayoría de sus canciones se acercaron peligrosamente a la moñería más inaguantable. Si a esto le sumas lo desfasado de la propuesta y lo rancio de la puesta en escena, la conclusión final es que dos días seguidos de Desconocidos empalagan más que el jodido dulce de leche. Y esto queridos lectores, es mucho empalagar.

En cambio, apenas cinco minutos sobre el escenario sirvieron para que Mamá demostrase por qué ellos sí han conseguido formar parte de la historia musical de este país, por qué siguen grabando discos compatibles con los nuevos tiempos, por qué siguen teniendo tirón y en definitiva, por qué juegan en otra división bien distinta a la de los teloneros. Porque pese a que su momento de mayor gloria ya pasó hace muchos años, el pop de Mamá sigue estando vigente y de hecho los nuevos temas que presentaron, poseen más brío y enjundia que los de la mayoría de grupos “popis” del actual indie patrio con los que tanto se corren los gafapastas de turno (le joda a quien le joda); porque los miembros del grupo han sido y siguen siendo unos músicos cojonudos; porque su sonido en directo es apabullante, limpio y musculoso; porque dan conciertos de más de dos horas de una intensidad increíble, sin pausas ni parones ni interludios entre tema y tema; porque espantan la moñería de sus canciones más melódicas y de temática amorosa a base de fuertes guitarrazos y del aplomo vocal de José María y de su sección rítmica y porque en definitiva, poseen una calidad sobresaliente y sobre todo un frontman como Granados que siempre cumple con creces, dejándose la piel en cada bolo (acabó exhausto y empapado en sudor) y que para mí es al pop español lo mismo que Rosendo al rock: un profesional como la copa de un pino.

El resultado final fueron dos noches fantásticas (bien es cierto que la del viernes fue mejor debido sobre todo al colorido y al calor que provocó el público que abarrotó la sala) en las que las nuevas canciones gustaron, pero en las que no obstante volvieron a erigirse en triunfadores los temas que interpretaron de sus dos discos más emblemáticos: “Mamá” y “El último bar”; destacando por encima de todos “ Chicas de colegio” y “El último bar” -con este tema cerraron el concierto del viernes tras dos tandas de bises y se vivió una comunión tan espectacular entre público y músicos que acabó por ponerme carne de gallina-.

Derroche de emotividad, clase y energía, vaya.

DESCONCIERTOS (TULSA Y JOE LA REINA)

2011-09-20T11:06:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Martes 13 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: lleno a reventar.

No sé a quién se debe la elección de Joe la Reina como banda escogida para telonear a Tulsa en su concierto de despedida, pero lo cierto es que fue un acierto rotundo. La separación de la banda comandada por Miren Iza supone para los amantes de la buena música en general y para los degustadores de su pop/rock intimista y profundo con raíces americanas -sobre todo sureñas- hecho con enjundia y desde las tripas, entre los que me encuentro, un mazazo; principalmente porque siempre nos queda la sensación de que las propuestas que más se alejan del típico y tópico indie pop patrio más moña, anodino y recalcitrante (el de los Crepúsculos, los Papás Topos, los Punsetes y demás mierdas similares) son las que por unos u otros motivos acaban desapareciendo de la música de este país. Por eso, el hecho de que se escogiera a los noveles Joe la Reina -combo vasco navarro que practica una especie de folk/rock fresco y original, también de clara raíz americana, con trazas del Dylan más eléctrico, toques de los Fleet Floxes, aires fronterizos y retazos de música del Delta, escupido de forma emotiva e intensa- para abrir esta mágica (y triste) velada, fue una estimulante forma de decir: ojito, que unos se van, pero llegan otros que siguiendo una línea parecida (sobre todo, la del buen gusto) van a proporcionarnos también muchas satisfacciones. Y es que esta joven banda, que musicalmente también tiene mucho que ver con los vallisoletanos Arizona Baby (siendo estos no obstante mucho más áridos y los Joe la Reina más cálidos y luminosos en sus melodías), pese a que todavía se muestra algo deslavazada en directo (los nervios del principio les llegaron incluso a provocar que desafinasen bastante en los primeros compases de su actuación), demostró con canciones como “Killinberry blues”, “Hold your maker´s hand” y “Back to the south” que tienen madera de banda sólida y de calidad. Destacaron sobre todo sus guitarras zigzagueantes y la voz de su frontman, que en los tonos más bajos recordó a la del gran Bob Dylan y en los tonos más elevados e intensos a la de Alec Ounsworth de Clap your hands say yeah. Si os fiáis un poquito de mi criterio os aconsejaría que escuchaseis el que hasta la fecha es su único trabajo publicado, el E.P.: “Tudanca”, que a tenor de lo visto y escuchado en este concierto, no será lo único que publiquen a lo largo de su carrera. Tras el grato descubrimiento de Joe la Reina, llegó el momento más esperado de la noche: la actuación de Tulsa, que paradójicamente suponía a su vez algo que seguramente ninguno de los asistentes hubiesen esperado y mucho menos deseado hace apenas unos meses: el final, al menos de momento, de la carrera del grupo comandado por Miren y su fiel escudero Alfredo Niharra. Vamos, que había muchas ganas de ver a Tulsa en directo, de arropar a sus miembros en esta difícil noche, pero de lo que no había ganas era de asistir a su último concierto como banda. Y es que jode que uno de los grupos que más han aportado a la música independiente española en este último lustro, acabe por desaparecer. Jode porque sus dos discos publicados: “Sólo me has rozado” (2007) y “Espera la pálida” (2010) son una delicia. Jode porque sus directos han sido siempre magníficos (incluso en una noche tan difícil para ellos como la del pasado martes, en que las emociones estaban a flor de piel, consiguieron sonar de forma impoluta, brillante e intensísima). Jode porque las nuevas canciones que tocaron en esta última actuación: “El francés”, “Verano averno” y “Tus flores” (compuesta por Ricardo Lezón de McEnroe) nos demostraron que a Tulsa todavía le quedaban muchos grandes temas por regalarnos. Y jode porque la emotiva y desgarradora voz de Miren alcanzó en este último bolo unas cotas de intensidad y calidad que no hacen sino encumbrarla aún más en el podium de mis más queridas preferencias. Llegados a este punto me gustaría recordar algo que ya escribí sobre ella en este mismo blog hace poco más de un año y que espero sirva como un humilde homenaje que le dedico por los buenos momentos que me ha proporcionado con su portentosa voz:

MIREN IZA (LA MUSA QUE TODO POETA MALDITO QUISIERA TENER): que hay muchas voces bonitas dentro del mundo de la música es una verdad como un templo. Pero que haya voces que además de bonitas sean únicas y personales ya no lo es tanto. La voz de Miren Iza es arrolladora, rota a veces, potente otras, luminosa, triste, alegre, sensual siempre, hipnótica, mágica, en definitiva ÚNICA. Y qué decir de su presencia, de ese rostro expresivo que remarca con dolor las palabras de desamor, que se ilumina con los textos alegres, que es el reflejo de un alma desgarrada constantemente. Miren Iza es el reflejo del amor que duele, es decir del verdadero amor, es el rostro de los nubarrones del alma, de las brumas grises del corazón, es la musa que todo poeta maldito quisiera tener. Porque la desazón, el desparramar los fantasmas que atormentan el espíritu en forma de intensidad interpretativa es la verdadera Belleza, esa belleza interior que verdaderamente arremolina los corazones más angustiados como el mío. Hacia mucho que no veía nada tan hermoso, hacía mucho que nadie desnudaba de verdad su alma sobre un escenario, que dejaba de actuar para mostrar realmente su turbador interior tal y como es: un ramo de rosas negras en forma de corazón mecido por las ventiscas del desamor.

Y es evidente que yo no soy el único que se ha jodido. Están jodidos también todos los que abarrotaron El Sol en esta despedida, muchos periodistas y críticos musicales de esos que no se casan con nadie y también muchos compañeros de gremio que no quisieron perderse tan señalada fecha: entre el público presente estaban varios miembros de Amigos Imaginarios (Santi Campos incluso subió a cantar junto a Tulsa el tema “Algo ha cambiado para siempre”, de forma bastante desafortunada todo hay que decirlo), Coque Malla, Óscar Maya y Lourdes Hernández entre otros.

Menos mal que para pasar el mal trago, Tulsa nos regalaron un puñado de joyas en forma de canciones: “Matxitxako”, “A mis brazos” (versión en castellano del “Into my arms” de Nick Cave), “Araña”, “Seguramente me lo merezco” y ya en la primera tanda de bises una magistral versión también en castellano del “Till the next goodbye” de The Rolling Stones y en la segunda las tristísimas: “Contigo tocaré el cielo” y la ya mencionada “Tus flores”.

Y poco más que decir, bueno sí: gracias y que os vaya bonito.

DESCONCIERTOS (LOS MADISON)

2011-09-18T09:42:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 10 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: ¾ de entrada.

Los Madison son una coherente y efectiva banda de rock clásico que recuerda a grandes nombres del género como Bruce Springsteen o nuestro eterno Miguel Ríos, por lo intenso y emotivo de sus canciones; a 091 y en concreto a José Ignacio Lapido por lo poético de sus letras; a Dire Straits por el sonido de las guitarras de Txetxu Altube y José Luis Martín; con a su vez, una serie de temas de corte mucho más pop en los que nos traen a la memoria a Los Secretos como referente más evidente. Destacan sobre todo las ya mencionadas guitarras de Txetxu -éste firmó algunos solos estratosféricos, no en vano, además de tocar con sus “Madison” también ha colaborado con Miguel Ríos y con Quique Gonzáles- y José Luis, que son las que llevan todo el peso de las canciones del grupo y fundamentalmente la cálida y emotiva voz del propio Txetxu que se asemeja en su intensidad y en el sentimiento que transmite a la de Pucho de Vetusta Morla, pero gana enteros con respecto a la de éste, por ser mucho más contenida y con más empaque. Donde pierden enteros es en sus temas más edulcorados, ya que bajan en intensidad y se muestran demasiado blanditos. Algo que compensan con el resto de su repertorio, plagado de temas redondos. Especialmente emotivas sonaron: “Nadie”, “Ayer”, “Soldados”, “Si pierdo la cuenta” y “Desafíame”, extraídas de sus dos largos publicados hasta la fecha: “Días de vértigo” (2007) y “Vendaval” (2010), al que hay que añadir el reciente “Desafíame-en directo”, de venta en sus conciertos. Como anécdota comentar que junto a ellos cantó un tema el músico Jaime Anglada, invitado que debería estar agradecido de haber podido compartir escenario con una banda que en directo se deja la piel y consigue mantener el pulso de principio a fin de sus largas y enérgicas actuaciones, en la onda de esos referentes que tanto les marcan y que ya he mencionado al principio de este artículo: Lapido, Ríos y Springsteen. Porque el rock sin sudor no sabe igual, ni mucho menos.

DESCONCIERTOS (ALEJANDRO GUTIÉRREZ Y LOS CHOCOLATINOS Y YUVISNEY AGUILAR)

2011-09-17T09:04:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Viernes 9 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 80 personas aproximadamente.

La diosa Yemayá, madre de todos los Orishás, es probablemente la divinidad más venerada dentro de la mitología Yoruba, cuyo culto es importantísimo en Brasil y sobre todo en Cuba. Este concierto celebrado la semana pasada, se programó para rendirle homenaje a dicha divinidad y por ende sirvió también como punto de encuentro para todos aquellos amantes de la cultura y música de raíces latinas y caribeñas.

El cantante y percusionista cubano Yuvisney Aguilar fue el encargado de abrir la velada rindiendo un pequeño homenaje de apenas quince minutos a Yemayá y a Eleggua, interpretando una serie de cantos y rezos rituales acompañados del toque del tambor Batá y de otras percusiones que corrieron a cargo de varios de los integrantes del grupo Los Chocolatinos. El integrante y fundador de Manana -famosa banda de percusionistas cubana-, nos regaló un mini espectáculo con interés tanto musical como antropológico y cultural, curioso y efectista.

A continuación saltó a escena el plato fuerte de la noche: Alejandro Gutiérrez, acompañado de la banda Los Chocolatinos. El cantante cubano, perfectamente secundado por esta banda especializada en ritmos latinos, cuyos integrantes son todos españoles, nos ofreció un completo compendio de ritmos latinos en general y cubanos en particular donde tuvieron cabida la salsa, el bolero y muchas dosis de “latin”. De Los Chocolatinos hay que destacar el gran sentido del ritmo que poseen y lo impoluto del sonido que consiguen en directo. Sobresalieron sin duda sus grandes percusiones y la calidez aportada por los vientos, en especial de la trompeta. Alejandro por su parte, interpretó de forma sobresaliente, gracias a su prodigiosa voz -limpia y avasalladora como el agua cristalina de una cascada- un repertorio plagado de canciones de alta alcurnia como "Sandunguera"(Los Van Van), “Xiomara Mayoral” (Irakere) o “Ligia Elena” (Rubén Blades), que se completó con temas propios en los que demostró que en el terreno en el que mejor se mueve es el del bolero. Intensas fueron sus interpretaciones también de temas como “Veneno”, “Las cuarenta”, “Jamaiquino” y “Santiago”. La actuación se cerró con una conga multitudinaria en la que se mezclaron músicos y público para gozo de los asistentes. Una actuación en la que tuvimos el placer de disfrutar de unos sonidos que no son muy habituales de escuchar en directo en esta sala y que fueron un soplo de aire fresco muy del gusto de un servidor.

La fiesta dedicada a Yemayá concluyo con la colaboración de varios Dj´s pertenecientes al colectivo Social Club Music Evolution que amenizaron con su impecable sesión al público que acabó abarrotando El Sol hasta altas horas de la madrugada.

DESCONCIERTOS (NO MORE BULLSHIT Y DR. MARTIN´S BAND)

2011-09-15T09:47:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 8 de Septiembre de 2011 en El Sol (Madrid). Público: ½ entrada.

Dr. Martin´s Band y No More Bullshit unieron fuerzas en esta velada benéfica, con el fin de recaudar fondos para la ONG NUCBACD, que a su vez destinará el dinero recaudado para construir un hospital en Uganda. Para apoyar esta loable iniciativa, el actor Gonzalo de Castro puso su granito de arena ejerciendo como maestro de ceremonias, aunque lo cierto es que su discurso fue bastante anodino y se le notó un poco fuera de lugar. Nada que ver con las dos bandas que tocaron a continuación que estuvieron intensas y no escatimaron esfuerzos para agradar al solidario público asistente.

Los noveles (y bastante desconocidos, todo hay que decirlo) Dr. Martin´s Band, hicieron méritos suficientes como para que se hable de ellos de forma más que positiva en el futuro, aunque es evidente que todavía les faltan repertorio, rodaje en el directo y muchas horas de ensayo. No obstante la actuación de los madrileños fue digna y sirvió para mostrarnos que saben moverse igual de bien en géneros diversos, tales como el brit pop y el rock and roll más clásico. Lo mejor sin duda fueron sus inmensas ganas de agradar y de comerse el escenario desplegando altas dosis de energía y contundencia (sobre todo gracias al poderío de las guitarras). Destacaron interpretando sus composiciones propias y flojearon en las versiones que salpicaron su actuación, porque apenas aportaron nada novedoso y no se acercaron ni de lejos a la calidad de las originales, con la salvedad tal vez del “No woman no cry” de Bob Marley, que tocaron con una frescura que les reconozco.

A continuación saltaron a escena unos No More Bullshit a los que hay que reconocerles fundamentalmente su calidad humana, ya que es bastante habitual su participación en todo tipo de actos benéficos. De hecho, en su anterior visita a El Sol en Diciembre del año pasado también tocaron desinteresadamente, en esa ocasión para ayudar a la ONG Campamentos Solidarios. Pero sin duda, no es la calidad humana su única virtud. Y es que, pese a que No More Bullshit no deja de ser una banda de versiones cuyo principal propósito es tocar esporádicamente para pasárselo bien, lo cierto es que sus integrantes se toman muy en serio lo que hacen y suelen regalar directos más que dignos. En esto influye fundamentalmente el hecho de que entre sus filas se encuentra el prestigioso guitarrista Francisco Simón, pilar básico de Red House y conocido también por formar parte de aquella banda que amenizaba el programa televisivo presentado por el Gran Wyoming, Caiga quien caiga, junto con el Maestro Reverendo. Cimentadas en su intensa forma de tocar, las versiones -todas ellas adscritas fundamentalmente a dos grandes géneros: el rock y el blues- ejecutadas por este grupo, cobran pues una relevancia en muchos casos superlativa y en el resto, como poco suenan correctas. Así sonaron de hecho los primeros temas interpretados en este concierto por No More Bullshit, que salieron más fríos que en anteriores visitas y tardaron casi media hora en entrar en calor y demostrar todo de lo que son capaces. Influyo sobre todo a que esta primera parte del bolo no pasase de la corrección, el hecho de que el vocalista Antonio Montes estuviese bastante aséptico y no encontrase la tecla apropiada para transmitir emociones con su voz. Pero entonces llegó el momento de inflexión al interpretar un par de temas casi seguidos de Elvis, que ejecutó de forma soberbia (salvando siempre las distancias con el Rey, no se me enfaden oíga). Esto le dio nuevos bríos y enchufó también al resto de la banda que comenzó a destilar elegancia y contundencia tema tras tema. Cayeron ya en esta fase, soberbias relecturas de temas de The Rolling Stones, The Kinks y The Velvet Underground, que dieron paso a un brillante final en el que destacaron: “Cocaine” de Eric Clapton, “Great balls of fire” de Jerry Lee Lewis, “Johnny B. Goode” de Chuck Berry y “Walk on the wild side” de Lou Reed, a cada cual mejor. Buena música pues para un buen fin. ¿Qué más se puede pedir?

SONÓ EN EL 2010 ("AGRIDUSTRIAL")

2011-09-07T09:33:00.000-07:00

LEGENDARY SHACK SHAKERS

“Agridustrial”

Colonel Knowledge Records

ROCK SUREÑO (TRES ESTRELLAS Y MEDIA)

La banda de Nashville comandada por el Colonel J.D. Wilkes, vuelve a la carga con éste, su quinto disco. Los americanos siguen manteniendo su estilo aguerrido y contundente, pero ahora, además de sus acercamientos al rock de raíz sureña, el rockabilly, el hillbilly y el country, creando un sonido personal que ellos mismos han denominado como junkyard carnival punk, nos ofrecen un mayor número de temas más cercanos al rock clásico, con estribillos pegadizos y riffs de guitarra afilados a lo AC/DC, como “Sin Eater” o “God fearing people” (con una armónica que parece salida del infierno). El mayor mérito de los “Shakers” es su facilidad para explorar todos los palos cercanos al rock, desenvolviéndose en todos a las mil maravillas, y consiguiendo revitalizar algunos géneros musicales un tanto estancados en la actualidad: psychobilly (“Dixie iron fist”), country (“Two tickets to hell”), western (“Sugar baby”) e incluso folk (la enloquecida “Dump road yodel”). Es de alabar también la maravillosa gama de sonidos frescos y originales que consiguen extraer de instrumentos tradicionales (“The hog-eyed man”). Potencia en estado puro.

EN EL RECUERDO (LAYABOUTS Y CORINTHIANS)

2011-09-06T10:08:00.000-07:00

En este concierto, Layabouts, encabezados como siempre por un sobresaliente Jon Arias, presentaron en Madrid el que por entonces era su último disco publicado (segundo de su carrera): "... And they ran into the woods". Casi dos años después, en los que han consolidado definitivamente su atrayente propuesta, podemos afirmar que las buenas sensaciones que nos dejaron en esta actuación, no han hecho más que darnos la razón a los que siempre hemos pensado que estábamos ante uno de los grupos de rock españoles con más futuro.

Layabouts + Corinthians

(4 ESTRELLAS)

Lugar: El Sol Fecha: 15-01-10 Estilo: Pop/Rock Público: Lleno Promotor: Señor Costa Producciones.

Pese a un comienzo titubeante, los teloneros Corinthians acabaron calentando al personal con su elegante pop en inglés. Su sonido muy beat, evocó a bandas como The Verve y Oasis. Se trata de un grupo aún no muy conocido, pero con conciertos como el de esta noche, donde se doctoraron con nota, seguro que eso va a cambiar. A continuación Layabouts arrasaron El Sol con un sonido potente, vigoroso y rotundo que hizo retumbar las paredes de la sala, para deleite del público. Con este concierto, presentaron en Madrid su segundo álbum, “… And they ran into the woods”. Temas como “Epidemic” y “Desertika” sirvieron para mostrar el nuevo camino estilístico que propone el cuarteto madrileño. De los sonidos post-punk más bailables de su primer disco -“Layabouts”- con el que se les comparó con grupos como Bloc Party, han evolucionado a un sonido más contundente y arrollador, por momentos incluso cercano al hard-rock. Los temas que interpretaron de su álbum de debut sonaron también más compactos que hace dos años, siendo el caso más reseñable el de “Despite the neons”. Y como cierre, una fabulosa versión del clásico “Johny B. Goode” de Chuck Berry. Sin duda, unos animales del escenario.

EN EL RECUERDO (LANDA Y ORLEANS)

2011-09-05T11:19:00.000-07:00

Hoy recordamos el concierto de dos bandas de esas que no han llegado a explotar a día de hoy y probablemente no lo harán jamás, pero que aún así merecen el reconocimiento por su profesionalidad y buen hacer.

Landa + Orleans (2 estrellas y media)

Lugar: El Sol Fecha: 06-02-2010 Estilo: Pop Público: 250 personas áprox. Promotor: Astro Música.

Los encargados de abrir la velada fueron los madrileños Orleans, que defendieron ante el público su disco de debut “Ciudad / Tonight”, además de presentar algún nuevo tema. Sin excesiva chispa durante toda la noche, no fue hasta sus últimos temas, curiosamente los más roqueros del repertorio, cuando se soltaron y dieron lo mejor de sí. En especial ese “Viaje”, instrumentalmente maravilloso. El segundo asalto corrió a carga de Landa, nuevo proyecto de los ya extintos, La herencia. Al igual que Orleans, los también madrileños presentaron su primer disco, “Todos los días del año”. Mucho más rodados y con más tablas, su concierto sirvió para demostrar la fuerza que poseen sobre el escenario, pese a que la voz de Álex no estuvo todo lo bien que debía. Su fórmula: power-pop en castellano con gran presencia de guitarras eléctricas, lo que otorga un gran empaque a todos sus temas. Con sus ganas y energía se ganaron al respetable, dejando para el fin de fiesta su tema más pegadizo “Uh uh uh!”, con la presencia en el escenario de Orleans y un par de espontáneas acompañándoles en los coros. Sin alardes, pero más que correctos.

EN EL RECUERDO (KITTY, DAISY AND LEWIS Y THE NU NILES)

2011-09-03T11:06:00.000-07:00

En este concierto pudimos saborear el directo de una de las mejores bandas patrias de rockabilly: The Nu Niles y disfrutar de una de las revelaciones del momento en esto del revival del rock de los 50´s y los 60´: Kitty, Daisy and Lewis. Los llenazos de sus giras y los batacazos de grandes maestros como Johny Powers -considerado uno de los padres del Rockabilly y coetáneo de Elvis Presley, Johny Cash, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis o Carl Perkins entre otros-, que en su visita a la capital el pasado mes de Julio no fue capaz de congregar a más de 60 personas en su actuación; no hacen más que demostrar que el público en general sigue siendo abducido más que por calidades y/o cualidades artísticas, por modas y campañas publicitarias. Una pena, vaya.

Kitty, Daisy and Lewis + The Nu Niles (3 estrellas)

Lugar: Joy Slava Fecha: 30-03-2010 Estilo: Rock n´ Roll / Blues / Rocksteady / Swing / Rockabilly Público: Lleno Promotor: I´m an artist

Abrieron la noche los barceloneses The Nu Niles, banda consolidada dentro de la escena rockabilly nacional. Su misión de calentar al público antes del plato fuerte de la velada, la cumplieron como suele ser habitual en ellos, con solvencia. Posteriormente, irrumpieron en escena los jovencísimos hermanos Durham, acompañados de sus padres, que con sólo un disco publicado: “Kitty, Daisy and Lewis” (2008), se han convertido en todo un fenómeno en Inglaterra -su país de origen- y fuera de él. Algo que tiene mucho mérito, teniendo en cuenta que su fórmula se basa en la revitalización de géneros musicales (por desgracia) minoritarios de los 50´s y los 60´s. Lejos de ser reconocido dicho mérito, una buena parte del colectivo rocker -los más puristas- los consideran unos advenedizos. Reconociendo que pese a que en directo todavía tienen que pulir ciertas carencias (les faltó alma en buena parte del concierto), con sus soberbias interpretaciones de “Going up to the country” (versión de Canned Heat) y “(Baby) Hold me tight”, sin duda demostraron un hecho innegable: el rock n´ roll corre por las venas de esta familia. Le pese a quien le pese.

SONÓ EN EL 2010 ("BLACK ROCK")

2011-09-02T10:17:00.000-07:00

JOE BONAMASSA

“Black Rock”

J&R Adventures

ROCK/BLUES (TRES ESTRELLAS Y MEDIA)

El americano Joe Bonamassa, es una máquina de sacar discos. El último es este “Black Rock”, que de nuevo vuelve a estar a la altura de las expectativas. Trece canciones entre las que encontramos temas propios (los más destacados del álbum, sobre todo esa maravilla que es “Blue and evil” donde parece transmutarse en el Jimmy Page de la época del “Physical graffiti”) y como viene siendo habitual, una serie de versiones de temas míticos de la crème de la créme del mundo de la música: Bobby Parker, Jeff Beck, Rod Stewart, Ron Wood, Leonard Cohen… En todas ellas, Bonamassa sigue dando lecciones magistrales de cómo se debe tocar una guitarra (no olvidemos que ya a la edad de doce años era elogiado por el maestro B.B. King, quien también colabora en este disco en el tema “Night life”) y vuelve a mostrarse como un excepcional vocalista, especialmente en “Quarryman´s lament” (de una sensualidad extasiante) y en “Three times a fool”, en las que recuerda y mucho al extraordinario Don Henley, cantante y batería de The Eagles. El décimo trabajo de estudio del americano es rock negro. Negro y exquisito como el caviar.

SONÓ EN EL 2010 ("THE FIX IS IN")

2011-09-01T04:32:00.000-07:00

JAMES CHANCE AND TERMINAL CITY

“The fix is in”

Le Son du Maquis/Green Ufos

JAZZ (3 ESTRELLAS)

En “The fix is in”, el conocido como “maníaco del saxo” (toda una institución dentro de la escena jazzística internacional que también ha tenido numerosos devaneos con el funky más que destacables) sólo hace realmente honor a su nombre, en el tema que sirve de título a su nuevo disco: un corte (el mejor de largo) de ritmo hipnótico en el que el americano da rienda suelta a esa locura rabiosa que lleva dentro, extrayendo las notas de su saxo con una furia inusitada. El resto del álbum en cambio, es bastante pausado y tranquilo, algo que sorprende sin duda viniendo de este artista. Pero en esta ocasión, Chance ha querido hacer un disco clásico que bebe directamente de los orígenes del jazz de los años 40 y 50. Un compendio de canciones de atmósfera decadente, siempre con el elegante saxo de éste como epicentro y secundado de forma magistral por la Terminal City, siendo buena prueba de ello el tema más “free” del disco, “Another Pompadour” en el que se produce un duelo espectacular de piano, trompeta, bajo y batería o “Chance´s mood” y “The set up” cimentadas en un Hammond imponente. Buen disco que hará las delicias de los amantes del jazz.

EN EL RECUERDO (INHABITANTS Y MARINA GALLARDO)

2011-08-31T09:43:00.000-07:00

En este concierto tuvimos la oportunidad de disfrutar de una gran banda de rock oscuro e intimista -Inhabitants-, de escuchar en directo las canciones de uno de los mejores discos que se firmaron en este país en el 2009 -"A time for giants" y sobre todo de emocionarnos con la que para mí es una de las grandes voces masculinas españolas de los últimos años -la del imponente Jesús Vassallo-.

Inhabitants + Marina Gallardo (3 estrellas y media)

Lugar: El Sol Fecha: 22-05-2010 Estilo: Post rock /Folk-pop Público: 150 personas aprox. Promotor: Foehn Records.

Marina Gallardo se topó con una sala casi vacía, lo que unido a su tremenda timidez, hizo que tuviese un comienzo titubeante, en el que su voz quedó ahogada por el resto de instrumentos de su banda y por las conversaciones a todo volumen de un sector del público que demostró una enorme falta de respeto. Lejos de rendirse ante las circunstancias adversas, la gaditana, con un excelente segundo álbum recién estrenado, “Some monsters die and other returns”, fue creciéndose a base de coraje, para acabar regalándonos un buen tramo final de concierto en el que vertió una carga emotiva arrolladora en temas como “Monsters”, “Nora” y “Words”. A continuación llegó el turno de los madrileños Inhabitants que centraron su repertorio en su maravilloso tercer trabajo, “A time for giants”. Profundos -“We were one”-, melancólicos -“Conquer hell”-, emotivos -“A time for giants” y vibrantes -“Deliverance”-. Una maquinaria musical perfecta con la cavernosa, oscura y cautivadora voz de Jesús Vassallo al frente, auténtico motor del grupo. Sin excesos, adornos ni artificios. Enarbolando las banderas de la clase y la elegancia. Que ya es decir.

EN EL RECUERDO (IDEALIPSTICKS, FEBRERO Y ARIZONA BABY)

2011-08-30T02:56:00.000-07:00

Hace dos años ya pudimos comprobar en directo las buenas maneras de unos Arizona Baby que acabaron de explotar muy poco después de este concierto (gira con los fabulosos Los Coronas incluída) y la calidad de unos Idelipsticks que no han tenido tanta repercusión a nivel nacional como los vallisoletanos, pero que para mí acabaron grabando uno de los mejores discos de rock patrio del 2010: "Sins & Songs". Éxito de dos formaciones por las que siempre he apostado y a las que he halagado desde este blog, del cual que me alegro sobremanera.

Idealipsticks + Febrero + Arizona Baby

(TRES ESTRELLAS)

Lugar: El Sol Fecha: 04-09-09 Estilo: Rock/Pop/Rock-folk Público: Lleno Promotor: Spinner Music

El Sol acogió la fiesta aniversario del blog musical Spinner Music, que demostró su buen gusto apostando por estas tres jóvenes bandas y la presencia de DJ Flow a los platos.

El trío de barbudos vallisoletanos, Arizona Baby, abrieron la noche desgranando temas de su disco “Songs to sing along” (2005) y dando algunas pistas del que será su próximo álbum, producido por Paco Loco. Calentaron al público haciéndolos vibrar con su rock-folk psicodélico. Especial mención se merece la voz de Javi que posee una fuerza y personalidad enormes. Los tarraconenses Febrero, fueron a posteriori los más flojos de la noche y los que menos conectaron (los acoples constantes tampoco ayudaron). Pop sencillo en castellano que no acabó de cuajar. Y el plato fuerte de la noche fueron sin duda Idealipsticks, que presentaron “Radio days” y fueron desgranando trallazo tras trallazo hasta llegar a la apoteosis con “The king has died”. Banda más que interesante con una bomba sensual y sexual a la cabeza, llamada Eva, que con su voz desgarrada escupió una gran verdad: Idealipsticks van a dar mucho que hablar de ahora en adelante.

NOVEDADES ("DIGITAL 21 vs ANA CURRA")

2011-08-29T01:42:00.000-07:00

DIGITAL 21 vs ANA CURRA

“Digital 21 vs Ana Curra”

[PIAS] Spain

POST PUNK/ELECTRÓNICA/EXPERIMENTAL (CUATRO ESTRELLAS)

Vayamos al grano: el disco homónimo surgido del trabajo conjunto entre Ana Curra y Miguel López Mora (Digital 21) es por encima de cualquier otra cosa, una ralladura…alucinante. Ambos siempre han sido unos adelantados a su tiempo, dos talentos en estado puro, que ahora unidos, han firmado uno de los trabajos más inconformistas, revitalizadores, originales e inclasificables, de la música hecha en este país en los últimos años. El verdadero hilo conductor de unas canciones que se mueven por diversos estilos (innovando todos ellos): post punk o ciber punk -“Arrebato”, “Bendígame padre”-, electrónica -“Mundo correcto”-, música experimental -“Respirando”, “Guernica 2.0”-, e incluso toques de música oriental -“Nashik”-, es el de la búsqueda casi desesperada del sentido más verdadero y profundo de todos esos conceptos que marcan el ritmo vital de nuestras vidas: la muerte, el amor, el dolor…, a través de unas melodías en las que confluyen de forma magistral el clasicismo más ortodoxo (el piano de Ana) con la experimentación más avanzada (las bases y arreglos de Digital 21) y de unas letras, pequeñas en extensión, pero inmensas en cuanto a su carga poética, simbólica y semántica.

SONÓ EN EL 2010 ("HARPER SIMON")

2011-08-27T01:29:00.000-07:00

HARPER SIMON

“Harper Simon”

(PIAS) / ulsi Records

FOLK/POP/COUNTRY (3 ESTRELLAS)

Harper Simon debuta en solitario con este álbum homónimo, rodeado de buenos amigos y mejores músicos -Adam Green, Sean Lennon, Joan Wasser (Joan As Police Woman), Steve Nieve (Elvis Costello)…- y bajo la alargada sombra de su padre, Paul Simon. El resultado es un conjunto de canciones dulces y tranquilas, con melodías suaves y pausadas, que mecen al oyente como el agua tibia de un mar calmado, en una tarde de verano. La delicadeza que destilan los diez cortes de este largo, la melodiosa voz de Harper y su poso más folk -sobre todo en “Ha ha” y en “All I have are memories”-, recuerdan irremediablemente al padre de la criatura, quien además es autor de la letra de “Wishes and stars”. Es en los cortes más country del disco: “Shooting star” y “Tenessee”, donde Harper Simon se desmarca de forma más evidente del estilo musical de su padre, pero pese a todo, su huella sigue estando presente. Para aquellos nostálgicos que veneraron a Simon and Garfunkel, esta obra deberá ser imprescindible. Para el resto de los mortales, un disco correcto y grabado con esmero, pero ni excelso ni novedoso.

DESCONCIERTOS (STILL NASTY Y LOWDOWN)

2011-08-26T02:45:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 9 de Julio de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 80 personas aproximadamente.

Sin duda, en el mundo de la música las formas importan (vestuario, actitud, estilismo, fotos promocionales…). Lo que ocurre es que unas buenas formas e incluso unas formas imponentes jamás pueden ocultar un mal fondo. En cambio, cualquier tipo de fondo (“apañao”, decente, bueno u excelente) siempre puede ser enriquecido por las formas adecuadas. Hago estas aclaraciones porque cuando saltaron Lowdown a escena, se pusieron antes nuestros ojos tres chavales con unas “pintillas” más esteriotipadas que auténticas y un estilismo un tanto deslavazado. Unas formas por tanto, digamos que no del todo bien escogidas y que ya de primeras, causaron un efecto mucho más negativo que positivo a la hora de prejuzgar al grupo en cuestión. Unas formas que si hubiesen estado más trabajadas hubiesen enriquecido un fondo que en cambio sí que funcionó bastante bien y que sin duda ayudarían a Lowdown a crecer en este mundillo tan competitivo y complicado, por no decir jodido. Porque en el plano meramente musical, este trío demostró tener un buen directo, unas buenas canciones y una buena actitud sobre el escenario. Y es que, sin llegar a ser su calidad exultante y pese a algunos defectillos que deben ir puliendo con el paso del tiempo, lo cierto es que Lowdown es una más que decente, que se mueve con soltura por diversos géneros como el grunge o el trash metal, siendo no obstante el estilo que mejor los define el del punk/rock de bandas como Bad Religion, a quienes me recordaron y mucho. Quizás el elemento más original del grupo sea el hecho de que cuentan con dos vocalistas (guitarrista y batería) lo que otorga un plus de dinamismo y empaque a sus composiciones. Unas composiciones con letras en inglés que siguiendo la tradición del punk clásico son trallazos veloces y directos que raramente superan los tres minutos de duración. De entre todas destacaron “Soh Toh Rah Mah”, “Cyclops”, “Horror Dog” -pertenecientes a su disco “Y is a crooked setter”- y sobre todo “Big Man” -del álbum “Revolver II”-. Cumplieron de sobra.

Still Nasty demostraron a su vez que están un escalón por encima de grupos como los propios Lowdown, y que progresan, o mejor dicho maduran adecuadamente. Y hablo de madurez porque es precisamente ésta la que les ha otorgado una mayor serenidad escénica y sobre todo una seguridad, un empaque y un pulso que les permite sonar ahora mucho más contundentes y sobrios que hace unos años (iniciaron su andadura en 2005), lo que les ha llevado a lograr un salto cualitativo innegable. Buena prueba de ello es su poderoso último trabajo: el E.P “Weathervanes” que precisamente presentaron en esta actuación y que contiene cuatro temas robustos, profundos, densos, sobrios y embriagadores que suponen una sublimación del post rock oscuro y contundente (sin olvidar sus también claras influencias del sonido Seattle de los 90´s) que siempre ha sido la seña de identidad de esta banda desde sus inicios y que por tanto también caracterizaba a las canciones del que es su único largo editado hasta la fecha: “Once & for all”. La fórmula con la que están alcanzando unas cotas tan altas de calidad consiste en funcionar como una maquinaria pesada, aplastante y sin fisuras en la que la batería y el bajo marcan el ritmo con una fuerza avasalladora, las guitarras se elevan con riffs robustos y poderosos y por encima de todo, surge la poderosísima e hípermasculina (en la onda de Vedder, Peter Murphy o Eldricht) voz de un Víctor García que aglutina todo el peso de la formación con una fuerza increíble. De su excelente concierto destacaron las interpretaciones de esas cuatro soberbias canciones que ya he dicho antes, componen su último E.P.: “Gabriel”, “Nimble”, “Weathervanes” y por encima de todas ese potente, veloz y despiadado hit que es “Incide & Outside”; y una “versionaca” de Stone Temple Pilots que se atizaron, en la que Víctor se transformó ante nuestros ojos en Scott Weiland de forma brillante. Como anécdota de la noche, vivimos un momento bastante moña (aunque reconozco que hay que tener los cojones cuadrados para atreverse a hacer algo así) cuando el bajista Jorge Sidera mandó a su novia que subiese al escenario y le pidió matrimonio delante de todos los presentes. Y por cierto, entre lágrimas en los ojos, le dijo que sí….

DESCONCIERTOS (RETRIBUTION GOSPEL CHOIR)

2011-08-25T03:34:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 7 de Julio de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 80 personas aproximadamente.

Muchos de vosotros no conoceréis a este trío americano y los pocos que los conozcáis seguramente habréis llegado a saber de ellos a través de otra banda con una trayectoria mucho más larga y consolidada: Low. Esto es lógico teniendo en cuenta que Retribution Gospel Choir es la banda paralela del alma máter del anterior grupo citado, Alan Sparkhawk, desde 2008, año de su debut discográfico con un disco homónimo, y que en ella también colabora otro miembro de Low: el bajista Steve Garrington. Pero sería injusto considerar a esta formación -completada por el batería Eric Pollard- como un sucedáneo o un proyecto de menor enjundia que Low, ya que visto lo visto en este concierto y sobre todo, oído lo oído en sus dos discos publicados hasta la fecha y en sus directos, tengo que deciros que para mí, Retribution Gospel Choir no sólo se equipara en calidad a Low, sino que lo llega a superar sobradamente. Evidentemente en ambos grupos existen muchos puntos en común, sobre todo en el fondo, pero las formas son totalmente distintas. El propio Sparkhawk lo explicaba de forma soberbia en una entrevista concedida el mes pasado a la revista Mondosonoro: “Si comparo Low con Retribution Gospel Choir, mi otro grupo, me doy cuenta de que la tensión existe en ambos casos, pero mientras con estos soy capaz de sacarla al exterior, en Low esa tensión permanece interna. Low es el calor que surge de dentro, mientras que Retribution Gospel Choir sería el viento”. Añado: un viento denso, abrasador, resucitador de sus/nuestros pecados. Un viento exudado por tres tipos sudorosos que en esta cálida noche veraniega sirvió no obstante para empaparnos con unos refrescantes sonidos cargados de matices. Y es que es increíble como este trío americano consigue enmarañar sus canciones con unas melodías plagadas de quiebros y requiebros (en directo es más impactante aún que en sus discos puesto que desarrollan y alargan aún más sus temas, improvisando de forma considerable), mezclando todo tipo de estilos (desde el rock al reggae pasando por el ska, el rocksteady, la psicodelia e incluso claros ramalazazos del sonido Seattle de los 90´s) y sin embargo logrando una identidad sonora totalmente reconocible, personal, contundente, excitante y abrumadoramente buena. Un sonido difícilmente descriptible pero que no obstante yo me lanzo a definir como un quejumbroso quejido extenuante y delicioso. Un sonido cimentado en un vendaval sonoro sobrevolado por la voz de Sparkhawh que se mueve por un sinfín de registros que me recordaron desde el Sting de los primeros tiempos con The Police al Vedder más grave de Pearl Jam. Todo ello puesto al servicio de un público que se me antojó demasiado escaso para los méritos del trío, quienes no obstante se dejaron la piel sobre el escenario con dos horas de concierto en las que cayeron casi todos los temas de sus dos largos publicados hasta la fecha: “Retribution Gospel Choir” (2008) y el reciente “2”. A destacar dentro del sobresaliente tono general las brutales: “Kids”, “Easy Prey”, “Hide It Away”, "Your Bird", "Take your time" y “68 Connecticut”, trallazos antológicos que fueron la guinda a una noche extraordinaria.

DESCONCIERTOS (DEMISERABLES)

2011-08-24T03:04:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 2 de Julio de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 40 personas.

En el plano meramente musical, del grupo Demiserables en general y de este concierto en particular, hay muy poco que contar: son una especie de orquesta de la que toca en las fiestas de los pueblos, bastante amateur y bastante mala, la verdad. Sin embargo, esta formación encierra una serie de secretos y/o anécdotas, que en cambio son toda una delicia e ilustran a la perfección esa típica frase de “la de vueltas que da la vida”. Pero vayamos por partes.

Me parece de ley resaltar en primer lugar el carácter benéfico de este concierto. La banda liderada por Fredy Sanz (guitarra y voz principal) y Tony Mahillo (bajo y coros) -talluditos ambos- organizó este evento por tanto con dos fines fundamentales: obtener dinero para ayudar a dos asociaciones solidarias, una de ellas destinada a la lucha contra el cáncer de mama; y a su vez lograr un poquito de promoción, lo que nunca está de más. Este gesto, evidentemente les honra, porque no sólo cedieron todo el dinero de la recaudación a dichas asociaciones, sino que además para hacer más apetecible al público su concierto, regalaron con la entrada el único disco que hasta la fecha han publicado: “Hasta que los muertos bailen” (con cuya foto de portada ilustro esta entrada, porque considero que no tiene desperdicio, siendo para mí desde ya mismo, una carátula de culto de lo que podría denominarse la serie B de la iconografía musical). Pero como la vida da muchas vueltas y en ocasiones es bastante perra, Demiserables no lograron alcanzar ninguno de sus fines. Para empezar, no más de cuarenta personas acudieron a verles y por tanto la recaudación fue tirando a exigua. Y para terminar, y por el mismo motivo, promoción lo que se dice promoción no consiguieron mucha. De hecho, nadie habló de este concierto a posteriori, pasando totalmente desapercibido. Este batacazo encabronó sobremanera a Fredy y a Tony, que al acabar su bolo discutían sobre los errores cometidos: poca publicidad del evento; concierto veraniego en Madrid, que es probablemente la fecha en que menos público hay en la capital; cesión de la recaudación y regalo de discos, con lo que acabaron palmando bastante pasta teniendo en cuenta que tuvieron que pagar de su propio bolsillo además, el alquiler de la sala; y conocimiento y reconocimiento in situ de la escasa repercusión que iba a tener su actuación. Vamos, un hostión en toda regla.

Un hostión que sinceramente desde fuera era bastante fácil de predecir, pero claro está, a ellos les costó mucho más contemplarlo, porque si no son ellos mismos los que creen en sus posibilidades de éxito, entonces quién va a hacerlo teniendo en cuenta lo amateur y obsoleto de su propuesta. Porque las cosas como son, sus canciones son un compendio de pop/rock ochentero aburrido, de letras horribles, sin sangre, sin alma y sin energía. Un rollo “apachanguerado” manido y trillado hasta la saciedad. Su calidad como músicas deja mucho que desear (son como ya he comentado anteriormente más amateur que profesionales). Y su estilismo, indumentaria (sobre todo la de la vocalista femenina Montse Mayoral), poses, movimientos en escena y frasecitas de rigor (“vamos a mover el esqueleto”) están ajados y recuerdan a los de las orquestas de pueblo. En resumen, que su estilo está muy alejado del de la música típica del circuito independiente y también del de la música típica del circuito comercial, así que por mucho que Fredy y Tony (hasta los nombres parecen sacados de los 60´s) luchen por su éxito, mucho me temo que no van a comerse ni un colín, ni hoy ni mañana ni pasado. Hablando tras su trasnochada, tragicómica y fracasada actuación con varios compañeros de la sala, comenté que la escasez de público asistente me parecía lógica teniendo en cuenta lo amateur de la propuesta y lo mucho que se notaba lo que les imponía a estos músicos subirse a un escenario como el de El Sol. Con una sonrisa en los labios un amigo me comentó -hete aquí la de vueltas que da la vida- que sin embargo él podía asegurarme que esta no era la primera vez que uno de los integrantes de la banda se había subido a ese mismo escenario y había llenado la sala en el pasado. Estupefacto le pedí que me comentase esa historia porque parecía no tener desperdicio; y de hecho no lo tiene y además os aseguro que os va a pintar una sonrisa en los labios. El caso es que el ahora conocido como Tony Mahillo, antes de iniciar su andadura como bajista y vocalista de Demiserables, quiso probar suerte como novillero y matador de toros. Bajo el nombre de Antonio Mahillo hace ya unos cuantos años, dio una fiesta en este mismo local para celebrar la que iba a ser su puesta de largo como matador de toros. Reunió a muchos amigos, apoderado, colegas, cuadrilla y familiares. Pero lo que iba a ser una divertida celebración tampoco acabó nada bien (como en esta ocasión). El problema lo tuvo un amigo que llevó unas banderillas reales a la fiesta y empezó a bromear con el propio Mahillo: que si te las clavo por aquí, que si te las clavo por allá, que si te pongo un par por todo lo alto. Y vaya si le puso un buen par de banderillas, pero en vez de por todo lo alto, más concretamente le pinchó una donde la espalda pierde su nombre, lo que le convulsionó el rostro del dolor, teniendo que abandonar su propia fiesta en ambulancia. Lejos de aprender de errores pasados el antiguo torero volvió al mismo coso y acabó recibiendo otra herida de muerte, en este caso artística. Eso sí, su vida es para hacer una película, también de serie B, como no podría ser de otra manera. Y así concluye esta crónica que espero me permitáis brindarle al bueno de Antonio-Tony: va por usted, maestro.

DESCONCIERTOS (LOS IMPOSIBLES)

2011-08-23T05:49:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Viernes 1 de Junio de 2011 en El Sol (Madrid). Público: ½ entrada.

Más de veinte años de carrera plagados de buenos conciertos, buenos discos -“Hoo Ha”, “Marigold Garden”, “Party a GoGo!”, “Lost & Fun” y especialmente el último editado, que presentaron en este concierto y que sale a la venta en Septiembre: “En Espiral”- y buenas canciones -“Tú tú”, “Gooliver song”, “Una vez más”, “Listen to me” y las nuevas “No, no, no”, “Little Joe”, “Disfraz”…-, avalan a Los Imposibles como uno de los mejores grupos de pop españoles de los últimos años. He escrito grupo de pop, porque para mí, es este estilo el que mejor les define y al que más cariño profesan los propios miembros de la banda. No obstante, gran culpa de su éxito y de mi/nuestro/vuestro reconocimiento ganado a pulso, es sin duda el hecho de que han sido unos inconformistas durante todo este tiempo, naufragando, probando, tocando, experimentando, revitalizando y sumergiéndose en un sinfín de géneros y estilos -sonidos sixties, garage, beat, psicodelia, folk rock, rhythm and blues, rock, pop clásico y soul-, sin encasillarse jamás y remando a contracorriente la mayoría de las veces. No sé si Paco Poza y los suyos poseen dotes adivinatorias, pero lo cierto es que acertaron de pleno con el nombre elegido para su banda, puesto que siempre ha sido (y lo sigue siendo) casi imposible adivinar por donde iban a ir los tiros -musicales, se entiende- de cada nuevo trabajo de los madrileños. Sirvan como muestra sus tres últimos discos: “Party a GoGo!” (1996) está compuesto de canciones muy bailables con toques de R&B y destila soul a borbotones, “Lost & Fun” (2007) en cambio es un largo donde predomina fundamentalmente el powerpop más descarado y “En espiral” es probablemente su trabajo más mod y con más toques sixties de su carrera. Fue precisamente este último disco el que desgranaron en su totalidad en este concierto, nuevamente formado por canciones compuestas tanto en inglés como en castellano. Unas canciones que se convierten en las mejores de su dilatada andadura gracias a un aumento significativo de la calidad de sus melodías y a la gran gama de matices que poseen (los vientos vuelven a cobrar una vital importancia y el órgano de Jose Magan se erige en el principal protagonista). Unas canciones que en muchos casos adquieren el status de hits en potencia por su contundencia, energía y vigor: “Volverás”, “Disfraz”, “Little Joe” y “No, no, no” son buena prueba de ello. También es cierto que influyó enormemente en el resultado final de esta actuación la mayor fuerza escénica de estos “imposibles” con respecto a anteriores directos, dando toda una lección de saber estar y demostrando una actitud mucho más fiera sobre las tablas que en visitas pasadas. En la actualidad, controlan además mucho mejor el tempo de sus actuaciones y eligen mejor el orden de los cortes que van a tocar. Durante este concierto de hecho, comenzaron suaves para ir acelerando poco a poco en un in crescendo que motivó y encendió mucho más al público que en bolos pasados, acabando como un vendaval sonoro con los temas “Vas a llorar”, “Love & simpathy”, “Stop stop” y “River deep”, que fueron una culminación acojonante a su gran noche, en la que demostraron una ecuación a priori inverosímil: se puede hacer arder una sala con sonidos refrescantes, siendo el acuoso sudor de cada miembro de la banda el mejor acelerante existente para encender la llama. Así que ya sabéis, si os gusta el pop de altura, en Septiembre ya tenéis un buen regalo que haceros: el disco “En espiral”, que es “imposible” que os defraude. O eso al menos, creo yo.

DESCONCIERTOS (LA NUEVA CARNE Y VÍCTOR LEFREAK)

2011-08-16T02:45:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Jueves 30 de Junio de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 100 personas aproximadamente.

Coincidiendo con La Semana del Orgullo Gay, celebración que año tras año va perdiendo cada vez más su originario sentido reivindicativo y quedándose tan sólo en una celebración meramente lúdica, sinónimo de desparrame, desbarre, ruido, toneladas de basura, cortes de tráfico, olor a meados en todo el puto centro de Madrid y de todo un anecdotario que va desde comidas de polla en plena vía pública a chorras exhibidas desde las balconadas de casas y hoteles, pasando por rompimientos de ojete en portales y callejones oscuros; que seamos sinceros, cada vez nos toca más los ovarios y los cojones al resto de la población que tenemos que compartir este sin sentido que perdió el suyo hace ya mucho tiempo; se programó en El Sol este concierto especialmente pensado para atraer al público gay de la capital.

No me gusta tirar de estereotipos ni de generalidades del tipo: todos los gays son unas “locas”, todas las lesbianas son unas “camioneras”, todos los gays están de acuerdo con estas celebraciones, la mayoría de gays tienen un gran gusto a la hora de vestir y dedican mucho tiempo a cultivar su físico, etc, etc. Porque dentro de esta comunidad hay de todo como en el resto de comunidades o grupos sociales. Por tanto, sería un error decir que al amplio abanico de público gay que hay en nuestro país le gusta la música de gente como Víctor Lefreak o La nueva carne. En cambio, sí que hay que reconocer que este tipo de “artistas” son seguidos eminentemente por un público que en el 90% es gay, y que realizan un tipo de música que por estilo, letras, guiños, vestuario, estética y complicidad, está precisamente destinada a este estrato concreto de público. Un estilo que suele cimentarse en unas bases musicales electrónicas trasnochadas y pachangueras cercanas al techno-pop de los 80’s, sin evolución ni renovación. Unas letras que buscan los dobles sentidos, los mensajes reivindicativos directos, toques picantes por aquí y por allá y que tienen de poético lo mismo que el famoso “Andreíta, cómete el pollo”, de Belén Esteban. Unos guiños basados en los más que manidos “ay, maricón que te como...”, “estás divino de la muerte” y cosas así. Un vestuario en el que predominan los cueros ceñidos, las camisetas que dejan entrever torsos desnudos y las botas de cuero rollo gótico o siniestro. Una estética que es una especie de evolución amanerada del estilo oscuro propio de los ya citados siniestros, en la que priman los pelos cardados, los tintes, el exceso de maquillaje, la brillantina y las lentillas de colores. Una complicidad que se basa en el orgullo de pertenecer a un mismo colectivo, que no obstante, vista desde fuera, cada vez provoca más la sensación de que si por ejemplo, yo fuese homosexual, no querría estar representado por muchos de estos guiños y retrógrados estereotipos que desde el propio colectivo se fomentan y ejecutan hasta la extenuación. En definitiva, un espectáculo que suena mal y huele aún peor (a cerrado para ser más explícitos). Pero vayamos por partes.

Víctor LeFreak es un madrileño que hace lo que la mayoría de “artistas” de su “gremio”: música electrónica de bases obsoletas, ritmo anodino, nada novedosa ni innovadora y tirando a pachanguera. Con unas letras horripilantes que pretenden tener un punto “in” y reivindicativo, pero que se quedan en un agua de borrajas ajada y descorazonadora. Su voz es insulsa, por no decir fea, y su sentido del ritmo es nulo. Para rematar la faena, su estilismo es para mear y no echar gota. Viste de negro, con unos pantalones de traje y con una camiseta de licra ajustada que sirve para mostrarnos con más detalle sus ya de por sí generosos michelines y sus ya de por sí exuberantes lorzas (para los que me conozcáis os diré que son similares a los míos, de buen calibre, vaya) y remata la jugada con unas botazas negras de cuero a lo “Terminator”. Vamos que pretende ser una especie de Raphael del siglo XXI y se queda en un “Bonico del To´” pero con pluma, mezclado con el Pozí, por su figura desgarbada y achaparrada, y por su forma de moverse en escena, que recuerda al quiero y no puedo de un abuelo en el baile de una boda, cuando le cambian del pasodoble a un reggaeton, por poner un ejemplo. El jodío no obstante, tiene los santos cojones de remarcar en su myspace que su música suena como Garbage, Marilyn Manson, Depeche Mode o Pet Shop Boys, cuando en realidad es una mierda de techno pop que canción tras canción repite el mismo puto ritmillo insulso, aburrido y trasnochado. También tiene huevos para decir que su estilo es Electrónica/Glam/Pop. ¿Electrónica porque ha grabado unas bases que recuerdan a la jodida bossa nova que sonaba en nuestros antiguos Casios? ¿Glam porque lleva lentillas de color azul? ¿Pop porque pretende imitar a Berlanga y a Fangoria con funestos resultados? Y una puta mierda. Las canciones que componen su único disco publicado hasta la fecha, el prescindible “Mi infierno personal”, no son ni glam, ni pop ni hostias. En realidad son un nuevo ejemplo de este subestilo de “Fuckin Gay Music” que sinceramente, es una tomadura de pelo que ya se está extendiendo demasiado en el tiempo.

En la presentación de La nueva carne se dijo textualmente que su show iba a constar de tres partes: una primera parte electrónica en la que ya dejaron entrever esa mentira tan del gusto de los artistas pertenecientes a la órbita de la FGM (os recuerdo, “Fuckin Gay Music”) y que consta en decir que son capaces de innovar todo tipo de estilos -copla, música gótica y pop, mencionaron entre otros- atacándolos desde su órbita petarda y refrescante (repito, MENTIRA). Una segunda parte en la que iba a acontecer un sensual y elegante streaptease por parte de la starlet Natalia (MENTIRA también). Y una tercera parte en la que dijeron que iban a acometer una serie de temas desde una órbita cercana al rock y al rockabilly de los años 50´s (MENTIRA Y CALUMNIA). Porque en realidad lo que paso fue lo siguiente. En la primera parte de su concierto, La nueva carne centraron su sonido en las raíces del FGM, esto es, tocaron un compendio de temas de techno pop trasnochado con letras insulsas en las que se repite el estribillo unas cien veces de media (y sino escuchad en youtube uno de sus “pelotazos estrella”: “Maquillaje hasta en el corazón”), cimentadas en la típica y tópica voz amariconada -por principios y por gusto- de Iván (el cantante del grupo), siendo el momento álgido y más gótico de la noche (según ellos mismos.... tiene cojones la cosas) su versión de “Mi novio es un zombie” de Alaska. Supuestamente, esta primera parte de su concierto sería una revisión por parte de la banda de sus primeros pasos en esto de la música (cuatro años atrás), en la que antes de evolucionar centraron su sonido en lo que desde la órbita de seguidores y plumillas de este tipo de formaciones se denomina Glam Rock con reminiscencias de los New York Dolls y estética andrógina y oscura (La nueva carne hace referencia a la película de Cronemberg del mismo título en la que analiza el miedo del ser humano al cuerpo y sus transformaciones, dando vueltas a la idea del horror corporal), tocando temas de su homónimo primer largo. Digo supuestamente, porque como ya he dejado bien claro, de glam lo único que hubo fue la estética cuidada de los miembros de la banda, y nada más; de rock un par de solos de guitarra bastante normalitos; y de electrónica, unas bases con una falta de originalidad y de fuerza, alarmantes. El anunciado como sensual y elegante streaptease de Natalia se quedó en un “despotrico sobre el escenario como una yegua salvaje y sin más miramientos te enseño mis tetas operadas, así a lo bestia, a cascoporro, para finalmente embadurnarlas de nata e irme cagando hostias por donde he venido”. O lo que es lo mismo, Natalia fue poco sensual, no acompasó sus movimientos -demasiado bastos- a la música que acompañó su actuación y ni sugirió ni sedujo. Vamos que fue un “enséñeme usted esas tetas” y poco más. Y la tercera parte del espectáculo, os recuerdo, anunciada como un compendio de canciones revitalizadoras del rock y el rockabilly de los 50´s, fue en realidad un compendio de temas de pop/rock de radiofórmula bastante pachangueros, que no obstante fue lo menos malo que nos ofreció La nueva carne durante la velada. Pero vamos que de rock y rockabilly ni el huevo. Con deciros que uno de los temas estrella de esta parte del directo fue una versión a “lo gótico” (palabras suyas) de “La bambola” de Patty Pravo os lo digo todo. Esta supuesta revisión del rock de los años 50´s que hizo La nueva carne, fue en realidad una revisión de temas de su segundo largo publicado: “13 historias de amor, locura y muerte” y de su reciente y último disco: “Adiós amigos”, donde al menos, los miembros de la banda han endurecido algo su sonido y han dejado de lado bastantes estereotipos típicos del FGM, siendo no obstante los pilares de este “movimiento” los que siguen marcando su música. En definitiva, una muestra más de lo alejada que suele estar la realidad de lo que se nos cuenta a través de hojas promocionales, myspaces y webs afines a muchos de los grupos españoles independientes. Así, nos va....

idea basada en el horror corporal del que el artista es precursor, y que sintetiza todo lo relacionado con el miedo del hombre ante la transformación física, lo psicológico, el cuerpo, la enfermedad...

DESCONCIERTOS (LITTLE WINGS Y BREATHE OWL BREATHE)

2011-08-03T08:57:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Miércoles 29 de Junio de 2011 en El Sol (Madrid). Público: 40 personas aproximadamente.

El menú del Sol es variado: se pueden degustar exquisiteces y algunas delicattessen, pero también algo de fritanga de vez en cuando, algún que otro producto que ya huele un poco a rancio y alguno que otro fresco, como un buen pescado del día o de la temporada, ofertas tradicionales y ofertas de nueva cocina, pasteles empalagosos, carnes prietas y duras como la piedra, bizcochitos, degustaciones ácidas y amargas, buenos vinos reposados con el paso del tiempo, caldos de nuevo cuño, productos españoles, americanos, ingleses, franceses, nórdicos, alemanes y hasta del lejano oriente. Algunos manjares son más comerciales, otros más desconocidos. Hay menús que van desde los cinco euros a los treinta. Viandas con estilo propio y viandas que son burdas copias de otras de mayor enjundia. En este caso concreto, se repitió uno de los menús que últimamente más se ofertan en la sala de conciertos madrileña: dos raciones de folk americano, una de fácil digestión -Breathe owl breathe- y otra más pesada, de las que repite bastante y de las que suele provocar una siesta conocida con el nombre de: el desnucamiento del pobre espectador.

Primer plato: Breathe owl breathe

Pese a partir con la vitola de entrante, los teloneros acabaron siendo el plato fuerte de la velada, bastante por encima de Little Wings. Su hermoso y poético nombre -“Respira, lechuza, respira”- define ya bastante bien el estilo musical de este trío de Michigan: folk intimista y suave, pero a la vez oscuro y dotado de ciertos elementos (que más adelante analizaré) que generan desconcierto e inquietud en el oyente y que por tanto rompen con la monotonía imperante en el típico folk de raíz. La parte más cadenciosa y dulce de sus canciones se cimenta en los exquisitos juegos vocales de Micah Middaugh y de la también violonchelista Andréa Moreno-Beals, mientras que el punto inquietante y dramático lo consiguen a través de los múltiples quiebros y requiebros de sus melodías, las distorsiones, la variedad de instrumentos y la utilización de varios elementos de atrezzo tales como disfraces y caretas. Por momentos me hicieron zozobrar con algunas composiciones un tanto monótonas, pero lo cierto es que sonaron mucho más originales que la media y buscaron una constante interacción con el público (llegando incluso a crear coreografías de sus temas que pedían al respetable que repitiese) que otorgó a su actuación un mérito extra. Además demostraron sin lugar a dudas que son unos músicos (Trevor Hobbs completa la formación) de innegable talento. No en vano poseen ya cinco discos publicados (en esta ocasión centraron su repertorio en temas de su último trabajo: “Magic Central”) y han estado girando este último año en su país con el mismísimo Yann Tiersen. Por si estos no fuesen méritos suficientes se encargaron de lograrlos definitivamente con composiciones tan poéticas como: “Swimming”, “Dog walkers of the new age” y “Own stunts”, completando una actuación que por rara y novedosa acabó haciéndome disfrutar en muchos momentos de la misma. Eso sí, con estos artífices de la “nueva cocina”, siempre te acaba quedando la duda de hasta que punto su producto no deja de ser en parte una tomadura de pelo y no pude por menos que acabar preguntándome si lo suyo es más talento que cuento o más cuento que talento. Bien es cierto, que yo soy bastante desconfiado a la hora de elogiar moderneces, porque en más de una ocasión y de dos y de cien me han querido dar gato por liebre. Pero sinceramente, no creo que este sea el caso.

Segundo plato: Little Wings

Todos los expertos gastronómico-musicales coinciden en asegurar que tras Little Wings se esconde uno de los nombres más relevantes del nuevo folk-rock americano de los últimos años: Kyle Field. Algo que no es de extrañar, ya que el señor Field reúne todas las condiciones para ser idolatrado por este tipo de gourmets: barbudo, algo desaliñado, tocado con camisas de cuadros, con cara de estar siempre meditando en cosas profundas y supraterrenales, colaborador de gente como Will Oldham o Devendra Banhart, independiente de los de verdad (o lo que es lo mismo, un tipo que se oculta de los medios y por tanto pasa más que desapercibido en su país de origen y es un auténtico desconocido fuera de él) y por si fuera poco convertido ya en figura de culto para los más influyentes periodistas adscritos al “Movimiento” (¿qué movimiento? No me tiréis de la lengua que los espías con gafas de pasta están por todas partes). Y lo cierto es que algunos motivos hay para encumbrarle, siendo el principal, su prodigiosa, imponente e impactante voz y en menor medida la cadenciosa clase de algunas de sus canciones (sería injusto decir que no tiene temas meritorios, porque haberlos haylos). Lo que ocurre es que el grueso de sus composiciones peca de ese mal endémico que tienen la mayoría de artistas adscritos al folk: son aburridas, previsibles, monótonas, predecibles y cansinas. Vamos, que un picoteo de no más de diez minutos gusta, pero una ingesta de más de una hora de Little Wings acaba dándote ganas de pegarte un tiro (de lo que sea). Pese a todo, destacaré como momentos brillantes de su actuación los que coincidieron con las interpretaciones de “Gold teeth”, “How come?” y “Mr. Natural” (ésta perteneciente a su último álbum publicado: “Black Grass”). Y poco más que decir, bueno sí, que tras su paso por la capital, los admiradores más acérrimos de Kyle Field van a poder seguir vanagloriándose de que su ídolo sigue siendo un artista de culto e independiente, siendo buena prueba de ello el hecho de que a verle, no acudieran ni siquiera cincuenta personas.

DESCONCIERTOS (BUEYES PERDIDOS)

2011-08-02T04:18:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Martes 28 de Junio de 2011 en El Sol (Madrid). Público: menos de cien personas pese a tener una lista de invitados con unos doscientos nombres en total.

Bueyes perdidos nació a finales de 1999 como el proyecto musical del compositor, guitarrista y vocalista argentino Guillermo Silveti, bajo un primer nombre que era Los Victoriosos Perdedores. Afincados en la capital, su mayor logro ha sido desde entonces, ganar el “Rock Villa de Madrid” de 2003 y publicar dos discos: el homónimo “Bueyes perdidos” en 2006 en el que colaboró Ariel Rot y el recientemente publicado: “Rocanrolismo”. Tras varios cambios en la formación, la banda la completan actualmente junto con el ya citado Silveti: Javier Polo (bajo y voz), Pedro Navarro (batería y voz), Santi Guillén (guitarra y voz) y Marcel Beltrán (teclados). Tras este breve y aséptico repaso a su carrera, os revelaré ahora cual es la gran verdad que gira en torno a estos Bueyes perdidos: los mires por donde los mires y los escuches como los escuches, son una banda desactualizada de pop/rock en castellano, desfasada en el tiempo, que ha surgido muy tarde (demasiado), que posee una propuesta musical ajada y con olor a rancio, que nada nuevo aporta y que ni siquiera te permite recordar con nostalgia el pasado, puesto que su calidad dista mucho de ser revitalizadora y mucho menos excelsa. Me explico. El grupo en cuestión no hace más que generar un sonido y unas canciones que parecen meras copias de unas canciones y de un estilo que ya tuvo su momento álgido hace varias décadas. Un sonido que no es otro que el del rock en castellano típico del Buenos Aires de los años 70´s y 80´s y el del rock en castellano clásico español también de la misma época de bandas como Burning o Los Cadillac. Y esta mezcla argentino-española hace que en el fondo y sobre todo, Silveti y los suyos sean una especie de esos Tequila nacidos a mediados de los setenta y de esos Rodríguez que triunfaron en los noventa (hasta Silveti copia el mismo corte de pelo de Calamaro, luciendo un pelazo de los que quitan el sentío), haciendo ese mismo primer rock en castellano casi pueril y con claros toques pop, que en su momento tuvo mucho mérito y encanto, pero que en la actualidad, con toda la renovación que ha sufrido el género, más que hacer gracia o generar simpatía o provocar un sentimiento nostálgico reconfortante; lo que genera es desasosiego ante la falta de ideas originales, encabronamiento por lo anodino e insulso de la propuesta e incluso cierta desazón porque ni siquiera esta copia tardía y desfasada en el espacio y el tiempo, se acerca de lejos a la calidad de las fuentes originales de las que bebe. Por falta de enjundia, de fuerza y de chispa. Por los numerosos acoples que nos regalaron. Por apocados e insulsos. Por lo desfasado de su discurso, de sus chascarrillos y de sus arengas al público presente -“Vamos que nos vamos”-. Por lo cansino del ritmo de su actuación, cuajada de parones. Y sobre todo, porque todas sus canciones parecieron idénticas (una misma melodía con letras diferentes pero también similares entre sí). Están tan pasados de moda que el momento álgido de su concierto contó con la presencia de José María Guzmán (nada que reprocharle, pero no olvidemos que el que fuese líder de los Cadillac vivió su momento de mayor gloria allá por 1986 cuando representó a España en Eurovisión con la canción “Valentino” y actualmente toca en directo con su banda Los Hobbies, haciendo versiones del Puma y de los Dire Straits; vamos, que actual lo que se dice actutal….) en el escenario cantando un tema con el resto del grupo, como queriendo decir: “si amigos, por si os quedaba alguna duda, aquí estamos José María y el resto de talluditos de la banda confirmando que somos un grupo de rock que intenta triunfar en el siglo XXI haciendo una música que ya tuvo su momento de gloria casi cuarenta años antes”. Y no me malinterpretéis, yo desde aquí siempre he reivindicado los sonidos, géneros y estilos pasados, que además son mis favoritos. De hecho creo que la cima del rock y casi de la música moderna en general, tiene su tope en la década de los 70´s y que desde entonces no ha vuelto a surgir un número tan grande de artistas tan innovadores, excelsos y meritorios como los de aquellos maravillosos años. Y de hecho creo que es necesario que los nuevos músicos beban de esas fuentes, se empapen de su música y no la olviden nunca. Que la revitalicen, que la veneren y que le rindan homenaje constante. Pero claro, no es lo mismo hacerlo como por ejemplo lo hace el que para mí es en la actualidad sino el mejor, uno de los más grandes grupos de rock que hay en España: The Soulbreaker Company, que basándose en el legado de bandas del calibre de Pink Floyd, Deep Purple o Led Zeppelín han conseguido crear a su vez un sonido único, diferenciador, original, demoledor y acojonantemente bueno; que hacerlo como estos Bueyes Perdidos: copiando un sonido ya existente de forma regulera sin infringirle nuevos aires y sin aportar nada nuevo. Por eso queridos amigos, unos son tan grandes y otros tan pequeños. Por eso sigo desconfiando de todos los concursos tipo “Villa Rock de Madrid” en los que suele primar el amiguismo sobre el talento. Y por eso, al concluir la actuación de Bueyes Perdidos, como guiado por la segunda palabra de su nombre, me di cuenta de que apenas recordaba nada, quedando su música y su presencia “perdidas” en el olvido.

DESCONCIERTOS (SALA Y WE WERE EVERGREEN)

2011-08-01T10:05:00.000-07:00

Concierto celebrado el pasado Sábado 25 de Junio de 2011 en El Sol (Madrid). Público: unas 50 personas.

Sin estar anunciados previamente, saltaron a escena como teloneros de Sala, los franceses We were evergreen, que con su especie de post-folk, o quizás sería mejor llamarlo “new-folk”, nos ofrecieron un concierto en el que primaron los sonidos refrescantes y originales, convirtiéndose el suyo en un descubrimiento más que satisfactorio. Con tan sólo dos años de andadura el trío formado por Michael, Fabienne y William se mueve como pez en el agua sobre el escenario, engrandeciendo sus canciones con un refinado y casi pueril sentido del humor, mucho desparpajo y una performance continua con la que dramatizan todo su repertorio, haciendo de sus actuaciones una especie de mini obra de teatro. En el plano estrictamente musical realizan un pop suave, melodioso e intimista con toques folk, en la onda de Simon and Garfunkel, consiguiendo eso tan difícil de lograr, que es sonar delicados sin caer en el moñerío tan típico del género. Gracias a unas melodías con mucho ritmo, unos poderosos toques electrónicos por aquí y por allá y unos trepidantes duelos vocales. En esta onda se mueven temas como “Vintage car” o “Eighteen”, siendo no obstante la divertidísima y refrescante “Penguins and moonboots”, la cima de su repertorio. Me agradaron su música, su puesta en escena y sobre todo su insultante buen rollo, cimentado en tres sonrisas perennes coloreando tres rostros felices, que resumen a la perfección el estilo de esta banda.

Sala Elassir, vocalista que da nombre a la banda Sala, es otro ejemplo de tipo ufano, simpático y agradable. Pese a que no tengo lo que se dice una sólida amistad con él, sí que nos conocemos, hemos charlado varias veces y tenemos un trato más que cordial, del que sin miedo a equivocarme deduzco que es un muy buen tío. Además de buen tío, Sala es un músico aceptable que le pone corazón y esfuerzo a lo que hace. Y estaréis pensando, ¿por qué cojones me cuenta el “Chulón” todo esto? Os cuento todo esto, porque este podría ser un magnífico ejemplo de uno de esos casos en el que poder hacer una crónica amiguista y edulcorada (os recuerdo que me llevo bien con Sala, me cae simpático, me parece buen tipo y su música lejos de ser horrible, a mí me parece más que decente) tan del uso por desgracia en la prensa musical independiente de este país y que sin embargo yo detesto y considero que debería ser erradicada de una puta vez por todas. Por eso, en vez de ocultar u obviar defectos y ensalzar y enfatizar virtudes, una vez más, voy a escribir de forma sincera y honesta sobre este compositor y su banda. Porque en el fondo, queridos lectores, la objetividad, por encima de amistades, cariños, beneficios económicos y acuerdos publicitarios, debería ser siempre el pilar sobre el que se fundamentasen entrevistas, crónicas, reseñas y artículos, aunque a la mayoría de las personas relacionadas de una u otra forma con los medios de comunicación en general y musicales en particular, esto les suene a chino.

Una vez hecho este importante matiz, hablemos ya del concierto de Sala en El Sol del mes pasado. El grupo en cuestión lo completan además del ya citado cantante, compositor principal y guitarrista, Oliver a la guitarra eléctrica, JC al bajo y Kjetil a la batería. Con menos de un lustro de andadura, Sala y los suyos han bebido fundamentalmente de las bandas más famosas en los últimos años del indie pop/rock británico y americano -The Strokes, The Hives, Artic Monkeys, Kings of Leon…-, teniendo su sonido claras reminiscencias del estilo de todas ellas. Su música por tanto tiene un claro tinte anglosajón y mezcla contundencia y frescura a partes iguales. El problema es que sus canciones no dejan de ser una especie de remake de otras canciones ya hechas por bandas con mucha más personalidad, virtuosismo y empaque, lo que provoca la sensación de que en definitiva las composiciones de Sala son copias bastante peores que las originales de las que beben: más anodinas, con menos ritmo y fuerza. La voz de Sala tampoco ayuda, puesto que le falta personalidad, y mucho menos aún las versiones de clásicos que desgranan en sus actuaciones: la del “So Lonely” de The Police fue regulera, pero es que la que hicieron del “All my living” de The Beattles fue horripilante. Aún así, como ya he remarcado anteriormente, Sala tienen un sonido bastante refrescante y le ponen muchas ganas sobre el escenario. Y además han conseguido componer dos grandes hits que se escapan de la media y poseen una fuerza arrolladora (son unos rompepistas en toda regla, vaya): “Tonight” y fundamentalmente “Margot” con la que cerraron una actuación que pese a no ser la repanocha, tuvo momentos brillantes. Su asignatura pendiente en el futuro deberá ser intentar crear un sonido mucho más personal, y si lo consiguiesen, desparpajo y talento no les faltan. Ojalá que así sea.